Invocar o latim, aqui, é fundamental: nomeia um milagre, uma peça de teatro, no sentido pleno do conceito, em cartaz no Rio de Janeiro. Corra para ver a santidade teatral de O dia em que raptaram o Papa, de João Bethencourt, no Teatro Fashion Mall, Sala Rosa Maria Murtinho. Só assim você será perdoado de todos os pecados contra o palco que tem cometido na vida – ou que tem sido levado a cometer. Afinal, está se tornando raro contar com uma peça, na pura acepção do termo, nos palcos cariocas…

O perdão começa a acontecer graças à qualidade essencial da alma do texto: além de ser exatamente uma peça, está em cena a abençoada tradição cômica brasileira. Escrita em 1971, esta é uma das melhores obras de João Bethencourt (1924-2006), um devoto estudioso da arte do riso e do cômico. E atenção, não se trata de elogio vazio, não é reza ociosa para saudar um desvalido. O reconhecimento é ecumênico, pois esta é a peça brasileira mais encenada no exterior. João Bethencourt deveria ser cultuado por nós com fervor, permanecer sempre ao vivo nos altares teatrais do país.

E qual o segredo sagrado de tamanho sucesso? De saída, é preciso reconhecer que a trama da peça é genial, um achado, inspiração divina. A seguir, importa destacar que ela segue uma estrutura lógica rigorosa, com um encadeamento perfeito dos fatos. Ao mesmo tempo, a concepção geral se reveste de um discreto tom absurdo, muito bem dosado, um pouco semelhante às velhas parábolas dos padres antigos, preocupados em contar histórias surpreendentes para disseminar o medo do inferno. A combinação dos dois coloridos contrapostos, rigor lógico sedutor e ligeiro absurdo distanciador, conduz a plateia a um fluxo de sentimentos muito peculiar, uma delicada mistura de afeto e riso, até a comunhão final – um intenso desejo sentimental de paz no mundo, como o autor desejava sugerir…

No palco, um taxista judeu sonhador, sinceramente preocupado com a marcha destrutiva do mundo, aproveita a sorte de uma oportunidade inesperada e decide sequestrar o Papa para exigir em troca um resgate muito cristão: um dia de paz na terra entre os homens de todas as vontades… A situação bem armada arrebata e diverte a plateia num ritmo crescente, pois o taxista, afinal, tem um curioso perfil guerreiro.

A direção da montagem tem a assinatura de Cristina Bethencourt, filha do dramaturgo. O seu olhar para o texto, muito afetuoso, é de extrema sutileza, busca sobretudo assegurar o andamento eficiente da ação; para tanto, houve uma discreta condensação do original, gerada por uma preocupação, talvez desnecessária, com a sensibilidade atual. A prova da cena com certeza dissipa qualquer temor: a peça é um sucesso.

A partir da adesão da diretora à arquitetura dramática, os atores são exigidos no rigor da letra e respondem com maestria às propostas do dramaturgo. O conjunto da encenação se move de acordo com o desejo do criador, sem invenciones ou transgressões, e o ritmo de comédia sentimental flui com extrema agilidade. Dá para rir muito e, ao mesmo tempo, sentir uma emoção singela, um misto de cidadania e pertencimento.

O Papa de Giuseppe Oristanio é etéreo, consegue materializar uma imagem perfeita do representante de Deus, da voz aos gestos – irradia calma, benevolência e, por isto, encanta com impacto na sua reviravolta final. Claudio Mendes, o motorista sonhador, consegue se afirmar como herói às avessas e torna arrebatadores até mesmo os seus ensaios para explodir as resistências do mundo. Elisa Pinheiro, na esposa Sara, dosa com desenvoltura tons de irritabilidade doméstica feminina, de amor ao marido e de uma inteligência típica de ídiche mama.

A jovem atriz Beatriz Linhales (Miriam), uma grata revelação, e o ator Samuel Valladares (Irving), encarregados dos filhos do taxista, traduzem bem a impaciência juvenil, sustentam com brio diálogos coloridos de irreverência inclinados à criação de um clima de iconoclastia saudável. Nando Cunha, responsável pelo Cardeal O’Hara, e Gustavo Ottoni, no Rabino Meyer, desenham a contento as forças de oposição.

O cenário despojado, assinado por José Dias, serve bem à ação e traduz o interior de uma casa judaica de classe média simples nos arredores de Nova Iorque. A luz de Rogério Wiltgen é funcional. A cena e os figurinos (de Ronald Teixeira e Pedro stanford) buscam uma discreta sugestão dos modismos dos anos 1970, data da ação, mas sem enveredar por uma reconstrução de época minuciosa. Ao abolir a sensação exata de época, a opção funciona bem para sublinhar a continuidade da miséria humana na face do globo, com tantas guerras e mortandades do Vietnã até hoje.

Portanto, se o seu amor em arte desposa o teatro em perfeito sacramento, louve glórias aos deuses da cena e aproveite para romper o jejum – dii sunt apud te, quer dizer, os deuses estão contigo. No caso desta peça, contudo, o voto com a expressão pagã pode soar inadequado. Melhor dizer como o Papa diria: Dominus vobiscum.

Para saber o significado da expressão, se não há nos seus dias a rotina da igreja, basta olhar num tradutor online. Ou melhor, não, faça algo muito mais simples – corra para o teatro para ver a peça. Assim, em lugar de meras palavras ligeiras, você receberá em você, bem em você, em plenitude, a comunhão cênica total, puro teatro em forma de oração…

Ficha Técnica
Texto: João Bethencourt

Direção: Cristina Bethencourt

Diretora Assist. Renata Paschoal

Elenco: Giuseppe Oristanio, Claudio Mendes, Elisa Pinheiro, Beatriz Linhales, Samuel Valladares, Gustavo Ottoni

Participação especial: Nando Cunha

Cenário: José Dias

Figurinos: Ronald Teixeira e Pedro Stanford

Luz: Rogério Wiltgen

Trilha Sonora: Chico Beltrão

Voz of Locutores: Duaia Assumpção, Lucas Barbosa e José Beltrão

Voz of Xerife: André Dale

Direção de Movimento: Toni Rodrigues

Assistente de direção: Lucas Barbosa

Assistente de produção: Jovi Gonçalves

Cenotécnico: Guilherme Tommasi

Assessoria de imprensa: Daniela Cavalcanti

Fotos: Guga Melgar

Produção: Forte Filmes

Realização: Dino Produções

Serviço
O dia em que raptaram o Papa
Estreia: 9 de maio (sexta-feira), às 20h
Local: Teatro Fashion Mall – Sala Rosa Maria Murtinho (Estrada da Gávea, 899 – São Conrado)

Informações: (21) 99857-8677

Horários: Sexta e Domingo, às 20h | Sábado, às 21h
Capacidade: 400 lugares

Duração: 70 minutos

Classificação: 12 anos

Ingressos: R$120,00 (inteira) | R$60,00 (meia)

Vendas: Sympla

Fotos Guga Melgar: em estúdio

Temporada: 9 de maio a 22 de junho

Categories: Coluna de Segunda, Críticas, Teatro

Tagged: Claudio Mendes, Cristina Bethencourt, Elisa Pinheiro, Giuseppe Oristanio, João Bethencourt, Jose Dias, Teatro Fashion Mall

A invenção de um novo Brasil?

Tania Brandão

Posted on 12 de maio de 2025

Coragem e ousadia: duas qualidades fundamentais na juventude. Elas pulsam com uma força irresistível no espetáculo concebido por Lucas Popeta, Quebrando Paradigmas, novo cartaz do Teatro Correios Léa Garcia.

O espetáculo é um acontecimento no sentido mais forte da palavra. Encenado no início do ano, a reestreia foi programada para comemorar os 80 anos de fundação do TEN – o revolucionário Teatro Experimental do Negro, de Abdias do Nascimento (1914-2011). Portanto, nem hesite, é programa obrigatório, vá ver. Sempre é emocionante participar de grandes acontecimentos históricos. No caso, há ainda algo a mais: a trajetória de nascimento de um grande ator. Lucas Popeta é uma seríssima promessa de astro.

Em cena, o ator surge envolto por um cenário-cápsula impactante, uma lona vermelha pontilhada de símbolos afro-brasileiros vitais, criação de Fael di Roca. A luz hábil, que oscila entre a técnica e a poesia, de Rommel Equer e Maurício Fuziyama, desenha a área de interpretação com sutileza, funciona para sublinhar uma performance épica inesquecível.

O ponto de partida da cena é a constatação do vazio humano e cultural imposto aos jovens negros brasileiros, impedidos de conhecer histórias de vida revolucionárias, como a trajetória de Abdias do Nascimento e dos gloriosos integrantes do TEN. Existe um roubo escolar lamentável, inclinado a submeter a população negra a uma nefasta minoridade social.

Lucas Popeta simplesmente abraça o desafio de materializar em cena essa contradição. A trama é simples, apesar do desenho sinuoso da ação. De um lado, um jovem negro em busca de oportunidade, enrijecido pela aridez da vida negra contemporânea, sobretudo a da juventude negra, sufocada por preconceitos, falta de oportunidades e de valores nobres para cultuar, condenada à desvalorização humana. Do outro lado, na História, nomes heróicos obstinados, grandes líderes, combatentes a favor da potência negra, capazes de lutar e, se fossem populares, aptos para criar um outro presente. Mas esses grandes mitos são desconhecidos, inacessíveis.

Uma pergunta incômoda, latente, não enunciada, paira na sala de espetáculo – por que tantas vitórias históricas não se transformaram ainda em realidade objetiva? Por que essas histórias de vida, alentadoras e fundamentais para a grandeza social do país, não são estudadas nas escolas? Por que cada jovem negro deixa de receber a lição existencial profunda que varreu o Brasil entre 1944 e o fim dos anos 1950, fase áurea do Teatro Experimental do Negro? E as tantas outras histórias fulgurantes de lideranças negras, o que faz com que vivam fora dos livros das escolas e das vidas dos brasileiros?

A ideia de que existe uma realidade intransponível cai por terra sacudida pelos feitos do TEN – num tempo em que se considerava normal pintar atores de preto para o desempenho de primeiros papéis, Abdias organizou um elenco de atores negros. E conseguiu a noite de estreia no Theatro Municipal, no dia 8 de maio de 1945. São oitenta anos.

Mas ele não ficou por aí. Criou cursos de alfabetização, de formação cultural e conquistou convênios para bolsas de estudo. Estimulou a criação de textos teatrais voltados para valores da cultura e da vida afro-brasileira. Criou associações marcadas por intenso ativismo e o jornal Quilombo, iniciativas de grande efeito para o movimento negro.

Portanto, a forma do texto – ou roteiro dramatúrgico, assinado por Lucas Popeta, é de extrema agilidade. A narrativa fragmentada, oscilando entre o presente do rapaz inseguro e desinformado e a história pródiga, combina com muito equilíbrio o jogo da cena, dividido entre a sedução da plateia através da força do ator e o fluxo de informações históricas. Destaque-se em particular a grande expressividade física de Lucas Popeta, qualidade que lhe permite construir quadros físicos de extrema força poética. De certa forma, ele dança teatro.

Naturalmente, um grande panteão de maravilhas humanas surge no espaço, evocadas pelo texto. Traços fortes da vida de Abdias do Nascimento se combinam com as imagens icônicas de Aguinaldo Camargo (?1981-1952), Ironildes Rodrigues, Lea Garcia (1913-2023), Ruth de Souza (1921-2019), Mercedes Baptista !1921-2014)…

O desafio enfrentado pelo ator, portanto, é imenso. Ele conta com a ajuda imediata do figurino de Carla Costa, uma veste atemporal, capaz de fazer com que ele se afirme de saída como um ator-performático. A direção segura de Gizelly de Paula permite que ele transite com desenvoltura por várias modulações interpretativas. Ele é o garoto apavorado diante do mundo hostil, é o protótipo dos jovens batalhadores de hoje com frequência humilhados – ou mortos – pela polícia, é o perfil decidido de Abdias do Nascimento, ou, ainda, a exibição divertida dos maneirismos das grandes damas Léa Garcia e Ruth de Souza.

Consequentemente, a peça tem feitiço: arrebata a sensibilidade da plateia. E, misturado ao sentido de alegria pela celebração tão feliz dos 80 anos do TEN, surge um pensamento forte. E urgente. O que seria hoje do Brasil se essas lições tão modelares tivessem sido ensinadas nas escolas? Será que elas teriam contribuído para mudar a dinâmica social brasileira, tão injusta e crivada de preconceitos?

Não temos como responder – mas podemos desejar que os profissionais que ocupam as Secretárias de Educação, do Estado e do Município, corram para ver a peça. E levem os professores das redes… Com certeza a peça irá levá-los a um novo pensamento a respeito da educação. Quem sabe se possa sonhar com um novo Brasil, uma terra entregue a uma humanidade renovada, em que a coragem e a ousadia juvenil alimentem o teatro e a cultura. Não precisem ser testadas em humilhantes desafios de esquina.

Espetáculo “Quebrando Paradigmas” estreia em homenagem aos 80 anos do teatro experimental negro

SERVIÇO

Local: Teatro Correios Léa Garcia

Endereço: Rua Visconde de Itaboraí, 20 – Centro, Rio de Janeiro

Datas e horário: de 8 a 31 de Maio (sexta à sábado)

Horário: 19h

Ingressos: Rio Cultura

Valor: R$20 (inteira) e R$10 (meia)

Duração: 60 min

Classificação: Livre

FICHA TÉCNICA

Realização: Confraria do Impossível

Idealização, Dramaturgia e Atuação: Lucas Popeta

Direção: Gizelly de Paula

Produtor Associado: André Lemos

Direção de Produção: Wayne Marinho

Direção Musical: Beà Ayòóla

Direção de Movimento: Marili Stefany

Figurino: Carla Costa

Iluminação: Rommel Equer e Maurício Fuziyama

Cenário: Fael di Roca

Preparação Vocal: Adriana Micarelli

Identidade Visual: Giulia Santos

Redes Sociais: Giulia Santos e Jennifer Oliveira

Assessoria de Imprensa: Monteiro Assessoria

Registros de fotos e vídeos: Jennifer Oliveira

Edição vídeos: Giulia Santos e Jennifer Oliveira

Assistência Dramatúrgica: Gabriela Nascimento e Patrícia Regina

Fotografia e Filmagem: Bia Mercês

Produção Executiva: Camila Mendonça e Fernanda Oliveira

Cenotécnico: Tarso Gentil

Operador de luz: Domingos

Operador de áudio: Fernanda Oliveira

Assessoria Jurídica: Bruno Sankofa

Parceria: Teatro Chica Xavier e Terreiro Contemporâneo

Realização: Governo Federal, Ministério da Cultura, Governo do Estado do Rio de Janeiro, Secretaria de Estado de Cultura e Economia Criativa do Rio de Janeiro, através da Política Nacional Aldir Blanc

Categories: Coluna de Segunda, Críticas, Teatro, Textos sobre teatro

Tagged: Abdias do Nascimento, Lucas Popeta, Quebrando paradigmas, Teatro Léa Garcia, TEN

Sob as bençãos de uma deusa

Tania Brandão

Posted on 5 de maio de 2025

Pare de sonhar com os céus e com o Olimpo. Para ficar frente a frente com uma deusa, não é necessário tanto esforço, a coisa é simples. Vá ao Teatro Poeirinha conferir a nova estreia da casa – Paixão Viva, recital-depoimento intimista da sensacional Ítala Nandi. Definitivamente, uma deusa.

A cena despojada sugere um espaço de estar – quer dizer, de bem-estar. Um tapete, uma penteadeira, uma cadeira elegante, uma tela, um cabideiro com adereços diversos compõem a área de ação. A cena foi concebida como um lugar para aconchegar pessoas queridas, o público, que é convidado por Ítala Nandi para acompanhar uma carreira das mais notáveis na cena brasileira contemporânea.

A sala aparece como uma nuvem existencial, banhada pela iluminação de Gabriel Lagoas. Uma meia penumbra delicada envolve a plateia, sem omitir as presenças; propicia um clima para confidências, destacadas aqui e ali por focos discretos de luz. Há tanto o relato, como o diálogo com pessoas do passado e projeções.

A história de vida da atriz é bastante surpreendente, pois não está marcada pela predestinação ou por uma deliberação pessoal para brilhar. De certa forma, Ítala Nandi se tornou deusa porque foi escolhida pelos deuses do teatro… Nascida no Rio Grande do Sul, na colônia italiana, a atriz não tinha qualquer pretensão a respeito da arte. Por acaso, foi encontrar uma amiga que fazia teatro amador e, sem que se desse conta, foi “testada” para um papel e… escolhida!

Ainda assim, o teatro não ingressou de imediato na sua vida. Tornou-se contadora, manteve a atuação no teatro amador de Porto Alegre, mas seguia a vida profissional. Começou a namorar Fernando Peixoto (1937-2012), já um homem de teatro atuante no jornalismo e no palco amador, e o casamento conduziu o casal à mudança para São Paulo.

Enquanto o marido ingressava no Grupo Oficina, ao lado de José Celso Martinez Corrêa, Renato Borghi, Ronaldo Daniel e Etty Frazer, a jovem prosseguia na sua carreira. No entanto, as idas ao Teatro Oficina logo solicitaram a sua adesão à causa – primeiro, ela colaborou com a sua experiência administrativa e contábil. Depois, em 1962, na montagem de Quatro num Quarto, de Kataiev, direção de Maurice Vaneau, a atriz Rosamaria Murtinho adoeceu e, para substituí-la, Ítala foi convocada… às pressas!

São muitas histórias: afinal a peça foi concebida para comemorar os 65 anos de carreira da atriz. Vale trazer aqui este pequeno recorte apenas para revelar o tom da cena, exatamente o desejo de expor com nitidez a paixão profunda que a levou ao palco e que a mantém em comunhão profunda com o teatro. Por ter começado quase por acaso, a atriz se tornou uma estudiosa fiel da cena. Assim a comunhão virou uma forma de vida. Até hoje.

Portanto, o melhor de tudo é deixar a voz da atriz – e que bela voz ela tem! – contar a fina trama de encontros, amores, desencontros. A trama fina, mas densa, que a envolveu com delicadeza por todo esse tempo, arrebata a plateia para o centro da ação. É uma experiência existencial muito gratificante, com certeza.

Ítala Nandi – Telenovela Que rei sou eu? Foto Nelson DI Lago/Tv Globo

O teatro também propiciou o seu ingresso no cinema, com uma carreira notável, e na televisão, veículo em que a sua presença foi mais reduzida, com apenas três novelas. Todavia, ela esteve na histórica telenovela Que rei sou eu?, de 1989, e o seu papel, a taberneira de ares ciganos Loulou Lion, diz muito da lenda sensual que envolveu o seu nome a partir do teatro.

Ítala Nandi foi responsável pelo primeiro nu feminino em cena no teatro brasileiro, na peça Na Selva das Cidades, de Brecht, montagem do Oficina de 1969. O episódio não fez com que ela se transformasse num mito sexual banal, mas sim elevou-a à condição de mulher livre, senhora de si e do seu corpo, uma precursora de muitas lutas femininas.

Quer dizer, além de sensualidade, a atriz é feita de coragem. Em cena, no delicado espaço construído no palco do Poeirinha, sob a direção cúmplice de Evaldo Mocarzel e a singela direção de arte de Fernando Scarpa, Ítala Nandi solta a voz e fala de temas tabus com naturalidade.

Ela fala – e como é raro ver esta ousadia saudável por aqui! – das restrições importantes que faz à arte do celebrado diretor José Celso Martinez Corrêa, com frequência desmedido e desprovido de humanidade nos ensaios. E celebra com muito amor a grandeza do mestre Eugênio Kusnet, gênio da arte do ator em nosso país, hoje quase esquecido.

Contudo, apesar do encanto do espetáculo para a tribo de teatro, sobretudo para os estudantes de teatro, não se trata de encontro de iniciados, conversa entre amigos, festa de patota. Não se iluda, pois trata-se de uma oportunidade que não pode ser perdida: é pura poesia humana para todos.

O notável do espetáculo de Ítala Nandi é a potência da atriz para baixar à terra, estar entre todos, demonstrar a humanidade dos deuses, a necessidade premente que nos cerca, hoje, de conversar sobre a vida, estar em união.

Então, o caso é simples: não deixe de ver. É um fato raro, a chance de vivenciar memórias que são de todos, pertencem ao palco-Brasil e ao país, mas que têm como protagonista uma criatura iluminada, simplesmente uma fantástica deusa do teatro…

FICHA TÉCNICA

Texto: Ítala Nandi e Evaldo Mocarzel

Interpretação: Ítala Nandi

Direção: Evaldo Mocarzel

Direção de Arte: Fernando Scarpa

Figurino: Anna Ruckert

Assistente de direção: Guilherme Scarpa

Luz: Gabriel Lagoas

Produção: Dobbs Scarpa

Projeções e edição de imagens ao vivo: Mauricio Souza

Fotos: Felipe O’Neill

Realização: Evaldo Mocarzel, Ítala Nandi, Fábio Dobbs e Guilherme Scarpa

Assessoria de imprensa: Dobbs Scarpa

SERVIÇO:

Temporada de 1º de maio a 29 de junho.

Quinta a sábado, às 20h. Dom, às 19h.

DURAÇÃO: 90 minutos

CLASSIFICAÇÃO INDICATIVA: 14 anos

Ingressos:

R$ 120 (inteira) e R$ 60 (meia)

https://bileto.sympla.com.br/event/104466?share_id=1-copiarlink

CAPACIDADE: 50 pessoas

Teatro Poeirinha.

Rua São João Baptista 104, Botafogo.

Categories: Coluna de Segunda, Críticas, Teatro, Textos sobre teatro

Tagged: Evaldo Mocarzel, Ítala Nandi, Paixão Viva, Teatro Poeira

BAILADO DE LETRAS

Tania Brandão

Posted on 28 de abril de 2025

Qual o papel do texto, da peça, no teatro? Deve existir apenas na fala e na voz dos atores? As letras no papel possuem vida fora do palco? Em cena, as letras precisam recorrer ao nobre edifício universal das artes para existir… ou podem ser apenas simples e vulgar teatro?

As perguntas são muito importantes no teatro brasileiro, pois não foram consolidadas aqui formas intensas de vida das peças teatrais fora da cena. Quer dizer, as peças, entregues ao seu feitio de ser, não existem para a nossa sociedade. A condição implica em duas solidões distintas – ninguém lê teatro, habitualmente, e ninguém acredita muito que o texto de teatro tenha valor em si.

Infelizmente, não se costuma ler dramaturgia nas escolas, um absurdo cultural enorme. E não se cultiva o célebre teatro-de-poltrona – quando o cidadão em casa, feliz, se dedica a ler e a imaginar os sentidos de uma peça de teatro apenas escrita ali no papel.

Ainda assim, ao longo da história surgiram guerreiros destemidos decididos a brigar por mudança, lutar contra a corrente de estagnação das ideias. São editores interessados em ver no formato livro as peças do tempo ou da história. Estes audazes lutadores têm uma história forte no Rio de Janeiro, desde o século XIX. Vale exaltar alguns exemplos.

Dois grandes nomes dedicados à atividade precisam ser louvados. O primeiro, a Livraria Cruz Coutinho ou Livraria Popular, notável, entre outros feitos, por ter publicado as cenas cômicas do ator Vasques a partir de 1860. E muito mais. A editora criou uma coleção de prestígio, Teatro Moderno Luso-Brasileiro, que sobreviveu por duas décadas. O espectador podia ler a peça antes mesmo de ir ao teatro, ver o ator.

O outro grande nome histórico foi a Editora Talmagráfica, no século XX. Os dramaturgos de sucesso sustentavam o catálogo da editora: Luiz Iglezias, Pedro Bloch, Joracy Camargo, Gastão Tojeiro e até mesmo Silveira Sampaio, entre outros nomes fortes de bilheteria. E de venda de livros. De teatro, claro. A mesma triangulação espectador-cena-texto era rotina.

A trama de letras, contudo, se perdeu – após o ciclo do teatro moderno, tornou-se cada vez mais raro encontrar a dobradinha palco-editora. Até surgiram políticas oficiais de publicação, porém elas subsistiram instáveis. Finalmente, para fazer a alegria da tribo do teatro, surgiu em 2008 uma editora interessada em recuperar a antiga tradição: a Editora Cobogó.

A linha editorial da casa não abrange só o palco, mas o pensamento sobre arte, cultura e o mundo do presente. Portanto, a Coleção Dramaturgia, a estante teatral da editora, contempla autores do presente, nacionais e estrangeiros – mas nenhum clássico ou dramaturgos de tempos passados. Figuram no catálogo, ao lado do Brasil, dramaturgos da Espanha, da França e da Holanda.

Seguindo essa linha de diálogo com a atualidade, entrou em pré-venda um novo livro dedicado ao teatro – Ana Lívia e outras mulheres, de Caetano W. Galindo. O autor curitibano é escritor, tradutor e professor, vencedor de prêmios literários; o volume de lançamento reúne as suas primeiras peças sob um formato peculiar, digamos, contemporâneo.

Em sintonia com o pensamento teatral mais reflexivo do presente, o livro traz as peças Ana Lívia e Leonora, acompanhadas por um dossiê dedicado ao processo de construção, no teatro e nos ensaios, da peça Ana Lívia. É, digamos, o registro-reportagem do processo de montagem da peça pela companhia de teatro Cia BR116. Um pouco como se as atrizes (e não só elas) entrassem no livro.

A obra consagra no formato editorial um processo de criação teatral importante no nosso tempo – trata-se do reconhecimento de uma relação íntima entre a sala de ensaio e a concepção da dramaturgia. Se, diante do teatro do ator Vasques, o espectador comprava e lia o texto da peça escrito pelo ator para desfrutar mais profundamente da capacidade de invenção cênica do artista, até mesmo do seu vigor para mudar o texto, agora a pegada tem outra natureza.

Hoje, o amante de teatro leitor de Caetano Galindo – vendo ou não a representação da peça – pode dimensionar a participação da cena no processo de criação do texto, graças ao registro do processo de montagem. De certa forma, desnuda-se uma parceria, uma prática antiga, mas até o presente desprezada, pois parece evidente que, em cena, a favor da cena, muitas vezes a obra do dramaturgo foi sacudida. E até mesmo atropelada.

O tema tem muito fôlego. Vale lembrar, por exemplo, a insistência de Procópio Ferreira em afirmar a grandeza poética da sua arte de palco. O grande ator costumava dizer que respeitava muito os textos, os autores, não recorria a cacos – apenas se preocupava em ser um colaborador inteligente do autor. Portanto, introduzia falas e mudanças ali onde percebia que o dramaturgo se traíra, vacilara nas próprias intenções. A seu favor, costumava afirmar que com frequência os autores levaram para a edição das peças criações suas, pois elas completavam o texto…

Evidentemente, os conceitos de peça de teatro, dramaturgia e escrita teatral ficam sob o foco. Apontam para o dinamismo essencial da arte do teatro, sempre vinculada ao espírito do próprio tempo, condição que obriga as letras a bailarem no palco de acordo com a música da época. O diálogo primordial do teatro é com o tempo em que ele acontece? A dramaturgia é filha dócil do tempo e precisa se submeter humildemente a ele? Onde fica a genialidade do autor para perceber esses vínculos sutis? Qual o eixo de criação regente do palco?

Bete Coelho e Georgette Fadel em *Ana Lívia*.

A Cia BR116, de São Paulo, criada em 2009 sob a direção de Bete Coelho, Gabriel Fernandes e Ricardo Bittencourt, foi responsável pela encenação de Ana Lívia em 2023, em São Paulo. A história do coletivo segue um ritmo acelerado de invenção – quer dizer, a velocidade aparece tanto na busca de um encontro cênico de artes, como na sintonia com os temas mais contundentes do presente.

A tônica da trajetória do coletivo torna natural a combinação de audiovisual e teatro, por exemplo, marca assumida em 2020, com a criação de Medeia, adaptação do mito grego assinada pela dramaturga Consuelo de Castro. E, no caso de Ana Lívia, texto escrito para a companhia, aflora o poder da literatura, das letras propriamente ditas, em ebulição.

No original, o autor, que traduziu Ulysses, de James Joyce, usa referências consagradas do universo literário para estruturar o texto – Dylan Thomas, Emily Dickinson e o próprio Joyce marcam presença. São duas atrizes em cena, enredadas numa rede enigmática, convidadas à exploração intensa das palavras e dos gestos. Elas, nos próprios nomes, Ana e Lívia, desmaterializam as suas existências a favor de um cálculo de arte – Anna Livia Plurabelle, afinal, personagem de Finnegans Wake, de Joyce, é considerada como símbolo da mulher eterna, universal. Pode-se dizer que se trata de um teatro que se trama em si, sem trama.

Surge do processo um resultado poético natural. Uma linha de racionalidade se insinua entre o texto e o leitor e ela atenua o efeito catártico convencional do teatro. O conhecimento do processo de encenação contribui para a percepção das cores desse palco mais frio, mais distante, quase pós-teatral. Vale, portanto, conhecer o texto da peça, mesmo sem a chance, no momento, de vê-lo em cena.

Em conclusão, há uma constatação preciosa: é fundamental reconhecer a imensa contribuição que a jovem editora presta à cultura brasileira, ao lançar o foco sobre a cena e permitir que tenhamos ao alcance da mão os textos das nossas cenas teatrais. Sob roupagens inventivas emprestadas pelo pensamento de arte contemporâneo, retoma-se uma prática do passado que deveria ter se tornado tradição.

A edição espelha com rigor o programa de ação da casa. A oferta generosa é, afinal, uma oportunidade muito curiosa para o público entrar em sintonia com um teatro contemporâneo que se constrói como encontro deliberado de artes.

Bom, pode parecer saudosismo. Mas… No fundo, ecoa aí uma nota dolorosa – até que ponto este belo concerto poético universal das artes nos joga para fora do palco e é, na verdade, um apagamento implacável do próprio teatro?…

Ficha técnica

Título Ana Lívia e outras mulheres

Autor Caetano W. Galindo

Idioma Português

Número de páginas 136

Editora Cobogó

ISBN 978-65-5691-164-9

Capa Celso Longo + Daniel Trench

Encadernação Brochura

Formato 13 x 19 cm

Ano de publicação 2025

CDD B869.2

Preço 55,80

Fotos: divulgação e acervo da autora.

https://www.cobogo.com.br/produto/ana-livia-e-outras-mulheres-765?language=pt-BR

Categories: Coluna de Segunda, Crônicas, Livros, Teatro

Tagged: Ana Lívia e outras mulheres, Caetano Galindo, Cia BR116, Editora Cobogó, Editora Talmagráfica, Livraria Popular

A multiplicidade em nós

Tania Brandão

Posted on 21 de abril de 2025

Uma Semana Santa histórica: ela foi encerrada com a morte do Papa Francisco, um líder espiritual que se projetou com rara beleza neste nosso mundo tão pródigo em crises. Apesar de a Igreja Católica ser um organismo resistente e ainda manter uma distância considerável diante das mudanças da vida no mundo, as contribuições do Papa Francisco ficarão como sinalizações fortes em direção à renovação.

Um dos pontos importantes de seu pontificado foi a abertura de espaço para cardeais da Ásia, da África e da América Latina – sacudir a secular estrutura eurocêntrica da Igreja não é algo para desprezar, não é feito de pouca importância. Talvez ainda não seja o momento para a eleição de um papa não branco, mas o caminho está aberto.

O reconhecimento da diversidade da vida no mundo é uma conquista recente, um processo radioso de percepção da riqueza da multiplicidade humana que somos. É importante perceber a rapidez do processo de mudança – ainda que ele pareça lento para alguns.

Se a África ainda sofre dilacerada com os resultados da expropriação colonial, em particular com o processo de partilha de seu território no século XIX, especialmente nefasto no Congo, ainda hoje terra ardente, a arte tratou de construir pontes e aproximações de impacto profundo.

Vale lembrar Picasso (1881-1973) e a influência da arte africana sobre o Cubismo – o artista repensou a sua poética a partir de uma exposição de máscaras e esculturas africanas apresentada no Museu do Trocadéro, em Paris. Este é apenas um exemplo, a lista pode ser longa; ela aponta para um lugar de encontro formal inclinado a demonstrar a inteireza do que é humano.

Portanto, a livre expressão e a divulgação ampla das obras artísticas constituem fatores básicos para a transformação das pessoas e da sociedade. A arte precisa ser mantida em diálogo, em trânsito, não apenas para se comunicar, acontecer como arte, mas para levar o humano a ver o humano como amplidão e unidade. O processo de difusão precisa abranger tanto a exposição quanto a reflexão, o debate.

No caso do teatro, é fundamental montar as peças, trazer à cena a rica herança dramatúrgica da sociedade, mas também publicar os textos. Em relação à temática da arte negra, um exemplo interessante para debater é o do teatro de Athol Fugard (1932-2025), homem de teatro sul-africano branco, campeão na luta contra o apartheid e o racismo. A sua obra, de uma densidade impressionante, não está divulgada no Brasil e não está sequer publicada aqui. Aliás, ele morreu este ano sem manifestações diante da perda.

Sim, existem exemplos bem mais fortes, se olharmos para o próprio Brasil. De saída, temos o nome de Abdias do Nascimento (1911-2011) – uma liderança notável no país, ainda bem menos prestigiado do que a magnitude de sua obra exige. Ele foi um intelectual dotado de uma inteligência aguda, escreveu textos fundamentais para o pensamento brasileiro. Foi ativista, político, líder do movimento negro nacional e idealizou o TEN – Teatro Experimental do Negro.

Abdias do Nascimento

Muitas pesquisas e estudos ainda precisam ser feitas ao redor de sua obra – o próprio TEN ainda não foi estudado em toda a profundidade que requer. Afinal, a ideia central era a de um movimento verdadeiramente emancipador, capaz de iluminar a cultura negra, revelar talentos negros e disseminar na sociedade a fortuna cultural afro-brasileira.

Pois uma boa notícia está no ar, renovando o clima triste desta semana: na Sala Multiusodo SESC Copacabana, estreia no dia 24, quinta-feira, a peça Abdias do Nascimento, texto de Ivan Jaf e Diego Ferreira, com direção de Johayne Hildefonso e Iléa Ferraz. A proposta foi idealizada pelo ator Lincoln Oliveira, que defenderá o papel protagonista.

Em cena, Abdias aparece como ator, sob a direção de Paulo Guidelly – a situação escolhida funciona como recurso para apresentar a vida e a obra do grande ativista. Mas a peça reconhece que, a rigor, a figura de Abdias ultrapassa o foco estreito de uma simples valorização de vida e obra. O que se deseja mostrar é exatamente como a sua ação foi monumental, não no sentido de uma celebração retórica, para decorar praças e galerias, mas sim naquilo que desencadeou para transformar o país.

O ponto de partida, no caso, é o Teatro Experimental do Negro, de 1944, início de um movimento em defesa da presença negra nos palcos, mas que, para que se cogitasse chegar a tanto, significou lutar contra restrições sociais, políticas e mentais – considerando-se que o racismo se consolida muito a partir de sua condição de pensamento cotidiano, imediato e invisível. E considerando-se que a situação de miséria social significava também interdição do acesso ao estudo e à cultura. Isto sem que se fale nos impedimentos de expressão lançados contra a cultura negra.

Assim, a peça promete ser bem mais do que uma homenagem ou uma peça em louvor. O tecido pulsante da cena é o agradecimento, a memória afetiva, o reconhecimento do valor de um homem destemido, capaz de perceber os grilhões inaceitáveis impostos ao povo negro, e de lutar por mudanças. O resultado de sua coragem está bem vivo ao redor: mudou a sociedade brasileira, até por ter aberto o caminho para muitos outros seres de luz, que aderiram à luta.

No fundo, nesta semana em que ficou muito plausível pensar na possibilidade de termos um Papa Negro, a peça Abdias do Nascimento soa como o anúncio de um lugar teatral de intensa expressão brasileira – um lugar em que limites arcaicos foram vencidos a favor de uma forma de humanidade renovada, mais plena. Notícia feliz, em resumo. Afinal, é um prazer enorme constatar o fato de que a humanidade, muito embora devagar, anda para a frente…

Abdias do Nascimento

FICHA TÉCNICA:
IDEALIZAÇÃO: Lincoln Oliveira

TEXTO: Ivan Jaf (@ivanjafoficial) e Diego Ferreira (@diegodacostaferreira2017)

DIREÇÃO: Johayne Hildefonso (@johaynehildefonsooficial) e Iléa Ferraz (@ileaferraz)

ELENCO:

Lincoln Oliveira (@lincoln.oliveira.7545708) – Abdias do Nascimento

Paulo Guidelly (@pauloguidelly) – Personagem do diretor

João Vitor Nascimento (@ojoaovnascimento) – Stand In do personagem do diretor

FIGURINO E CENÁRIO: Nello Marrese (@marresenello) e Monica Carvalho (@monicacarvalhoklausschneider)

TRILHA SONORA: André Abujamra (@andre_abujamra)

ILUMINAÇÃO: Daniela Sanchez (@danisanchez1)

COORDENAÇÃO GERAL e PRODUÇÃO EXECUTIVA: Beto Bruno (@beto_bruno) e Dora Lima (@doramarialima)

MÍDIAS SOCIAIS e IDENTIDADE VISUAL: Conexione – @conexionebr

ASSESSORIA DE IMPRENSA: Carlos Pinho – @dicasdopinhao

REALIZAÇÃO: EVOÉ PRODUÇÕES ARTÍSTICAS

SERVIÇO:

Teatro SESC Copacabana – Sala Multiuso

Temporada: de 24 de abril a 18 de maio

Dias e horário: quinta-feira a domingo, às 19h

Endereço: Rua Domingos Ferreira, 160, Copacabana, Rio de Janeiro – RJ

Ingressos: R$ 10 (associado do Sesc), R$ 15 (meia-entrada), R$ 30 (inteira)

Informações: (21) 3180-5226

Bilheteria – Horário: ⁠terça a sexta-feira, das 9h às 20h, ⁠sábados, domingos e feriados, das 14h às 20h

Duração: 60 minutos

Classificação Indicativa: 12 anos

Site do SESC Rio: https://www.sescrio.org.br/programacao/artes-cenicas/abdias-nascimento-axes-de-sangue-e-esperanca/
Rede social: @abdiasdonascimentonoteatro

Categories: Coluna de Segunda, Crônicas, Teatro

Tagged: Abdias do Nascimento, Athol Fugard, Johayne Hildefonso, Lincoln Oliveira, Papa Francisco, Sala Multiuso Sesc Copacabana, TEN

CHATÔ E A INVENÇÃO DO BRASIL

Tania Brandão

Posted on 14 de abril de 2025

Se você ainda acredita que foi Cabral quem inventou o Brasil, trate de se atualizar – vá até o Teatro João Caetano e veja Chatô e os Diários Associados – 100 Anos de Paixão. No palco mais simbólico do país, está em cena uma apresentação da vida e da obra de Assis Chateaubriand (1892-1968). A peça foi concebida pelo conglomerado Diários Associados para comemorar o centenário da instituição.

A dramaturgia do espetáculo nasceu de uma parceria inédita, entre Fernando Morais e Eduardo Bakr. O livro escrito pelo primeiro, Chatô – O Rei do Brasil, ofereceu o argumento básico para a construção do texto. A estrutura concilia a narração dos fatos com cenas de ação, às vezes numa sequência rápida demais. As cenas musicais surgem quase como efeito decorativo – não integram a ação; a rigor, a peça poderia ser apresentada sem os números musicais.

Em cena, há uma trama bem-humorada que permite a narração da história de vida de Assis Chateaubriand, com ênfase na revolução que promoveu nos meios de comunicação do país. A história começa na atualidade, diante da estátua do célebre jornalista, no carnaval do Recife, quando Fabiano, o notável galã Claudio Lins, jornalista desempregado, é cooptado pelo biografado para conhecer a vida do louco criador da televisão brasileira.

Diante da plateia, a ação se desenrola em fluxo cronológico contínuo, mas com alguma mistura de passado e presente, às vezes provocada pelo inquieto galã. Afinal, convenhamos, um jovem jornalista da atualidade teria naturalmente sérios tropeços diante do precário mundo pré-digital. Para honrar uma cultuada tradição do gênero musical, o jornalista-narrador é envolvido numa insólita trama de amor. A parceria romântica com Juliana, defendida com brilhantismo por Patrícia França, tem química e é um dos pontos altos da montagem.

O romance do jornalista permite desviar a atenção da vida amorosa de Chatô, assunto que renderia muitos descaminhos, e insistir na sua ação, a um só tempo desvairada e pioneira, na comunicação. Criador de jornais, criador de uma das rádios mais populares do país, ele desencadeou uma paixão nacional violenta ao criar a icônica revista O Cruzeiro. Líder autoritário, mas carismático, capaz de ouvir os colaboradores e mobilizar equipes de trabalho dedicadas, ele criou a radionovela e implantou a televisão a toque de caixa, no grito, sintonizado com a profunda inclinação nacional para o improviso, o uso de gambiarras. No caso, gambiarras milionárias. A televisão nasceu sem que existissem aparelhos de TV no país…

Para focalizar este emaranhado de ações de perfil tão diferenciado, que chega a incluir a criação do Museu de Arte de São Paulo (MASP), a direção de Tadeu Aguiar acertou ao dividir o palco em áreas distintas de representação. O conceito funciona com agilidade e beleza graças ao cenário engenhoso de Natália Lana – uma torre de letras que se espraia em cena, espécie de torre de babel passada a limpo. Afinal, Chatô foi um dos grandes arquitetos da integração nacional – a história da transmissão da inauguração de Brasília, com o uso de aviões para a emissão do sinal, concede eloquência a esta constatação.

O impacto da cena é ampliado pelos figurinos de época e pelo visagismo, com ligeiros toques caricatos, assinados por Dani Vidal e Ney Madeira, e Fernando Ocazione, respectivamente. A luz de Paulo Cesar Medeiros funciona como elemento contundente para criar os diferentes climas implícitos na ação, de emoção, recordação, situação e relato, e na gerência do espaço.

Entregue a um elenco pontilhado por nomes experientes do musical, a montagem consegue revelar muito a respeito da obra e da personalidade do biografado. Stepan Nercessian impressiona com a sua habilidade para materializar o misto de simpatia e transgressão constitutivo de Chatô, sem abrir campo para uma avaliação negativa do herói-bandido. A sua escolha de gestos, o tom da fala, a malícia, a brejeirice e a franqueza desconcertante falam de uma interpretação construída com zelo, sem conduzir à composição mecânica.

Cláudio Lins consegue sustentar um trabalho de extrema complexidade, em que a função narrativa se associa ao interlocutor seduzido pelo líder e precisa ser combinada com a aura de herói romântico. A proposta, bem conduzida, oferece o desenho de um antagonista amigo, cujos contrapontos ao protagonista funcionam apenas para fazer a ação caminhar. Patrícia França se impõe em cena com desenvoltura nas funções um tanto esquemáticas de executiva e de mocinha romântica; o número sentimental de despedida é o seu ponto de arrebatamento do público.

Sylvia Massari diverte e extasia a plateia com uma secretária estridente, além de assinar um dos números musicais mais encantadores da noite – Hino ao Amor. José Mauro Brant, encarregado de diversos papéis, se destaca na exposição do dinamismo de Cassiano Gabus Mendes. A magia do canto de Ademilde Fonseca se instala em cena com Cristiana Pompeo e o carisma ingênuo de Hebe Camargo diverte muito com Fernanda Misallidis. Giselle Prattes ilumina a cena com a sua Carmen Miranda.

É peça de grande elenco, com atores absolutamente corretos nos seus desempenhos. Cada ator, fora do núcleo central, se ocupa de vários papéis. A extensão temática da peça, contudo, exigiu uma forma cênica preocupada em retratar uma quantidade enorme de fatos em múltiplos focos de ação. A situação limitou a expressão musical do espetáculo; como a presença da música não acontece como fator estruturante do texto, mas como acessório, o problema se torna muito perceptível na coreografia, de escala reduzida. Em geral, a marcação e a movimentação das cenas seguem mais a cartilha do teatro dramático convencional do que a do musical.

Mas nada reduz o encanto central do espetáculo: a graça de ver o nascimento de muitas características do Brasil de hoje, em particular a mania de grandeza, a fanfarronice e o espírito inclinado para desafiar as leis fundamentais do bom senso. Caminhando contra o vento e contra a realidade, Chatô criou jornais, estações de rádio, revistas, a televisão, programas de rádio e de televisão.

Quer dizer, inventou o Brasil real, não aquele das marchinhas, para o bem e para o mal. No centenário de sua atuação, neste país avesso ao culto da memória, importa olhar com atenção o que ele fez. Debater a sua obra. Portanto, corra para o Teatro João Caetano para ver a peça, em curta temporada. Talvez ela contribua com alguma coisa para uma visão mais nítida da nossa identidade.

Ficha Técnica:

Texto – Fernando Morais e Eduardo Bakr

Direção – Tadeu Aguiar

Direção de Coreografia e Movimento – Carlinhos de Jesus

Supervisão Musical – Guto Graça Mello

Direção Musical – Thalyson Rodrigues

Arranjos Vocais e Instrumentais – Thalyson Rodrigues e Diógenes de Souza

Direção de Produção – Valéria Macedo

Produção – Naura Schneider

Iluminação – Paulo Cesar Medeiros

Design de Som – Gabriel D’Angelo

Cenografia – Natália Lana

Figurino – Dani Vidal e Ney Madeira

Visagismo – Fernando Ocazione

Cenotécnico – André Sales

Produção Executiva – Andrea Macedo e Keila Chimite

Marketing – Inova Brand

Assessoria de Imprensa – GPress Comunicação | Grazy Pisacane

Artes Gráficas e Redes Sociais – Alexandre Furtado

Realização – Voglia Produções

Colaboração do Presidente do condomínio acionário dos Diários Associados, Josemar Resende

Elenco:

Stepan Nercessian

Claudio Lins

Sylvia Massari

Patricia França

Anna Priscilla

Caio Giovani

Carol Futuro

Cristiana Pompeo

Fernanda Misailidis

Flávio Moraes

Giselle Prattes

José Mauro Brant

Marcelo Alvim

Tati Cristine

Thiago Marinho

Thór Junior

Thuca Soares

Valentina Schmidt

Músicos:

Piano e Regência: Thalyson Rodrigues

Violão, Cavaquinho e Guitarra Baiana: João Callado

Clarinete, Sax e Flauta: Marco Moreira (Chiquinho)

Trompete e Flugel: Nailson Simões

Trombone: Leandro Dantas

Baixo Elétrico/Acústico e Trompa: Diógenes de Souza Bateria e Percussão: Tiago Calderano

Equipe Técnica:

Assistente Direção – Erika Affonso

Assistentes Coreografia – Carol Vilanova e Michelle Barreto

Assistente Direção Musical e Pianista Ensaiadora – Gab Alkmin

Assistente de Direção Musical e Preparadora Vocal – Anna Priscilla Lacerda

Assistentes Cenário e Adereços – Alessandra Rodrigues e Mari Scott

Assistentes Figurino – Bruna Nattrodt e Manu Lacerda

Assistente de Produção – Raphaell Alonso

Administração – Andréa Macedo

Fotos Estúdio – André Wanderley

Fotos Cena – Dalton Valério / Carlos Costa

Vídeos – Dudu Chamon

Técnico de Som – Vinícius Suzuki

Técnico de P.A. – Paulo Altafim

Microfonista – Michael de Alexandria

Operador de Luz – Rodrigo Emanuel

Canhoneiros – Jessica Barros e Ricardo Brito

Chefe de Palco – Luis Mussum

Contra-regras – Davi Pimentel Lopes e Carlos Elias

Camareiros – Paty Ripoll e Marcelo Gomes

SERVIÇO:

Local: Teatro João Caetano

Prç. Tiradentes, s/n – Centro, Rio de Janeiro – RJ, 20060-070

Temporada: 28 de março a 27 de abril

Sessões: Sexta-feira às 19h | Sábados às 19h. A partir de 05/04 sessões extras às 15h | Domingo às 17h.

*Quinta-feira: sessão extra (24/04) às 19h.

*Sessões em Libras e audiodescrição dia 30/03 e todos os sábados às 16h.

Valor: Plateia e Balcão Nobre: R$60,00 (inteira) e R$30,00 (meia entrada). Balcão Simples R$40,00 (inteira) e R$20,00 (meia entrada).

Promoções: Ingresso Petrobras (patrocinador) no valor de R$30,00 para funcionários da Petrobras, mediante apresentação de crachá funcional, na compra de até dois ingressos, válido em toda temporada.

Ingresso Cemig (patrocinador) no valor de R$30,00 para funcionários da Cemig.

Ingresso Grupos no valor de R$20,00 para integrantes de grupos de formação de plateia, mediante lista entregue pela produção.

Vendas:

https://funarj.eleventickets.com/#!/evento/a2be06bf2547fac07cf207be3636f48c67442f23

Duração: 2h20 – 15 minutos de intervalo

Classificação Indicativa: 10 anos

Duração: 2h20 – 15 minutos de intervalo

Classificação Indicativa: 10 anos

Categories: Coluna de Segunda, Críticas, Teatro

Tagged: Chatô, Claudio Lins, Eduardo Bakr, Fernando Morais, Sylvia Massari, Tadeu Aguiar, Teatro João Caetano

Beckett, o teatro e a invenção do ser

Tania Brandão

Posted on 7 de abril de 2025

Um vazio pleno de vazio. A contemplação do nada. Quase um mergulho na hipótese do não ser – é o convite rascante proposto por Dias Felizes, de Samuel Beckett, novo cartaz da Armazém Companhia de Teatro, no Espaço Armazém da Fundição Progresso. A peça foi escrita em 1961 e, segundo alguns relatos do autor, demandou mais tempo de elaboração do que Esperando Godot, o seu texto mais aclamado e mais conhecido. A demanda de tempo se justifica: há uma tessitura de teatralidade impressionante na arquitetura do texto, suficiente para que seja considerado um clássico do nosso tempo. Em outras palavras: programa imperdível.

A estrutura da cena é aparentemente simples e, ao mesmo tempo, desconcertante, na sua sólida teatralidade. Na rubrica, o autor propõe uma extensão de grama queimada, com um monte baixo, sob luz ardente. Enterrada no monte até acima da cintura está Winnie, de certa forma a única personagem da peça. No texto, Beckett explorou a convenção teatral, corrente em muitas das suas peças, de materializar uma figura solitária no espaço, neste caso banhada por uma luz ardente. Durante todo o tempo, é como se fosse meio-dia.

Encenação do Royal Court Theatre, Londres, 1979, com Billie Whitelaw, foto Donald Cooper.

A luz intensa rompe com a noção de transcurso de tempo, ainda que uma sirena funcione como indicação do fim da jornada. No segundo ato, um novo dia se impõe, com a figura de Winnie enterrada até o pescoço – mas é impossível saber se é o dia seguinte, nenhuma conexão temporal é estabelecida entre os dois momentos. Assim como no classicismo francês, especialmente de Racine (1639-1699), profundamente estudado por Beckett, em que o dia era uma medida convencional para moldar a ação dramática, em Dias Felizes as noções de espaço e da luz do dia são as bases para a personagem lidar com a percepção de si. No primeiro ato, ações repetidas e cotidianas pontilham uma rotina vazia de sentido; no segundo ato, enterrada até o pescoço e, portanto, sem ação, o que resta é a fala e a expressão do olhar, de certa forma o vazio do vazio.

A solidão, condição para o ser acontecer em plenitude, precisa lidar com a intensa necessidade humana de ser visto e ouvido: torna-se necessária, assim, a presença de Willie, o marido, presença praticamente muda. As falas de Winnie para ele amplificam o diálogo no vazio, são formas de autoexposição. A certa altura, Winnie constata a indiferença de Willie e expressa o seu desejo de liberdade, isolamento, silêncio e escuridão. Sem sentimentalismo, sem romantismo, sem a chance da fórmula clássica da identificação, a plateia se vê convidada a contemplar o vazio perturbador constitutivo do ser.

A encenação assinada por Paulo de Moraes tem o mérito de lidar diretamente com a força convencional do texto de Beckett, apesar de resvalar para um certo tom afetivo, insinuar alguma interpretação. Para o autor, não existe qualquer possibilidade de lidar com Dias Felizes sob uma visão naturalista-realista. Não há sentido em buscar uma história pregressa ou futura para Winnie, uma explicação para a sua situação ou uma percepção simbólica ou abstrata do quadro exposto na cena. Ela é o que é. A cena existe em si e por si.

Nenhuma força transcendental ou exterior explica a situação de Winnie. Ela não remete para algo fora de si. Não há um porquê a respeito da sua ação. Se Winnie precisa ser vista no seu montinho como se esta fosse uma situação normal, é para que se chegue à percepção do abismo contido na própria forma humana. Para este resultado, de certa maneira um processo de desmaterialização, todo o conjunto do espetáculo colabora, da luz de Maneco Quinderé ao figurino de Carol Lobato, passando pela música original de Rico Vianna.

A cenografia, de Carla Berri e Paulo de Moraes, ao desenhar uma superfície devastada, inclinada, suspensa no ar sobre grandes rochas, dimensiona com força poética o lugar da ação. No segundo ato, o telão-ciclorama do fundo, que estampara o sol, reproduz as imagens do rosto de Patrícia Selonk, responsável pelo papel central.

Reside aí, no trabalho da atriz, uma das razões maiores para ir ver a peça. Trata-se de um grande desempenho, corajoso e resoluto. A interpretação dos textos de Beckett configura um desafio sério para os atores. A partir do realismo, é preciso ir adiante, escapar de formas estilizadas de interpretação, embarcar em atos precisos de percepção, capazes de envolver a realidade dos objetos numa crença imaginativa. Uma espécie de teatralidade sem teatro – ou vice-versa. Patrícia Selonk atinge este padrão com naturalidade, consegue reverberar as sutilezas irônicas do texto, lida com o seu fino humor com elegância e com as tensões latentes nas falas com extrema desenvoltura.

Na estreia, Jopa Moraes se encarregou da proeza cênica impressionante que é defender Willie; foi uma presença correta, talvez com uma ponta de emoção excessiva. O papel será desempenhado também, em rodízio, por Felipe Bustamante e Isabel Pacheco.

De resto, vale felicitar a Companhia de Teatro Armazém por este presente valioso para os amantes de teatro. Se os grandes textos teatrais, clássicos ou contemporâneos, têm se tornado uma ausência lamentável na cena carioca, a coragem de encenar um Beckett – e um Beckett de extrema densidade – merece mais do que a gratidão do público. O fato é para comemorar, comemorar muito. Portanto, você que acredita na força do teatro para alimentar a vida, não deixe de ver, vale a pena correr até o teatro do Armazém para se deliciar com um acontecimento teatral de rara beleza.

FICHA TÉCNICA:

DIAS FELIZES, de Samuel Beckett
Direção: Paulo de Moraes

Elenco:
Patrícia Selonk (Winnie)
Felipe Bustamante, Isabel Pacheco e Jopa Moraes (Willie)

Ficha Técnica:
Tradução: Jopa Moraes
Iluminação: Maneco Quinderé
Cenografia: Carla Berri e Paulo de Moraes
Figurinos: Carol Lobato
Música Original: Ricco Viana
Designer Gráfico: Jopa Moraes
Fotografias: João Gabriel Monteiro
Pedras Cenográficas: Alex Grilli
Efeito Sombrinha: Paulo Denizot
Videografismo: João Gabriel Monteiro e Paulo de Moraes
Assessoria para Videografismo: Rico Vilarouca
Colaboração Artística: Lorena Lima
Produção: Armazém Companhia de Teatro

SERVIÇO:

Apresentações:

3, 4, 5 e 6 de abril (quinta a sábado, 19:30h e domingo, 19h)

10, 11, 12 e 13 de abril (quinta a sábado, 19:30h e domingo, 19h)

17 de abril (quinta-feira, 19:30h)

Espaço Armazém

Fundição Progresso

Rua dos Arcos 24. Lapa

Ingressos à venda pela Sympla

Inteira: R$ 80

Meia-entrada: R$ 40

Categories: Coluna de Segunda, Críticas, Teatro, Textos sobre teatro

Tagged: Armazém Companhia de Teatro, Beckett, Dias Felizes, Patricia Selonk, Paulo de Moraes

Festival de Curitiba 2025

Tania Brandão

Posted on 31 de março de 2025

Cessa tudo o que a antiga musa canta, outro valor mais alto se alevanta: as palavras do poeta traduzem com exatidão o mapa teatral brasileiro atual. Em lugar do velho eixo Rio-São Paulo, instaurado nos anos 1950 como força vital do palco do país, agora temos o triângulo Rio-Sampa-Curitiba. A cidade da flor do manacá se tornou uma referência teatral equiparável às duas antigas capitais teatrais do país e o verso de Camões, aqui, é constatação, não é retórica.

Como foi que este movimento cênico-tectônico aconteceu? Qual foi a força responsável por esta reviravolta histórica? A bem da verdade, alguma coisa acontece nas terras do Paraná, algo a ser estudado por pesquisadores, pois a terrinha há muito tempo é pródiga em talentos teatrais e em amor ao teatro. Contudo, de imediato, uma evidente força de transformação começou a operar a partir de 1992: o Festival de Curitiba. O evento deste ano, a 33ª. edição, está só começando, vai sacudir os tablados e as almas de 24 de março até 06 de abril…

Os números atuais levam a uma constatação impactante: trata-se do maior evento teatral do Brasil. Mais, até: ele é o maior festival de teatro da América do Sul. Naturalmente, o maior efeito político imediato do certame é a projeção de Curitiba como cidade de referência teatral para o país. Deve se considerar, a seguir, a elevação da cidade à condição de maior palco brasileiro – afinal o festival se espalha por toda a área urbana.

O inventário das atividades programadas revela números muito impactantes. Ao todo, mais de 350 atrações serão oferecidas, com uma diversidade enorme de espaços ocupados, dos palcos às praças e ruas; na listagem oficial de endereços, descontadas as praças, constam 52 espaços de apresentação, entre teatros, centros culturais e auditórios.

Contudo, importa acrescentar um detalhe que faz toda a diferença – existe vida teatral em Curitiba. Existe mercado teatral, quer dizer, existe uma classe teatral estruturada como categoria profissional, dedicada ao ofício, com público constante, apoio da comunidade e das autoridades, ainda que este mercado de arte padeça com esgarçamentos semelhantes aos que envolvem a vida de teatro carioca e paulista.

Curitiba – e o Paraná – tem os seus ídolos locais, muito embora ainda não se possa falar em projeção nacional para os grandes talentos radicados na terrinha. Este, claro, é um passo que se anuncia, pois, conjuntos estáveis como o Ave Lola, nesta edição do festival sem programação na grade, caminham a passos largos para conquistar o Brasil. A casa de teatro liderada por Ana Rosa Terra está em processo de montagem de Romeu e Julieta, de Shakespeare, com estreia prevista para maio. Quer dizer, o festival termina, mas os tablados curitibanos seguem a todo o vapor.

Um outro exemplo eloquente é o Teatro Lala Schneider – lá, João Luiz Fiani lidera uma família teatral incansável, dedicada com afinco ao culto do teatro. Praticam teatro de repertório – e registram o recorde de ter uma peça de teatro, A casa do terror, em cartaz há 30 anos, fato único no teatro brasileiro. Serão 8 peças em cartaz durante o festival, além de mais 2 cartazes no Teatro Fernanda Montenegro.

Se o teatro se mostra como atividade nativa intensa na cidade, vale perguntar: como a teia do festival está organizada hoje, para alcançar repercussão tão grande no país? Ela se apoia numa estrutura forte, consolidada, que chegou à maturidade em diálogo com a classe teatral local e em sintonia com os desejos culturais da cidade. Esta condição genética determinou a afirmação de uma vocação para um festival de amplos horizontes culturais. Acontece de tudo em Curitiba. Consequentemente, a variada programação foi organizada em oito segmentos diferentes.

O núcleo central gira ao redor da Mostra Oficial Lúcia Camargo, homenagem a um nome fundamental da história do festival, da vida cultural curitibana, paranaense e nacional. Sem a mente visionária, a incrível capacidade de produção, a inclinação bem-humorada para o diálogo e a excelência humana de Lúcia Camargo (1944-2020), o festival jamais teria se tornado o colosso cultural de hoje.

A curadoria da mostra nesta edição, integrada por Daniele Sampaio, Giovana Soar e Patrick Pessoa, selecionou 26 trabalhos, do país e da latinidade, com foco especial em acontecimentos cênicos de impacto, atenção especial para propostas inovadoras. Basicamente, mesmo espetáculos associados ao jogo de linguagem mais ligado às tradições, têm uma aura de experimentação.

A Mostra Surda de Teatro, com 7 espetáculos na grade, dialoga diretamente com a mostra oficial, sintonizada com o debate da inclusão social. Ainda no quadro da mostra oficial, projeta-se o segmento Guritiba, dedicado ao teatro infantil.

Ao lado e ao redor da mostra oficial, há o grande panorama teatral da atualidade, configurado no Fringe, de certa forma um festival dentro do festival. É a mostra sem curadoria, aberta a inscrições nacionais e internacionais. O segredo principal desta, digamos, mostra paralela, é a sua condição de vitrine privilegiada das pulsões e desejos do país. Ela é praticamente um mapa da vida teatral brasileira hoje.

Neste nicho, a programação abrange as frentes Espetáculos de Rua, Mostras e também o Circuito Independente, quer dizer, a programação autóctone, a prataria da cidade marca presença de forma enfática. Trata-se de um universo gigantesco que inclui um leque imenso de trabalhos; muito provavelmente, nenhum ser humano será capaz de afirmar “no festival, eu vi tudo do Fringe e vou contar para vocês o que aconteceu por lá.” Além de espetáculos, há uma oferta impressionante de atividades ligadas ao teatro, de natureza muito diversificada… Mais do que tudo no conjunto do festival, o Fringe encarna com perfeição a ideia colada à edição deste ano, o anúncio de que se trata de um evento “para todos”.

O melhor de tudo, porém, é a constatação de que o festival vai bem mais longe. Um sucesso imenso, desde que foi incluído na programação, é o Gastronomix, primeiro evento ao vivo gastronômico ao ar livre do país. A convite do celebrado chefe Celso Freire, os melhores chefes do Brasil marcam presença no encontro, sob uma atmosfera de harmonização musical bastante eclética – música brasileira, jazz, pop e blues envolvem o espaço. Além de oferecer uma seleção requintada de sabores, a mostra conta com aulas-show e feira de produtos, à disposição de toda a família.

Para honrar ainda de forma mais ampla o compromisso com a cultura, o festival apresenta o segmento Interlocuções, com uma agenda repleta de cursos, palestras, oficinas, mostras e lançamento de livros. Neste espaço, se pode ter acesso objetivo a uma amostra do saber e do fazer teatral em circulação na atualidade.

Contudo, dialogar com a atualidade tem um alcance estratégico importante: afinal, atualidade em teatro significa em grande parte atenção ao gosto do público; arte da presença, o teatro só pode acontecer se e quando o palco aceita dialogar sem reservas com os contemporâneos. Este vínculo é o motor do Risorama, em cartaz de 27 de março a 1 de abril – segmento do festival que honra a decidida paixão do brasileiro pelo humor, exercitada desde o século XIX. Neste caso, a apresentação de grandes nomes da comédia stand-up acontece sob o formato de show, com direito a comes e bebes…

Um outro ângulo da prática teatral vai sacudir a cena curitibana, nos dias 5 e 6 de abril: o espetáculo MishMash. Dedicado à apresentação de histórias fantásticas, com talentos de todo o país, a proposta é para eletrizar as vidas. Um pouco como registra uma das velhas matrizes da alma nacional, encantada por mágicas e feiras de variedades desde o final do século XIX, a aposta é bem direta: oferecer o percurso de “uma montanha-russa de emoções” e “tirar o fôlego da plateia” …

Finalmente, dentro da mostra oficial, duas iniciativas diferentes pretendem lidar diretamente com a expansão do pensamento crítico em arte e cultura. A primeira, Ações Críticas, oferecerá ao longo do festival conversas críticas ao vivo após os espetáculos, com a presença de críticos e debatedoras. A segunda registrará um fato histórico de grande repercussão: será o ato, no dia 4 de abril, de formalização da AJACEN-PR, Associação dos jornalistas e críticos de cultura, arte e entretenimento do Paraná, convocado pelos jornalistas Maximillian Santos e Mariane Antunes. Num momento de crise e de mudança de paradigma da imprensa e de apagamento radical da função de crítico de teatro nos veículos de comunicação, a iniciativa é, no mínimo, corajosa.

Todo este edifício se ergueu na cidade nesta edição a partir de duas pedras fundamentais de grande efeito, lançadas na abertura do evento – a recepção do público pelo sensacional mestre de cerimônia Milton Cunha, um dos maiores especialistas do país em cultura popular, e a encenação de Os Mambembes, adaptação de uma das peças-monumento de Artur Azevedo (1855-1908).

A montagem, dirigida por Emílio de Mello e Gustavo Guenzburguer, está percorrendo o país e foi convidada para a abertura do festival. No elenco, o espetáculo conta com atores notáveis: Cláudia Abreu, Deborah Evelyn, Julia Lemmertz, Leandro Santana, Orã Figueiredo, Paulo Betti e o músico Caio Padilha. Assim, a festa sinalizou a favor de um festival com maior alcance popular, sintonia histórica com as grandes tradições do país e densidade da linguagem da arte.

Belos exemplos deste caminho apareceram na programação da primeira semana – ao lado da requintada arte da cena apresentada por Débora Falabella em Primafacie, espetáculo de importância histórica, mais uma direção magistral de Yara de Novaes, a plateia do Teatro Guaíra pode se emocionar com Ray. Você não me conhece, espetáculo de Rodrigo Portella.

Nos dois casos, o tema do popular apareceu infiltrado de forma curiosa. Em Primafacie, Débora Falabella demonstra a grandeza do seu vínculo com o palco e com a produção requintada de arte. Apesar da sua consagração como atriz de telenovelas, a atriz, com larga história no teatro de grupo dedicado à pesquisa de linguagem, decidiu se dedicar à encenação de uma peça estruturada de forma densa, de perfil profundamente desafiador e à frente do nosso tempo: a demonstração dramatúrgica da omissão da justiça diante da violência da própria justiça, hoje, contra as mulheres.

Sozinha em cena, com um cenário de contornos abstratos que se modifica segundo o andamento da ação, um figurino teatral em sintonia com as mudanças da vida da personagem, Débora Falabella expõe uma advogada triunfante. Mas ela se afirma na profissão após muita luta para descobrir que pode ser vítima e injustiçada, pois as leis, hoje, não são instrumentos isentos quando a violência atinge as mulheres. Simplesmente, vale insistir na afirmação, trata-se de um espetáculo histórico. É um trabalho de tirar o fôlego e um atestado de mérito na grande arte.

Na encenação dedicada a Ray Charles, inspirada no livro de Ray Charles Jr., a forma singular, transgressiva, migrou para a interpretação coletiva. A direção e a dramaturgia têm a assinatura de Rodrigo Portella. Com um elenco de atores negros exemplares – destaque especial para o ator mirim Caio Santos e para os veteranos Flavio Bauraqui e Letícia Soares – a peça focaliza o drama da vida de Ray Charles de forma inventiva e inusitada.

Para traçar um panorama da dor de existir que cercou a vida do artista, a trama, pontilhada por muitos dos seus grandes sucessos, mostrou um enfrentamento imaginário entre o pai e o filho no dia seguinte ao enterro do músico. O fantasma, um homem contraditório de várias facetas, e o filho, esfacelado, traduzidos em forma jogral por vários atores, desfilam memórias pungentes, para iluminar a fragilidade do que é humano; a criação cênica engenhosa deu vida a mais um musical biográfico, gênero que muitos, por aqui, combatem.

Estas são discretas amostras de uma vasta programação, preocupada em oferecer vivências teatrais antenadas com o palco mais inventivo de hoje. Uma conclusão se torna evidente diante dos fatos: o Festival de Curitiba se tornou uma instituição nacional, superou as fronteiras locais. Se, quando andamos a esmo pela cidade, percebemos que é raro encontrar alguém que não saiba o que é e que não valorize o festival, a meta agora é outra, é conseguir demonstrar o quanto o festival se tornou um festival-Brasil. Com engenho e arte, acima de gregos e troianos, é possível supor que os feitos de Curitiba se projetem agora, na maturidade, a favor de uma arte maior, o refinamento da sensibilidade do país.

FICHA TÉCNICA

https://festivaldecuritiba.com.br

De 24 de março a 6 de abril

ONDE: Curitiba

DIREÇÃO
Leandro Knopfholz

Fabíula Bona Passini

CURADORIA MOSTRA LUCIA CAMARGO

Daniele Sampaio

Giovana Soar

Patrick Pessoa

PRODUÇÃO
Direção de Produção:

Bina Zanette

Produção Executiva:

Siciane Geruntho

Anna Paula Vendramin

FRINGE
Rana Moscheta

Dadi Aguiar

Augusta Guedes

Majô Farias

MOSTRA SURDA

Coordenação geral e Curadoria

Jonatas Medeiros

RISORAMA
Curadoria:
Diogo Portugal

GURITIBA
Programação:
Fabíula Bona Passini

MISHMASH
Curadoria:
Rafael Barreiros

Muga Riesemberg

Pedro de Freitas

GASTRONOMIX
Curadoria:
Celso Freire

Gabriela Nickel Freire

IMPRENSA E NOTÍCIAS

Coordenação:
Maximilian Santos

Nacional:
Pedro Neves

LOGÍSTICA
Coordenação:
Duda Slud

REALIZAÇÃO
Parnaxx
Sinapse
Portugal
Ápice

Categories: Coluna de Segunda, Crônicas, Teatro

Tagged: Ave Lola, Déborah Falabella, Eixo Rio-Sampa-Curitiba, Fabíula Passini, Festival de Curitiba 2025, Leandro Knopfholz, Lucia Camargo, Milton Cunha, Rodrigo Portella, Teatro Lala Schneider

Significância…

Tania Brandão

Posted on 24 de março de 2025

Vamos lá, diga a verdade. Você adora teatro, como todos os seres humanos dignos da espécie. E o que é que faz você gostar de teatro? O fato de o teatro ser bom, simples assim. Então, não perca tempo, corra para ver Insignificância, excelente produção paulista em temporada relâmpago no Teatro Adolpho Bloch. É um espetáculo para sair de alma lavada, com o ser iluminado pela boa e antiga arte do palco.

Em cena, atores de alto gabarito apresentam um texto de dramaturgia muito bem urdida, sob uma direção preciosa no trato dos atores e do espetáculo; cenário, luz e figurinos são de requintada concepção. Em poder da equipe, apaixonada por seu ofício, a cena se transforma em veículo para celebrar o melhor da arte.

Qual o segredo básico para este resultado ótimo? Além da equipe de alto padrão, a qualidade da montagem começa no texto, este valor que a classe teatral, por aqui no Rio, não tem se preocupado muito em cultivar. A peça é contemporânea, de Terry Johnson; quer dizer, foi escrita segundo uma forma e alguns temas afinados com as dores e os risos do nosso tempo. Por isto, recebeu uma classificação original: comédia relativa. O autor, um homem de teatro na plena acepção do termo, é personalidade de destaque na cena britânica, em princípio, e mundial, por mérito.

Para sacudir a nossa visão acerca do valor do ser humano no mundo atual, ele escolheu jogar em cena um encontro hipotético entre pessoas, digamos, poderosas: na ciência, na política, na arte e no esporte. Graças a uma ideia dramatúrgica feliz, encontram-se num quarto de hotel de Nova Iorque o celebrado gênio da física Albert Einstein, o temível e hediondo senador Joe McCarthy, a luminosa garota irresistível Marilyn Monroe e o primeiro marido da atriz, o simplório jogador Joe DiMaggio. É uma noite e tanto – para as figuras da cena e, claro, para a plateia.

Sim, apoiada pela grandeza do texto, a qualidade da noite é irradiada com força a partir do brilhantismo dos atores, conduzidos com fina inteligência cênica por Victor Garcia Peralta. O ponto de partida do elenco é a composição minuciosa dos quatro símbolos ocidentais reunidos, bem densa graças ao figurino de Fábio Namatame, ao visagismo de Claudinei Hidalgo e às perucas do Atelier San Roman .

Mas a composição, este recurso teatral tão antigo, é apenas uma parte do show: os atores vão muito além, cada ator traz uma carga de interpretação apta para fazer tremer a visão de mundo do público. Os mitos não surgem em cena como caricaturas ou formas simplificadas, eles têm densidade interior, são “gente”, como todas as gentes.

Cassio Scapin desenha um Einstein chocante, radicalmente fiel à imagem mitológica inscrita na sensibilidade da humanidade. Ao mesmo tempo, o ator acrescenta à tradição um fluxo de amorosidade intenso, capaz de transformar o velho cientista no amigo de fé de todos e de cada um, apesar de profunda solidão que o envolve. As ideias de Einstein levaram a ciência a um patamar revolucionário – mas levaram também à bomba atômica.

Amanda Acosta definitivamente se afirma como uma atriz estrelar de primeira grandeza. Depois de sua eclosão histórica notável como Bibi Ferreira (Bibi, Uma Vida em Musical), ela assina agora uma criação na qual consegue expor a energia feminina como motor absoluto da vida, a espiral de sensações primárias encarnada em Marilyn. É ainda mais: é um furacão sensual, meigo e belo; nas letras do texto, o mito carnal envereda por um caminho imprevisível, com o desejo de afirmar-se a inteligência luminosa de Marilyn. Amanda Acosta assume a tarefa sob um ritmo de entrega total e consegue um efeito muito mais do que arrebatador, é a rainha da cena na noite.

Por contraste, a grande virada emocional e estética traz a assinatura impecável de Marcos Veras, responsável por um Joe DiMaggio exposto com extrema segurança, capaz de despertar sentimentos contraditórios no público. O seu jogador é um perfeito colosso humano de músculos e ideias curtas, mas salpicado de nuanças sentimentais eficientes para demonstrar a sua humanidade. As reviravoltas propostas pela trama conseguem a peripécia de jogar Einstein em atitude suspeita de crime sexual, sob a mira do marido bronco, desencadeando um turbilhão de risadas na noite teatral.

A paleta de tons sombrios apegada à ignorância se torna densa expressão do mal com a presença do senador, Joe McCarthy. Líder de um violento movimento de caça aos comunistas no pós-guerra, ele aparece empenhado em levar o cientista para depor no comitê de atividades antiamericanas, um desempenho mais do que correto de Norival Rizzo. Desde a primeira cena, o político grotesco desencadeia várias contracenas de desentendimento, impondo-se como um princípio vivo de dissolução da dignidade humana.

Portanto, a atividade é intensa no quarto de hotel de Einstein. Há um entra e sai permanente e um fluxo de desencontros de conversas e intenções. O resultado é claro: oferecer um panorama requintado a respeito da vida humana em nosso tempo – e lançar a pergunta ácida a respeito do significado de ser e existir.

A pergunta se torna uma questão de perturbador alcance histórico graças à visão, quase durante toda a peça, do panorama de Nova Iorque, visto da janela do hotel. O centro maior da vida ocidental desfila ao fundo, diante dos olhos do público. O efeito cênico, de grande beleza, se tornou possível no teatro graças ao uso de uma tela de led de grandes dimensões. Uma maravilha do engenho humano, afinal.

Em cena, estamos em 1953 e já temos Nova Iorque como uma megalópole de aço, vidro e fumaça. Ao olharmos a cena, tão distante, graças a um texto publicado em 1983, é inevitável perguntarmos se a cena se transformou ou se ainda é a mesma. Será que a condição humana, uma insignificância, se transformou de forma expressiva neste percurso? O tema convida à reflexão sobre o valor da vida, o valor de cada opção. Em uma palavra, qual é a nossa significância?

Ficha Técnica

Autor: Terry Johnson

Tradução: Gregório Duvivier

Elenco: Cassio Scapin, Amanda Acosta, Marcos Veras e Norival Rizzo

Direção: Victor Garcia Peralta

Produção: Rodrigo Velloni

Diretor Assistente: André Acioli

Cenário: Chris Aizner

Direção de Imagem: André Grynwask e Pri Argoud (Um Cafofo)

Música Original: Marcelo Pellegrini

Iluminação: Beto Bruel

Figurinos: Fábio Namatame

Designer Gráfico: Peu Fulgencio

Consultoria de Movimento: Vivien Buckup

Fotos de Estúdio: Jairo Goldflus

Fotos de Cena: João Caldas

Visagista: Claudinei Hidalgo

Perucas: Atelier San Roman

Produção de Objetos: Jorge Luiz Alves

Pesquisa e Consultoria Histórica: João Victor Silva

Produção Musical: Surdina

Assistência e Programação de Luz: Pajeú Oliveira

Operação de Luz: Melissa Oliveira

Painel de Led e Gerenciamento de Vídeo: On Projeções

Diretor de Palco: Jones de Souza

Contrarregra: Eduardo Portella

Camareira: Luciana Galvão

Vestido Atriz: Juliano Queiroz

Alfaiate: Agenor Domingos

Assistente de Maquiagem: David Lenk

Cenotecnia: Casa Malagueta

Equipe de Cenotecnia: Alício Silva, Giorgia Massetani, Cleiton Willy, Demi Araújo, Igor B. Gomes, Mariana Maschietto, Shampzss e Danndhara Shoyama

Produção Executiva: Swan Prado

Assistente de Produção: Adriana Souza

Assistente de Designer Gráfico: Daniela Souza

Assessoria de Imprensa: Vicente Negrão Assessoria

Captação, Criação de Conteúdo e Mídias Sociais: GaTú Filmes

Anúncios Online: Lead Performance

Assessoria Jurídica: Martha Macruz

Gestão Financeira: Vanessa Velloni

Realização: Velloni Produções Artísticas

Patrocínio: Fórmula Natural

Copatrocínio: Alberflex e Rehau

Apoio: Instituto Adimax e Competition

Serviço

Insignificância – Uma Comédia Relativa

@insignificancia.teatro

Temporada: 14 de março a 06 de abril

Sextas e sábados às 20h; domingos às 18h

Ingressos:

Plateia A: 130,00 / 65,00 (meia)

Plateia B: 40,00 / 20,00 (meia)

Vendas: https://www.ingresso.com/espetaculos/insignificancia

Categories: Coluna de Segunda, Críticas, Teatro

Tagged: Amanda Acosta, Cássio Scapin, Insignificância, Marcos Veras, Norival Rizzo, Teatro Adolpho Bloch, Terry Johnson

E o prêmio vai para…

Tania Brandão

Posted on 17 de março de 2025

Um teatro nacional?!? Como assim? Ah, é um sonho velho. O sonho de um teatro nacional embalou vários projetos de Paschoal Carlos Magno. Sim, era uma busca política nascida sob as asas de Getúlio Vargas e da Revolução de 1930. Pois é, ambiente tenso. Mas, vamos combinar, já que existia esta realidade chamada Brasil, por que ficar sem investir nela? Paschoal Carlos Magno estava errado?

Bom, eu não acho. Contudo, há sempre um ponto de interrogação. O sonho do nacional tem várias implicações. Será que o critério nacional tende a liquidar o que é nativo, local? Será que o nacional deveria ser um coral de maneiras, jeitos, modos de ser e de falar cantando juntos, sem que um apagasse o outro? Ou simplesmente deveria ser a vitrine do que existe, cada um por si, mas juntos e misturados? Qual seria a ligação desta história com o 35º Prêmio Shell de Teatro?

A partir da pandemia de covid, com o Prêmio APTR, foi iniciada uma ambição nos prêmios de teatro: conquistar alcance nacional. Bom, não se pode dizer que a missão é impossível, para não desanimar os diletantes que brigam pela causa. Mas, convenhamos, o desafio é tão continental quanto o país.

Finalmente, desde a edição do ano passado, o Prêmio Shell de Teatro vem propondo uma modalidade de visão nacional – atenção, não se trata de divisão nacional – com um desenho bastante curioso. De certa forma, com tanta atividade teatral espalhada pelo território, a proposta deseja destacar trabalhos que conseguiram obter projeção suficiente para transcender os limites do estado ou da região de origem.

Assim, na cerimônia de entrega do 35º Prêmio Shell de Teatro, amanhã, terça-feira, no Teatro Riachuelo, conheceremos obras que se destacaram neste rincão Brasil. Sim, a premiação continua a seguir a divisão tradicional Rio de Janeiro-São Paulo, principais centros produtores de teatro do país e que, apesar de próximos, professam formas criativas teatrais bastante diferençadas. Ao lado desta divisão, foi criada a categoria Destaque Nacional – a modalidade de prêmio que, delicadamente, indica o desejo de sonhar com um teatro nacional.

Sonhos, sonhos são. Mas a inciativa é bela. A qualidade do gesto com certeza permitirá uma percepção maior do imenso alfabeto humano existente no Brasil, bem como poderá revelar um fluxo criativo que banha sem distinção todo o território nacional.

Nesta edição, a festa no Rio receberá também os premiados de São Paulo, seguindo o revezamento habitual praticado pela premiação. A lista de indicados contém nomes de perder o fôlego. A torcida vai ferver. Contudo, a lista tem um dado inquietante. Ela é muito econômica no número de artistas de teatro musical, gênero que não costuma mobilizar a atenção dos jurados do Shell, apesar do estado de excelência conquistado pelo musical brasileiro.

A situação parece bastante curiosa – afinal, apesar da oposição dos letrados, intelectuais e acadêmicos, o teatro musical se impôs com uma força inacreditável na cena do país. Eles (os homens das letras) acreditavam que o musical, ao lado da comédia, sua parceira habitual, eram os responsáveis pelo fracasso de bilheteria dos gêneros sérios…

De certa forma, o teatro musical foi o rei dos palcos, ao menos no Rio de Janeiro, até 1961, data símbolo por causa da demolição do Teatro Recreio. O eclipse do musical ainda não foi bem estudado até hoje. A partir deste ponto até o Theatro Musical Brazileiro de Luiz Antonio Martinez Correa, houve um período de recesso. Mas, em compensação, no século XXI, chegou a hora da reviravolta… mesmo com batalhões de homens sérios perfilados contra, herdeiros dos bolorentos do século XIX.

E ainda assim a lista de finalistas do 35º. Prêmio Shell surpreende por sua tímida eleição de musicais. Algumas lacunas – como a deslumbrante remontagem de A noviça rebelde – são inexplicáveis. No Rio de Janeiro, cinco indicados representam o gênero musical na lista. Há até mesmo um fato raro: entre os atores, a indicação de Édio Nunes por Professor Samba – uma Homenagem a Ismael Silva, um trabalho realmente digno de prêmio.

Na cenografia, André Cortez foi indicado por Vital, Musical dos Paralamas. E a surpresa surge fulgurante na categoria figurino, com nada menos do que três indicações para o povo do trololó e pernas nuas, como se dizia nos tempos de Artur Azevedo. Lá estão Carla Costa, por Amor de Baile, o incansável Fabio Namatame, que vestiu o excelente espetáculo Alguma Coisa Podre, e Karen Brusttolin, por A Vedete do Brasil – um Musical Brasileiro. Na música, o nome solitário de Beà Ayòóla, pela direção musical de Amor de Baile, representa a notável classe que tem feito os palcos nacionais (e as plateias) cantar, dançar, sapatear.

Em São Paulo, a nota de surpresa é a indicação da sensacional Mel Lisboa, por Rita Lee, uma Autobiografia Musical na categoria atriz. Não fiz o levantamento, mas raramente os jurados de São Paulo indicam atrizes de musicais ao Prêmio. E num musical biográfico, modalidade ainda cercada por preconceitos? É um feito histórico considerável até por se tratar da vida de uma deusa absoluta da paulicéia.

A lista de figurinistas de musical de novo se impõe e lá encontramos Fábio Namatame por Tarsila, a Brasileira, ao lado de Márcio Medina, por Cabaré Coragem. Completa a lista de indicados por São Paulo, mais modesta do que a carioca, Gabriele Souza, na iluminação, por Cabaret, e o excelente homem-música Marco França, pela direção musical de ¡Cerrado!.

Na categoria Energia que vem da gente, uma espécie de categoria especial peculiar do Prêmio Shell, o júri do Rio de Janeiro não encontrou nomes para destacar no musical. Em compensação, em São Paulo, a cidade que inventou o teatro sério de alto coturno no Brasil e que talvez por isto tenha lá suas resistências à liberdade poética dos musicais, os jurados encontraram felizmente uma forma compenetrada de homenagear os musicais. Dentre os indicados na categoria, está o Negócio Social Tereza. A iniciativa apoia a reintegração social de egressas do sistema prisional, em parceria com artistas teatrais. O projeto se destacou na confecção de figurinos em espetáculos e um deles foi o inspirado musical Martinho, coração de rei – o musical, que não recebeu nenhuma indicação.

Finalmente, no Destaque Nacional, os jurados indicaram um total de 4 espetáculos e 3 são musicais – percentual que talvez possa apontar alguma coisa na identidade do país. Pode parecer arbitrário, a partir de uma eventual lista de premiação, desejar tecer conclusões a respeito da alma nacional. Mas, convenhamos, não são dados isolados. Eles se encaixam num fluxo histórico.

E lá estão brilhando, de Belo Horizonte, o musical biográfico Marku Musical, da produtora EntreFilmes; de São José dos Campos, a Ópera Febril, da Cia. do Trailler – Teatro em Movimento, uma ópera engajada no sentido brechtiano das palavras… E de Fortaleza o surpreendente A Força da Água, do Grupo Pavilhão da Magnólia, um formato original de teatro documentário musical, denuncia da indústria da seca, com uma força musical mais impressionante do que a força da água.

Vale finalizar celebrando o sonho de um Brasil teatral múltiplo, diverso, contraditório. Um Brasil capaz de amar um musical dedicado à biografia de um músico de qualidade (Marku Ribas), um musical-documentário devotado à denúncia de condições de trabalho fabril aviltantes e um musical-forró-dança de terreiro atento ao roubo do direito à água.

Logo ao lado, ombro a ombro, se projeta um grande texto clássico da dramaturgia universal, A Visita da Velha Senhora, encenação da Cia. de Teatro da UFBA, Universidade Federal da Bahia, com a esplendida atriz Itala Nandi liderando o elenco, espetáculo também indicado na mesma categoria.

Este palco generoso nos fala intensamente desta mistura desenfreada que somos, potência humana rara. Afinal, será uma noite de festa muito especial, pois estarão sendo celebrados tanto o fazer teatral de agora, com artistas notáveis, como alguns mitos sagrados da cena brasileira. Ao lado dos jovens e de atuantes profissionais do momento, teremos Itala Nandi e Othon Bastos. Quer dizer, na verdade, sonhar é pouco…

Indicados ao 35º Prêmio Shell de Teatro

Indicados pelo Júri do Rio de Janeiro

Dramaturgia

Dadado de Freitas e Mauricio Lima por Arqueologias do Futuro
Pedro Bricio por Um Jardim para Tchekhov
Pedro Emanuel e Vinicius Arneiro por Língua
Silvia Gomez por Lady Tempestade

Direção

Adriana Schneider, Cátia Costa e Mar Mordente por Um pássaro não é uma pedra
Fabiano Dadado de Freitas e Mauricio Lima por Arqueologias do Futuro
Pedro Sá Moraes por Hereditária
Yara de Novaes por Lady Tempestade e por Prima Facie

Ator

Édio Nunes por Professor Samba – uma Homenagem a Ismael Silva
Márcio Vito por Claustrofobia
Othon Bastos por Não me Entrego, Não!
Renato Livera por Deserto

Atriz

Ana Marlene por Egoísta
Andrea Beltrão por Lady Tempestade
Débora Falabella por Prima Facie
Débora Lamm por Último Ensaio

Cenário

André Cortez por Vital, o Musical dos Paralamas
Beli Araujo e Cesar Augusto por Claustrofobia
Marieta Spada por Um Filme Argentino
Ricardo Siri por Hereditária

Figurino

Carla Costa por Amor de Baile
Claudia Schapira por Améfrica: Em Três Atos
Fábio Namatame por Alguma Coisa Podre
Karen Brusttolin por A Vedete do Brasil – um Musical Brasileiro

Iluminação

Adriana Ortiz por Um Filme Argentino
Dadado de Freitas por Arqueologias do Futuro
Fabiano Diniz por Memórias de Terra e Água
João Gioia e Renato Livera por Sidarta

Música

Beà Ayòóla pela direção musical de Amor de Baile
Dani Nega pela trilha original de Eu Sou um Hamlet
Eugênio Lima pela direção musical de Améfrica: Em Três Atos
Morris pela trilha original de Prima Facie

Energia que vem da gente

Escola Nacional de Circo Luiz Olimecha – maior referência de formação de artistas do teatro circense na América Latina há mais de 40 anos.
João Vicente Estrada, Lana Sultani e Ricardo Loureiro, pela criação de uma experiência poética transformadora em “tudo é minúsculo tudo é presença”, a partir das percepções do artista João Vicente, diagnosticado com esclerose lateral amiotrófica (ELA) desde 2020.
Programa Enfermaria do Riso – UNIRIO – por desenvolver desde 1998 uma ação de extensão integrada entre os cursos de Teatro e Medicina para formação e pesquisa em torno de intervenções artísticas de palhaçaria em hospitais.
Retiro dos Artistas – por promover há mais de cem anos hospitalidade, cuidado e bem-estar a artistas e técnicos de teatro.

Indicados pelo Júri de São Paulo

Dramaturgia

Dante Passarelli por Por um pingo
Jhonny Salaberg por Parto Pavilhão
Liana Ferraz por Não fossem as sílabas do sábado
Victor Nóvoa por E se Fôssemos Baleias

Direção

Clara Carvalho por Hedda Gabler
Jéssica Teixeira por Monga
José Fernando Peixoto de Azevedo por Depois do Ensaio, Nora, Persona
Naruna Costa por Parto Pavilhão

Ator

Alexia Twister por Rei Lear
Bruno Lourenço por Brás Cubas
Rogério Brito por Sangue
Sidney Santiago Kuanza por A Solidão do Feio

Atriz

Adriana Lessa por A partilha
Lucélia Santos por Vestido de Noiva
Mel Lisboa – Rita Lee, uma Autobiografia Musical
Noemi Marinho por O Vazio na Mala

Cenário

Carla Berri e Paulo de Moraes por Brás Cubas
J.C. Serroni por Primeiro Hamlet
Rager Luan por Tá pra vencer
Wagner Antônio por A bailarina fantasma

Figurino

Eduardo Giacomini por Cão Vadio
Fábio Namatame por Tarsila, a Brasileira
Márcio Medina por Cabaré Coragem
Simone Mina e Carolina Bertier por Vestido de Noiva

Iluminação

Aline Santini por Perfeita
Beto Bruel por Petra
Gabriele Souza por Cabaret
Wagner Antônio por Um Jaguar por Noite

Música

Adilson Fernandes, Bruno Garcia, Carol Nascimento, Dani Nega, Flávio Rodrigues e Jonathan Silva pela direção musical e trilha original de Maria Auxiliadora
Dani Nega e Marina Esteves pela concepção de direção musical de Magnólia
Marco França pela direção musical de ¡Cerrado!
Zeca Baleiro pela trilha original de O Ninho, um Recado da Raiz

Energia que vem da gente

Grupo Clariô de Teatro – pelos 20 anos de estímulo à produção cultural e atividades culturais na periferia de Taboão da Serra e região e por sua relevância para a história do teatro negro no Brasil.
IBT – Instituto Brasileiro de Teatro, pela abrangência de suas ações como agente de captação de recursos e de incentivo à produção e divulgação das artes cênicas.
Negócio Social Tereza – pelo trabalho realizado por egressas do sistema prisional em parceria com artistas teatrais para a confecção de figurinos em espetáculos como Martinho, Coração de Rei – o Musical e Marrom, o Musical.
Teatro Oficina Uzyna Uzona, pelo êxito da mobilização cultural e social para a criação do Parque do Bixiga, marco para a história teatral e artística de São Paulo.

DESTAQUE NACIONAL

A Força da Água – do Grupo Pavilhão da Magnólia, de Fortaleza – CE
A Visita da Velha Senhora – da Cia. de Teatro da UFBA, Universidade Federal da Bahia, de Salvador – BA
Marku Musical – da produtora EntreFilmes, de Belo Horizonte – MG
Ópera Febril – da Cia. do Trailler – Teatro em Movimento, de São José dos Campos – SP

HOMENAGEM DO ANO (JÚRIS RJ, SP e DESTAQUE NACIONAL)

Tribo de Atuadores Ói Nóis Aqui Traveiz

Conheça o corpo de jurados do 35º Prêmio Shell de Teatro:

Rio de Janeiro

Ana Luisa Lima (professora, produtora e gestora cultural)
Biza Vianna (figurinista, diretora de arte e produtora cultural)
Daniele Ávila (artista de teatro, crítica e curadora)
Leandro Santanna (produtor cultural, gestor público e ator)
Paulo Mattos (curador e produtor cultural)

São Paulo

Evaristo Martins de Azevedo (crítico de arte)
Ferdinando Martins (professor e crítico de arte)
Lucelia Sergio (atriz, diretora e dramaturga)
Luiz Amorim (ator, diretor e gestor em produção cultural)
Maria Luisa Barsanelli (jornalista), em São Paulo

Destaque Nacional

Dane de Jade (atriz, pesquisadora e gestora cultural)
Giovana Soar (atriz, diretora, tradutora e curadora)
Guilherme Diniz (pesquisador, crítico cultural e professor)
Marcio Meirelles (encenador, dramaturgo e gestor cultural)

Categories: Coluna de Segunda, Crônicas, Teatro, Textos sobre teatro

Tagged: 35º Prêmio Shell de Teatro, Édio Nunes, Mel Lisboa, Othon Bastos, Teatro Riachuelo

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