Posts tagged “corpo”

Por um corpo livre

O teatro é um corpo saltitante: ele não para. Tentaram em vão ao longo da história fazer com que ele se tornasse pura ideia, conceito, bela abstração. Mas foi inútil: o teatro não consegue acontecer sem o corpo e ele, danado, cobra o seu imposto aqui e ali, se manifesta. Tudo indica que o corpo sente um prazer desmedido ao demonstrar que a palavra é um sopro oco, perdido: sem o corpo, ela não acontece. No nosso tempo, a coisa piorou, a palavra precisa dos olhos para ser ouvida…

É divertido olhar a História do Teatro por este caminho, ver quantas vezes vários poderes tentaram deserdar o palco ou certas artes do palco por causa de sua corporeidade – a lista desta vetusta inquisição articulada pelo verbo é bem longa. As vítimas eleitas são incontáveis. A lista passa, inclusive, pelo maxixe, pelo samba, pelo rebolado e outras práticas vizinhas, nem tão excomungadas. Não adiantou tentar a interdição. Causa perdida.

Aliás, muita gente boa – e séria – ainda hoje tem dificuldade para entender que ator não é nem ventríloquo nem telepata, mas uma coisa esquisita, transgressiva, que nasceu para questionar a palavra. Portanto, dar fisicalidade intensa ao ato de falar. Está incluído no seu repertório, então, rebolar, digamos, no sentido mais amplo do verbo… Pode ser dito de uma forma simples assim: o ator rebola a palavra.

Toda a extensa trama de reclamação contra o corpo e os seus descaminhos resulta inútil, ociosa. Até na academia, o templo máximo do saber, aquele lugar da sociedade que, justamente por ser academia, nasceu e sobreviveu sob o jugo do verbo e seria o último a acatar as transformações ditadas na vida corrente, o corpo do ator chegou – e não foi para autópsia nas escolas de medicina.

Ele chegou como realidade essencial da arte. Debate decisivo para a arquitetura da linguagem do palco. Trabalhar o corpo não é mais necessidade impositiva de dança, circo, teatro musical ou teatro popular – trabalhar o corpo é fato do teatro, ou de teatro. O paradigma central de hoje é objetivo: de nada adianta estudar os grandes textos do teatro ocidental, as teorias e as estéticas mais intrincadas do palco, se o corpo permanecer inerte, branco, vazio.

De certa forma, o ator se libertou do vetusto edifício da racionalidade. Ou de uma certa racionalidade trancada em si, distante da vida. O ator não é mais um mourão de cerca vibrante de emoção, suporte atlético para as palavras: ele é uma massa pulsante de vida que irradia os múltiplos fluxos da ação através de si. Do alto da cabeça ao dedão do pé, o ator está em cena, em sintonia com todo o resto. Não há um corpo-reboque ou plataforma do sentir.

Por isto, encontros, seminários, congressos se tornam práticas de primeira necessidade na formação e na afinação do ator. A rigor, estamos descobrindo tudo isto, pois a coisa é bossa nova. Nestes eventos, é possível estruturar um amplo leque de trocas, ultrapassar fronteiras nacionais e institucionais, tecer sintonias finas entre teoria e prática. Vale ficar atento, para garantir à cena a força expressiva que ela merece.

Posso citar aqui e agora quatro exemplos de extrema importância. Um acabou de acontecer, na semana passada. Levou para a Escola de Teatro da UNIRIO um diretor de excelência da cena carioca atual, Paulo de Moraes, acompanhado pela atriz Patrícia Selonk – uma grande expert em corpo. O casal é a liderança da Armazém Cia de Teatro.

Trata-se de uma equipe de primeira grandeza da cena brasileira. O conjunto simboliza a potência criativa máxima do teatro hoje no Rio. Eles acabaram de chegar da China – fato que não é exceção na trajetória recente do coletivo e entrega a densidade do trabalho desenvolvido.

Com extrema justiça, a Armazém foi durante muito tempo nota dez em patrocínio – uma das joias preciosas da politica cultural da Petrobras. Este ciclo significou a construção de um poder de expressão brasileira único, raro mesmo, pois, além de alcançar um lugar de destaque na cena carioca, a Armazém se tornou referencia nacional e, a partir de sua força de representação estética nacional, partiu para o exterior, conquistando também no mundo o reconhecimento da excelência de seu trabalho.

Esta excelência se traduz em termos estéticos precisos: construção de uma linguagem cênica peculiar, em que a intensidade da expressão verbal se alinha com a entrega corporal mais intensa, em sintonia com uma concepção do espaço a um só tempo geométrica e pictórica, quer dizer, um espaço que se estrutura minuciosamente como volume, linhas, planos, cores.

A observação aponta para uma construção de cena em que texto, ator, cenografia, figurino e luz se integram enquanto elementos de uma linguagem específica: o teatro, exatamente, um todo orgânico profundamente articulado. E, vale repetir, esta linguagem acontece como criação atoral, resultado de uma dedicação exemplar ao trabalho cujo vértice central de criação é o ator. Um simples exame do repertório da companhia atesta o caráter exemplar da obra construída pela equipe e diz tudo a respeito do acerto da política cultural da Petrobras.

Mas esta conversa com o diretor e a atriz, tão decisiva para aproximar a realidade do teatro dos bancos escolares, não aconteceu como fato isolado. Outros três eventos vão sacudir por aqui a antiga placidez do corpo do ator no leito acadêmico, um outro fará outro tanto na terra do verbo dourado chamada Paris…

O primeiro evento que importa acompanhar é um pouco mais do que corporal: é dedicado a Grotowski (1933-1999), o grande encenador polonês. Vale perguntar se a palavra encenador faz justiça ao perfil do homem de teatro exemplar que trouxe, afinal, uma nova materialidade, física e metafisica, para o trabalho teatral do nosso tempo. Um bom caminho para tentar responder nasce nas múltiplas atividades propostas pelo Seminário Internacional Grotowski 2019: uma cultura ativa, organizado pela professora pesquisadora Tatiana Motta Lima, na Escola de Teatro da UniRio.

Passear pelo vasto rol da programação já transporta o leitor para uma outra esfera da realidade – dá para levitar ao redor de um redemoinho de ideias. Há desde a apresentação de espetáculos, destacando-se Moloch: Testemunha Allan Ginsberg, de François Kahn, um artista que trabalhou diretamente com Grotowski, até encontros, homenagens, palestras, oficinas, debates, mostras de filmes, lançamento de livros…

A maratona teatral acontecerá do dia 20 ao dia 25 de novembro próximos e percorrerá vários espaços. A partir do centro de proposição, a Escola de Teatro da UNIRIO, na Urca, as atividades ocuparão o Teatro Poeira, em Botafogo, e a Escola de Capoeira Angola Renascer, na Glória. Uma ampliação do evento será conquistada com a viagem para outros centros – a programação itinerante atingirá Belo Horizonte, Ouro Preto, Santa Maria e Brasília.

Sem dúvida Grotowski apresenta uma vasta superfície de temas, questões, conceitos. O ponto nevrálgico da proposta está no tratamento das fases menos conhecidas da arte do encenador, aquelas em que justamente ele decidiu parar de dirigir espetáculos e realizar experiências, interferir nas vidas. São as fases do Parateatro, Teatro das fontes, Arte como veículo e da noção de Cultura Ativa, usada por ele no Teatro Laboratório, nos anos 1970, na qual se instaurava o princípio da ampla participação da plateia – quer dizer, buscava-se a extinção da noção de plateia.

A experiência, tão múltipla, depois de vinte anos da morte de Grotowski, não se funda num cálculo de comemoração, mas na expectativa de fazer perguntas, dimensionar o quanto o teatro mudou – ou não – a partir da arte proposta por ele, seguida atentamente por inúmeros grupos experimentais ao redor do mundo. De certa maneira, deseja-se saber, com o colóquio, qual o corpo de Grotowski ficou por aqui, na experiência humana, se corpo for uma palavra para falar da totalidade da existência.

Alguém mais implicante pode contra-argumentar e dizer que, afinal, Grotowski não é corpo, mas um teatro inteiro, aquele teatro de arte mais conectado com as inquietudes intelectuais humanas, portanto, coisa de cabeça. Papo longo – de toda forma, outros eventos próximos são inquestionavelmente atividades focadas nesta coisa chamada fisicalidade, uma parte do ator que, para iniciantes e para quem é muito racionalista, sobra na cena. Quem, na vida, nunca viu no teatro um ator cujo corpo, alheio aos esforços do seu amo, insistia em permanecer morto em cena, contrariava qualquer inclinação à arte?

Quando isto acontece, fica evidente que o candidato à artista falhou na busca de informação, pois é este o tema: o corpo no teatro de hoje é quase uma entidade por si, algo que escapa do dono, tem autonomia… não pode de jeito nenhum estar morto. Com tanto garbo, ele merece estudos bastante requintados. E eventos eficientes para a amostragem destes estudos: há um exemplo no calendário imediato muito eficiente para atestar este ponto de vista.

Aliás, um, não – dois. Ainda na UNIRIO, o Laboratório e Grupo de Pesquisa Artes do Movimento, ligado à Escola de Teatro e ao Programa de Pós-Graduação da escola, vai promover nos dias 21, 22 e 23 de novembro de 2019, na Escola de Teatro, dois eventos pontuais, muito especializados, dedicados ao trabalho de corpo na cena.

Organizados como manifestações associadas, entrarão em cartaz o Terceiro Seminário Internacional Corpo Cênico: Diálogos e Experiências e o Segundo Encontro Preparação Corporal. Direção de Movimento e Coreografia no Teatro. Nos três dias de atividades, mesas de debates, pesquisas, oficinas, apresentações práticas, lançamentos de livros e do site, performances, instalações, exposição e até um sarau oferecerão uma excelente oportunidade para conhecer o estado atual da arte.

Para reforçar o peso acadêmico do campo de estudos, haverá até uma defesa de tese de Doutorado, da aluna Luar Maria, sob regime de co-tutela internacional (Paris-8). A pesquisa desenvolvida foi dedicada à reflexão a respeito de uma trajetória carioca, as mutações das práticas coreográficas, da coreografia à dramaturgia do gesto.

Ao redor do panorama alentado de atividades, nomes fortes dos estudos nacionais e internacionais estarão reunidos: Ayse Tashkiran, da Universidade de Londres, Isabelle Launay, da Universidade Paris-8, Dadivo José Combane, da Universidade Eduardo Mondlane, Moçambique, e, na idealizaçao e organização dos dois encontros, Adriana Bonfatti, Enamar Ramos, Juliana Manhães, Nara Keiserman e Joana Ribeiro (UNIRIO).

A participação de especialistas estrangeiros diz tudo, o tema não é invencionice tropical e não apaixona apenas pesquisadores nacionais. A cena internacional, ocidental, trabalha com esta visão renovada do palco, distante daquela ideia cara aos grandes atores do passado, prontos para sustentar o raciocínio de que o gesto era uma espécie de embaixador da palavra. Pode até ter sido, pois andava espremido, metido em casacas e espartilhos do século XIX, mas, rebelde como o século XX, perdeu a vaga diplomática e se emancipou, foi à luta.

Posso provar o que digo com muita facilidade – também agora vai acontecer em Paris um colóquio internacional de jovens pesquisadores tratando do gesto na cena dos século XX e XXI. O subtítulo é revelador: entre tradição e inovação teatrais. O encontro vai acontecer de 28 a 29 de novembro, na Salle des Actes da Sorbonne.

A programação, estruturada no melhor espírito francês, contará com uma palestra de abertura dedicada à abordagem do estudo do gesto na cena, a cargo da professora Gabriele Sofia, da Universidade de Grenoble Alpes. A seguir, serão apresentadas comunicações, formato dominante nos dois dias, com um leque de temas amplo o bastante para focalizar, ao lado da história, nomes da contemporaneidade. Meyerhold, Vieux Colombier, London Theatre Studio, Grotowski, o gesto acrobático circense, Romeo Castellucci, Beckett, assinam presença, ao lado de uma apresentação prática preciosa.

O Théâtre Molière Sorbonne, dedicado ao estudo histórico de Molière e de seu teatro, representará Andromaca I, 4, de Racine, para indicar como deveria ser o gesto e a representação na época de Molière. A seguir, uma mesa redonda com o pesquisador especialista em Molière, diretor da companhia, Georges Forestier, e com o professor Mickaël Bouffard, codiretor científico e artístico do mesmo grupo de teatro, discutirá a cena histórica proposta pelos estudiosos.

O Brasil, que infelizmente não tem um Teatro Martins Pena ou um Teatro Artur Azevedo, para se dedicar ao estudo de seus maiores dramaturgos históricos, não estará, contudo, fora do colóquio – um tema quente para o debate será apresentado pelo professor historiador Henrique Gusmão. O assunto de sua comunicação, central para qualquer debate denso sobre o corpo no teatro do nosso tempo, será o gesto e a palavra no teatro stanislavskiano. Portanto, um feito de importância para a comunidade intelectual de teatro do país.

Assim, o lado curioso do assunto desponta – apesar do corpo, com seus impulsos materiais, físicos, concretos, afinal exigir hoje um lugar de destaque na cena e no pensamento a respeito da cena, ainda é sob o domínio da palavra e do Logos que ele precisa ser levado em conta. Para demolir o domínio das palavras, o corpo precisa construir um arrazoado verbal de impacto, capaz de impor a sua força. Doce ironia.

A não ser que, revolucionários, consideremos impositivo considerar que um verbo, impregnado de falas a respeito do corpo, se desintegre em sua forma essencial, deixe de ser verbo, se torne balbucios, apenas vestígios daquilo que, por ser puro corpo, nem ideia, nem palavra pretendia (ou poderia) ser. Delírio vão. Aqui, do lado debaixo do Equador, terras do pecado rasgado e dos corpos livres, importa vesti-los com palavras, correndo. Ou não saberemos nunca o quê, afinal, o corpo pode ser…

Serviço:

SEMINÁRIO INTERNACIONAL GROTOWSKI 2019

DESTAQUES DA PROGRAMAÇÃO

MINI-CURSO“GROTOWSKI PÓS-TEATRAL”, aberto e gratuito, ministrado por Lídia Olinto e Tatiana Motta Lima. Apresentação das diferentes fases do trabalho do Grotowski, com debate de textos, análise de filmes. Inscrições: e-mail grotowski2019@gmail.com, colocando no título “mini-curso”. Audiovisual da Escola de Teatro da UNIRIO, nos dias 18 e 19 de novembro, das 10h às 13h e das 15h às 18h.

ENSAIO E CORO ABERTO, com Mario Biagini (dias 23 e 24/11, das 22h30 às 0h30, na Escola de Capoeira Angola Renascer – Rua Candido Mendes, 476 – Glória).

ESPETÁCULO “MOLOCH – TESTEMUNHA: ALLEN GINSBERG” (dia 21/11, das 14h às 16h, e dia 25/11, das 20h30 às 22h30, no Teatro Poeira)

Adaptação teatral de François Kahn a partir dos autos do Processo dos Sete de Chicago e do ensaio Uma Solidão Pública de Fernanda Pivano (tradução de Ana Teresa Jardim)

Direção e atuação: François Kahn (em português)

ESPETÁCULO “EPISÓDIO I: UEMBA-CONGENBO (MORRER)” (dia 20/11, das 19h30 às 21h30, não Palcão da Escola de Teatro da UNIRIO).

Solo de Luciano Mendes de Jesus

ENSAIO ABERTO DO ESPETÁCULO “O AMOR POSSÍVEL + CONVERSA” (dia 22/11, das 20h às 22h, no Palcão da Escola de Teatro da UNIRIO)

Adaptação teatral de Priscilla Duarte e François Kahn, do romance A Caverna, de José Saramago. Direção e atuação: Priscilla Duarte. Colaboração artística: François Kahn.

PALESTRA SEGUIDA DO LANÇAMENTO DO LIVRO “O JARDIM – REFLEXOS E REFLEXÕES SOBRE O TRABALHO PARATEATRAL DE JERZY GROTOWSKI DE 1973 A 1985” (dia 23/11, das 17h30 às 20h30, na Escola de Teatro da UNIRIO)

MOSTRA DE FILMES (de 22 A 24/11, das 10h às 12h, no Audiovisual da Escola de Teatro da UNIRIO)

ENCONTRO ABERTO de Mario Biagini e Tatiana Motta Lima com os grupos do Rede Baixada em Cena, com apresentação do documentário “Rede Baixada em Cena – história de um teatro periférico”, dia 26, das 14h às 18h, no Colégio Leopoldo (Av. Getúlio de Moura, 1074), em Nova Iguaçu.

ATIVIDADES QUE NECESSITARÃO DE INSCRIÇÃO PRÉVIA

Além do mini-curso que acontecerá antes do Seminário, há três atividades que precisarão de inscrição prévia, ainda que sejam gratuitas. Para se inscrever, é necessário preencher e enviar formulário (endereço abaixo e também informado nas redes sociais do evento: Grotowski2019 – Facebook/Instagram), com dados pessoais, mini currículo e carta de intenção.

https://drive.google.com/open?id=11ZkLzikBT71F7ygfyFoYEiQ2oB_p91mW0KT8WrjY81E

II Encontro Preparação Corporal, Direção de Movimento e Coreografia no Teatro III Seminário Internacional Corpo Cêncio: Diálogos e Experiências

PROGRAMAÇÃO:

Laboratório Artes do Movimento

https://laboratorioartesmo.wixsite.com/corpocenico

https://laboratorioartesmo.wixsite.com/artesmovimento

Le Geste sur les scènes des xx^e et xxi^e siècles :

entre tradition et innovation théâtrales

Colloque international jeunes chercheurs

PRITEPS – Sorbonne Université

28 & 29 novembre 2019

Salle des Actes – 17, rue de la Sorbonne

Foto: Coristas, Teatro Recreio, !924, fotógrafo ignorado.

Categories: Coluna de Segunda, Cultura, Teatro

Tagged: Armazém Companhia de Teatro, corpo, corpo cênico, corpo-teatro, Escola de Teatro da UNIRIO, expressão corporal, Grotowski, Henrique Gusmão, Joana Ribeiro, Patricia Selonk, Paulo de Moraes, PPGAC, Seminário Internacional Grotowski, Tatiana Motta Lima, Teatro Poeira

COLUNA: SEGUNDA DE TEATRO

Tania Brandão

Posted on 3 de dezembro de 2018

O Teatro do corpo

“Teatro não é literatura: a afirmação já rendeu bastante polêmica. Ainda rende. Mas ela aparece aqui sob uma outra veste – o que se quer dizer com ela é muito simples. No teatro, à diferença da literatura, a palavra é destituída de seus poderes próprios, ela vira corpo. Isto mesmo – ela corporifica. Palavra no palco é ação, portanto corpos em movimento.

No entanto, a coisa não é tão simples assim: dois caminhos complementares estão insinuados no parágrafo de cima. Um caminho é o da palavra, não está sob o foco agora. Vale observar apenas que a tal palavra é sirigaita, quer dizer, é uma palavra cheia de carne, não é uma palavra seca, perdida em si, como sonha a vã literatura.

O outro caminho, totalmente rebolativo, é o do corpo. Sim, o corpo: esta nossa parte perecível, que vai sumir um dia, para que as nossas palavras, eternas de alguma forma, tenham a razão, a fala final. Por ser perecível, o corpo só cabe em si, nada o preserva, muito embora as emoções elaboradas por ele possam chegar às palavras… Mas este seria o terceiro caminho, ali onde palavra e corpo caminham, não interessa agora.

Interessa apenas e exclusivamente o corpo, esta parte baixa oposta ao espírito. Ele tem uma história vasta na História do Teatro mas, choremos, ainda não se escreveu o precioso volume História do Corpo no Teatro. Valeria a pena, não tenho dúvida.

Para começo de conversa, o corpo não existe, existem os corpos. O corpo grego não é o corpo medieval, não é o corpo renascentista, não é o nosso corpo. Quando se aprende a olhar o corpo, é uma diversão analisar fotos antigas e perceber a linha do corpo de cada tempo. E em cada tempo, múltiplos corpos se comprimem – por idade, classe social, gênero… Há uma cadeia infinita de corpos ao nosso redor.

O curioso é que todos os corpos nascem livres. Nas crianças, apesar da ação rápida das exigências sociais, ainda se consegue ver vestígios da liberdade, gradualmente suprimida pelo jogo social. Para os artistas, na sua formação, é preciso treinar o corpo – contê-lo nos padrões estéticos da época, condicioná-lo ao espírito do tempo.

De toda forma, parece inegável o predomínio, na maior parte da história do corpo teatral, no ocidente, de uma submissão do corpo à palavra. A partir do texto, da ideia do autor, o ator desenha uma realidade física e esta realidade física obedecerá ao fluxo textual.

Direções como as de Debora Colker, em Dancing Days, ou de Duda Maia, em Elza, alcançam uma projeção enorme a partir deste debate. Pois não é que o corpo, nestes casos, insinua um estado de rebeldia, emancipação, voz própria? E é este o ponto principal aqui: em que grau se pode afirmar a existência de um processo novo, do nosso tempo, em que uma potência física desponta e aponta para uma outra construção do ator no palco?

A reflexão importa no drama, no teatrão (se é que ainda temos teatrão, nesta terra sem deus, na qual nem Dioniso emplaca…), na vanguarda e, em especial, no musical. Ao que tudo indica, a intensidade do corpo, plástico e comunicativo, se tornou ferramenta básica para a comunicabilidade da cena. Importa ter o corpo adestrado – e são muitas as ofertas de treinamento – mas, mais do que isto, é imprescindível trabalhar a “fala” do corpo. No musical, o corpo precisa ser música, precisa cantar (isto é um pouco mais do que dançar). Veja-se as coreografias de Victor Maia, agora mesmo nas cenas vibrantes de 70? Década do Divino Maravilhoso, no NET Rio.

No caso brasileiro, pois cada país hoje terá as suas amarras e solturas, vale perceber e dissolver os processos de mordaça e de enrijecimento corporal existentes para conduzir a estruturação do nosso corpo social. Penso nos trabalhos históricos de Angel e Klauss Vianna, Regina Miranda, Joana Ribeiro, Ana Bevilaqua, Suely Guerra – para citar de memória e de impulso. Para situar profissionais híbridos, que volteiam entre a sala de aula, a sala de ensaio e o palco.

Há uma tendência contemporânea para o apagamento de fronteiras, a aproximação das artes, a erosão dos limites dos fatos culturais. Em São Paulo, de 6 a 16 de dezembro, acontecerá um festival, o Risco Festival, em primeira edição, com atividades gratuitas e apoio da Secretaria Municipal de Direitos Humanos. Segundo as organizadoras, estarão em pauta diversas expressões artísticas, “dança, performance, música, artes visuais e foto, que se fundem e complementam para provocar uma reflexão sobre a criação artística produzida por todxs e para todxs…”

Ou seja, há um palco em movimento, ainda que o release do festival não fale no teatro. Mas o teatro em estado pleno precisa ser chamado à arena. Penso em tudo o que se pode fazer nas salas de aulas, para a formação do cidadão, a partir do trabalho com teatro na escola, tema de infinita grandeza e imenso poder estratégico. Na rusticidade das escolas públicas de hoje, o trabalho com o corpo pode ser revolucionário, para famílias em que a opressão é o cotidiano. O cala-boca tem uma extensão inacreditável.

Esta semana um evento universitário, aqui no Rio, dimensiona bem a extensão do debate. Organizado por professores da UNIRIO e da UFRJ, aborda o trabalho de corpo para autistas, com a oferta de oficinas para autistas, psicóticos e acompanhantes e familiares. A iniciativa impactante revela como o corpo cresceu, transbordou da cena e começou a ser uma fala social. Portanto, vale associar os dois continentes, corpo e cidadania. Mas não apenas por causa de uma nova essência do teatro ou da expansão do corpo na sociedade contemporânea.

Na verdade, o teatro é necessidade urgente na sociedade brasileira porque estamos no meio de uma crise histórica sem precedentes, uma ruína dos sonhos de gerações. E de séculos. Basta ler alguns documentos a respeito da história da Inconfidência Mineira (1789) para avaliar como e quanto temos sonhado com estas terras daqui em estado de cidadania livre, ainda que tardia. O problema é que esta tarde não chega. Assim, quem é massacrado pelo edifício social arruinado é o cidadão, o homem comum, aquele que mal começou a ensaiar a sua fala para entrar em cena neste salão de barões e viscondes chamado Brasil.

Para o homem comum que precisa ir ao teatro e dimensionar com sensibilidade a sua existência, a maestria da palavra deve ser incitada. Corporificada, incorporada, encorpada. Portanto, uma palavra nova, plena, redonda de si, carregada de sentimentos e impregnada por um corpo que sente e vive Brasil, este gigante calado há mais de meio milênio. Palavra e corpo não são palavras ocas, oratórias, vazias. Não são apenas recursos teatrais. São sinais vitais de uma sociedade que está aí e precisa mostrar as garras para ser reconhecida. Que as suas garras sejam palavras e palavras bem fincadas na beleza do corpo é a nossa última esperança. Pois o resto, é o caos.

SERVIÇOS

FOTO: Angel e Klauss Vianna.

RISCO Festival, SP – de 6 a 16 de dezembro
Locais e endereços:
Aparelha Luzia (Rua Apa, 78)
Biblioteca Mário de Andrade (Rua da Consolação, 94)
CCJ – Centro Cultural da Juventude (Av. Dep. Emílio Carlos, 3641)
Centro De Referência De Promoção da Igualdade Racial (Av. dos Metalúrgicos, 155 (Cidade Tiradentes)
CRD – Centro de Referência da Dança – Galeria Formosa (Baixos do Viaduto do Chá, s/n)
Espaço Público – Av. Paulista, altura do número 3000
Espaço Público – Vale do Anhangabaú
Itaú Cultural (Av. Paulista, 149)
Instituto Tomie Ohtake (Rua Coropé, 88)
MIS – Museu da Imagem e do Som (Av. Europa, 158)
SP Escola de Teatro (Praça Roosevelt, 210 – Centro)
Teatro de Contêiner (Rua dos Gusmões, 43)
Teatro Décio de Almeida Prado (Rua Cojuba, 45)
Vila Itororó (Rua Pedroso, 238)
Informações para Imprensa
Canal Aberto Assessoria de Imprensa

III Encontro Circulando: caminhos com o autismo”.
Dias 6 e 7 de dezembro . (UNIRIO e UFRJ)
Coordenação geral: Professores Adriana Bonfatti e Joana Tavares (UNIRIO) e Ana Beatriz Freire e Fábio Malcher (UFRJ)

“Projeto Circulando: Ateliê de teatro para jovens com transtornos mentais” – projeto cadastrado na PROExC, implantado em março de 2013 na Escola de Teatro do Centro de Letras e Artes da UNIRIO, através do oferecimento de ateliês de teatro para jovens que sofrem de transtornos mentais (autistas e psicóticos).

Em 2014 o projeto passou a oferecer ateliês para acompanhantes e familiares.
Desenvolvido em âmbito interinstitucional, o projeto estabelece parceria com o projeto “Circulando entre invenção: um novo dispositivo clínico para jovens autistas e psicóticos”, coordenado pela profa. Dra. Ana Beatriz Freire, do Instituto de Psicologia da UFRJ.

Categories: Crônicas, Cultura, Teatro, Textos sobre teatro

Tagged: 70? Década do Divino Maravilhoso, Angel Vianna, corpo, corpo-teatro, Dancing Days, Deborah Colker, Elza, Joana Ribeiro, Klauss Vianna, Regina Miranda, Teatro, Victor Maia

0 Comments

COLUNA: SEGUNDA DE TEATRO

Tania Brandão

Posted on 3 de julho de 2018

High-res version

A voz do corpo

Ocorpo fala e fala alto. Agora mesmo o pessoal dedicado ao corpo no teatro carioca começou a soltar a voz. O motivo da gritaria – uma gritaria gentil e educada, ressalte-se – é a ausência da categoria corpo nos diferentes prêmios de teatro da cidade. Nenhum prêmio atual considera estes profissionais numa menção específica.

A rotina dominante sempre fez com que os especialistas nos trabalhos de corpo fossem indicados e premiados na Categoria Especial, um grande balaio capaz de abrigar tudo o que não estiver nas categorias fixas. Pois bem, agora, os profissionais do corpo solicitam uma visão objetiva, nova, diferenciada, um prêmio para chamar de seu.

A turma tem perfil muito variado, um perfil de grandes dimensões. Participam da reivindicação, liderada por um grupo que redigiu uma carta aberta, apoiada por vários artistas, profissionais vinculados às categorias Coreografia, Preparação Corporal e Direção de Movimento. Estas especialidades absorvem artistas especializados dotados de formação bastante diversificada, atuantes em campos tão diferentes como a dança, o circo, as artes marciais, a educação somática.

O fato é histórico. Mas a historicidade, aqui, não remete apenas ao fato da reivindicação, não surge apenas por causa da existência objetiva do clamor, e sim por assinalar uma trajetória concreta do corpo do ator no teatro brasileiro. Em um século, de certa forma ecoando a própria libertação do corpo humano na sociedade, aconteceu uma transformação radical na fisicalidade dos atores. O tema é vasto, porém algumas notas precisam ser ressaltadas. Vale considerar como ponto de partida as lições do ator Procópio Ferreira (1898-1979), um primeiro ator da escola antiga: as suas palavras são preciosas, dizem muito a respeito da história do trabalho corporal em cena.

A cena é o início do século XX, o palco é um lugar de fala retumbante, para comover plateias numerosas, teatros sempre com mais de mil lugares, o velho edifício à italiana no estilo do século XIX. Para a formação teatral da época, na maior parte dos casos obtida na prática, a retórica e o bem dizer eram ferramentas essenciais; o ator precisava saber ganhar a cena, situar-se em três quartos, semi-perfil para a plateia. Nesta atitude, corpo estatuário, suporte para a emissão de palavras de impacto, ele devia soltar o verbo, para fazer tremer as almas e as paredes. O ator seguia a ação descrita nas palavras e as coordenadas da ação conduziam algumas movimentações pelo espaço, movimentos que traduziam com exatidão o texto. Era uma arte apaixonante para a sensibilidade daquele tempo, Procópio era um monstro sagrado. Aliás, para celebrar tanta popularidade, convém lembrar que no dia 8 de Julho ele completaria 120 anos, se vivo estivesse.

No livro que publicou em 1925, A Arte de Fazer Graça, Procópio Ferreira definiu o ator de forma precisa: “O ator é o intérprete fiel e consciente do autor; o criador, ao vivo, da personagem imaginada, pela frase e pela ação, dentro da peça.” A definição traz uma costura clara – a palavra, o texto, as intenções do autor, que, a seu ver, podem ser completadas de forma inteligente pelo ator, são os condutores absolutos do trabalho em cena. E ele diz mais: “O gesto, no teatro, é o introdutor diplomático da palavra.” Portanto, o corpo do ator era um suporte, um sustentáculo, para a expressão mais importante, a fala.

Uma das grandes chaves do sucesso da atriz Eva Todor (1919-2017) foi, numa época em que a palavra fazia a cena, a presença corpórea intensa, inclusive cômica, obtida a partir do uso da formação em balé e de efeitos acrobáticos. O seu território primeiro foi a revista, um teatro mais livre para o corpo, mas quem observa com atenção as chanchadas da Atlântida, da década de 1950, pode ver com muita clareza o que teria sido o corpo em cena na primeira metade do século, nos anos 1930, mesmo na revista, e dimensionar o furor de alegria oferecido pelas soluções criadas por D. Eva. A cena famosa de espelho do filme Os Dois Ladrões, de Carlos Manga, com Eva Todor e Oscarito, sempre usada nas aulas de História do Teatro Brasileiro, dimensiona o ardiloso uso do corpo sob intenções cômicas na época. Mas, ainda aqui, toda a regência do ato se faz pelas palavras.

Portanto, durante boa parte do século XX o corpo do ator brasileiro era moldado por uma armadura verbal resistente. O grande marco para a mudança, a renovação incontestável, surgiu da dança, de certa forma. Klauss Vianna (1928-1992), bailarino e professor de dança, foi o revolucionário que sacudiu a cena. Preocupado com a expressividade do corpo e com a estrutura física da expressão, ele formulou um método a partir da experiência concreta de trabalho com atores. O marco da grande virada aconteceu em 1967, com a montagem de Navalha na Carne, de Plínio Marcos, direção Fauzi Arap, um desempenho histórico de Tonia Carrero (1922-2018).

Vários trabalhos a seguir alcançaram grande sucesso e impuseram a realidade de um corpo novo, não mais o corpo verbal antigo ou o corpo maleável adestrado para acompanhar o verbo, mas um corpo senhor de sua potência e de sua força expressiva. Klauss Vianna tornou-se referência, fez escola. DDentre tantos trabalhos que assinou, destacam-se historicamente Roda Viva, de Chico Buarque, direção de José Celso, e os trabalhos com o Teatro Ipanema de Ivan Albuquerque e Rubens Corrêa – notadamente O Arquiteto e o Imperador da Assíria e Hoje é Dia de Rock.

Portanto, uma poética nova despontou, um fazer diferente se impôs, não foi apenas uma assinatura ou uma proposição pessoal. Nasceu a Expressão Corporal, com a incorporação de múltiplas referencias, da dança moderna ao circo, passando pela dança clássica. Na realidade, uma frase de Klauss Vianna no seu livro A Dança situa com muita clareza o novo território: “Não podemos aceitar técnicas prontas, porque na verdade as técnicas de dança nunca estão prontas: têm uma forma, mas no seu interior há espaços para o movimento único, para as contribuições individuais, que mudam com o tempo.”

Realista ou profético, o fato é que as mudanças não pararam, trouxeram muitas nuanças, muitos profissionais, um corpo inquieto e múltiplo, até mesmo uma faculdade, sob a liderança de Angel Vianna, esposa e colaboradora de Klauss Vianna num grau absoluto. Assim como o corpo é móvel, assim as artes do corpo em liberdade de criação são obras de movimento, em movimento. O fluxo criativo ronda o infinito. Tanto a pesquisa caminha para dançar o cotidiano, poetizar a rotina, como envereda pelo lúdico, pelo formal, pelo extra-cotidiano ou o ancestral: não há fórmulas nem receitas.

E esta ebulição criativa aparece nas comissões de prêmios: nas reuniões, sempre há o reconhecimento de obras marcantes, colaborações destacadas, artistas do gesto que fizeram diferença na temporada. De fato, o campo de trabalho hoje é imenso. E necessário. É impossível entender a cena atual somente a partir da equipe criativa moderna tradicional – diretor, cenógrafo, iluminador, figurinista. Até mesmo para analisar a performance dos atores, é preciso ter noção de sua história físico-expressiva, além de considerar a linha de trabalho do artista encarregado da, digamos, “direção do corpo”.

Agora mesmo – para tornar mais precisa a visão da riqueza deste espaço de trabalho – surgiu o anúncio da Conferência Nacional Laban 2018, Sistema Laban Como Prática de Liberdade. O encontro acontecerá no Centro Coreográfico do Rio de Janeiro, de 1 a 3 de Agosto, com o objetivo de reunir pesquisadores e artistas nacionais Labanianos. Importante perceber a oportunidade e a coerência. O conhecimento de Laban importa para a análise das peças teatrais do presente – um exemplo é a bem sucedida A palavra progresso na boca da minha mãe soava terrivelmente falsa, da Multifoco Companhia de Teatro, um coletivo cujo processo de trabalho incorpora múltiplas linguagens cênicas, em especial o circo e a dança contemporânea – e Laban. A bem sucedida direção de movimento de Palu Felipe só pode ser perceptível na sua densidade a partir do conhecimento de Laban.

Com certeza a criação de uma nova categoria nos prêmios envolve mais do que o reconhecimento da importância da atividade. A rigor, há um lado prático e financeiro, e há também o lado da pergunta difícil, rascante – há mesmo em cada temporada um volume razoável de participações, capaz, este volume, de justificar um olhar específico para os artistas envolvidos? Existem outras categorias esquecidas, que se tornaram obrigatórias na cena de hoje e permanecem injustiçadas? O que fazer – já que o tema é corpo – com o vasto terreno de habilidades do musical? O que fazer com o próprio musical, menosprezado em muitos ambientes, dominados ainda por um estranho preconceito reducionista da arte? Debate aberto, soluções adequadas virão. Importa reconhecer o valor de todo o trabalho de criação na esfera da arte.

Este mês de julho, por sinal, começou com uma grande perda na área do teatro, uma perda triste, mas propícia para iluminar um pouco mais o debate – o ator Peter Land anunciou a morte de sua esposa, a coreógrafa inglesa Gillian Lyne (1926-2018). Bailarina de formação, longeva, ela foi autora de uma lista admirável de trabalhos. Entre tantas atividades, ela assinou direções e coreografias – e recebeu duas indicações ao Tony pela criação da coreografia de Cats e de O fantasma da Ópera. O fato de serem musicais ajuda a ampliar o alcance da reflexão: Cats em particular é um argumento decisivo para apontar a força e o impacto da presença física do ator hoje. E os musicais, com certeza o teatro do nosso tempo, são o lugar de exigência máxima do corpo enquanto capacidade expressiva.

Vale assinalar um detalhe curioso. O talento natural para a dança de Gillian Lyne teria sido descoberto muito cedo, por um médico, consultado por sua mãe, preocupada com o rendimento escolar da menina. O médico teria pedido para falar a sós com a mãe e ligou o rádio – sozinha, a pequena dançava ao ouvir música, extravasava a sua dança interior. O médico recomendou aulas de dança e o talento foi cultivado. A dedicação intensa à sua arte foi a tônica de sua biografia, a partir de um pequeno gesto de reconhecimento, capaz de mudar toda a orientação de sua vida.

A reflexão a respeito da proposta formulada pelos profissionais do corpo, neste país dançante e gingado, deve considerar temas desta ordem. Sim, em algum grau ela está ligada ao bem das pessoas e ao bem do país. Pois, no final das contas, o que está em discussão é mesmo o valor mais simples e irredutível: o valor das pessoas. A partir do respeito às necessidades delas, é possível chegar ao bem social e à função mais nobre da arte em nosso tempo. O debate envolve tudo – a necessidade da arte, a redenção humana e a elevação sensível. Em tais condições, parece natural que a voz do corpo, soante no nosso tempo, livre da velha escravidão às palavras, ecoe forte, ocupe mais espaços – como os espaços dos prêmios. Afinal, como se pode ver ao redor, por todos os palcos, uma arte da cena intensamente corpórea é a condição do palco hoje. E ninguém duvida: ela diz algo importante sobre a vida atual, no país e no mundo.

SERVIÇO:

Conferência Nacional 2018- Sistema Laban como prática de liberdade!
1 a 3 de agosto no Centro Coreográfico da cidade do Rio de Janeiro
Rua José Higino, 115 – Tijuca
Inscrição online:
www.evenbrite.com.br (digitar laban2018brasil em pesquisar eventos)

Categories: Crônicas, Cultura, Teatro

Tagged: Angel Vianna, Companhia Multifoco de Teatro, corpo, Eva Todor, expressão corporal, Gillian Lyne, Klauss Vianna, Laban, prêmios de teatro, Procópio Ferreira, Tônia Carrero

0 Comments

Folias Teatrais

Letras, Cenas, Imagens e Carioquices

Posts tagged “corpo”

COLUNA SEGUNDA DE TEATRO

Tania Brandão

Posted on 19 de novembro de 2019

COLUNA: SEGUNDA DE TEATRO

Tania Brandão

Posted on 3 de dezembro de 2018

O Teatro do corpo

COLUNA: SEGUNDA DE TEATRO

Tania Brandão

Posted on 3 de julho de 2018

A voz do corpo