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O sonho do poeta

Uma aragem fina varre a superfície do chão, cacos de poesia bailam ao seu redor. Sua alma terrestre entra em êxtase. Um banho de luz envolve o seu corpo. De repente, nada da vida corriqueira conta: só o que importa é esta forma delicada de levitação. O céu se tornou o mundo.

Veja bem – o mundo não foi elevado; foi o céu, tão distante, que desistiu de manter a sua fria indiferença e lhe abraçou. Portanto, o encanto só vai cessar por decreto celeste. E, encerrada a magia, você voltará a ser você. Ou não. Você será outra pessoa. Será?

Algumas pessoas afirmam objetivas que esta experiência arrebatadora define a arte pura. Ela seria um transe definitivamente alheio ao mundo comum. Para conseguir tal efeito, já se discutiu até a qualidade das diferentes artes, na busca de definir quais deveriam figurar como mestras incontestes desta forma de elevação.

Para este raciocínio, quando, para disparar o devaneio, algum elemento da vida corrente surge na fatura da obra, a arte deveria ser definida como impura. Este seria o caso do teatro, traído por se prender a fatos cotidianos. Para os defensores do reinado senhorial dos sons, a música seria a única arte cênica digna deste nome, desde que não se prendesse a banalidades corriqueiras. E a inferioridade existiria também quando requintados sons envolvem os corpos em volúpia pelos ares. Neste rodopio da ideia, o balé, que conseguiria com a matéria dos corpos disparar o ato do arrebatamento, deveria ser rebaixado como o teatro.

A literatura, dileta filha do pensamento, seria a mais elevada porta de elevação pela arte. Bom, antes que a balburdia comece, é fácil instalar o silêncio. As antigas discussões cessam, perdem força e poder de eco, quando um valor indiscutível, bem alto, se levanta. Por exemplo? Shakespeare. Basta o nome assim, simples, direto. Outrora ele foi chamado de bárbaro. Como cogitar a possibilidade de não definir Shakespeare como fina arte?

Pois bem, confie – se existe dúvida, vai um conselho: corra até a Cidade das Artes Bibi Ferreira e experimente a ousadia de ter o bardo envolto em notas de um conhecido russo ditando os passos e os gestos de uma gente requintada do balé. Isto mesmo: é quase uma salada de arte, palavras, sons e corpos. Ela reúne, de saída, Shakespeare (1564-1616), Tchaikovsky (1840-1893), Ana Botafogo, Marcelo Misailidis e um fulgurante elenco de bailarinos.

ST -Tragédias (Romeu e Julieta/Othello) é um espetáculo marcado pelo desejo de fazer arte no nosso tempo, este tempo tão necessitado de poesia. Assim, ele trafega numa fronteira difusa entre as artes, combina balé, dança, música, teatro, criação visual. A obra comemora os 30 anos de parceria de Ana Botafogo e Marcelo Misailidis.

Para marcar a data, eles escolheram realizar um trabalho ligado à sua trajetória. A coreografia Romeu e Julieta foi criada por ele para um duo com Ana Botafogo há precisamente 20 anos. Nesta versão de agora, os intérpretes serão os primeiros bailarinos do Royal Opera House de Londres, Matthew Ball e Mayara Magri, que dançam a coreografia pela primeira vez.

Já Othello, o Mouro de Veneza atualiza a pauta da relação poética de trabalho, para, com certeza, motivar uma nova comemoração daqui a algumas décadas, pois trata-se de criação inédita de Marcelo Misailidis. Na ficha técnica generosa estão reunidos 16 bailarinos, nomes aclamados da cena do balé – como a primeira bailarina do Theatro Municipal do Rio de Janeiro, Marcia Jaqueline.

Pois bem. Há um traço muito ousado na proposta, um convite para pensar definições de arte. De saída, há o tema do encontro de linguagens, prática tradicional do balé, mas que já motivou áridas discussões a respeito do tema da identidade artística. Surge aqui também um outro ponto, o desejo de diálogo poético com duras realidades cotidianas do presente.

Aparecem, assim, dois sintomas de contaminação da arte, dois indícios para o debate a respeito da condição de arte impura. Primeiro, a busca de produção de uma linguagem na qual o híbrido funciona para gerar uma forma contemporânea. Ao mesmo tempo, a cena, através da união da estética clássica com múltiplas referências de arte, pretende lidar com sentimentos humanos dilacerantes, vivências contraditórias, cegueiras, radicalidades, pequenas opressões devastadoras, fluxos sombrios inclinados a liquidar o amor. Quer dizer, o discurso híbrido da arte teria precisamente como sentido formal e temático dar conta da vida corrente.

Em resumo, o projeto pretende lidar com uma trama tensa de fluxos verbais e musicais, materializada em movimentos de corpos jovens, filhos de um tempo violento, no qual a brutalidade deveria ter sido superada. O quadro sugere a revelação de uma época em que, tanto tempo depois, o ódio contra a vida ainda impera. O programa, então, oferece a chance de ver um trabalho novo da dupla, porém o caso é mais requintado. O cálculo reforça a visão de um conceito de arte adequado ao presente e indica a chance de celebrar hábeis intérpretes poéticos da violenta sociedade brasileira.

A oportunidade soa imperdível: Ana Botafogo e Marcelo Misailidis foram partners de sucesso, arrebataram plateias ao longo de suas carreiras, se destacaram em trabalhos de criação de coreografias. A sua produção atual permite o reconhecimento de sua obra como um gesto de afirmação da arte brasileira.

Muito além da extensa ficha de trabalhos realizados, Ana Botafogo e Marcelo Misailidis estão trazendo para o palco um ato sofisticado de arte contemporânea. Quer dizer – não se trata apenas de um mundo envolvente de criação poética que desaba sobre nós, na plateia, e nos leva para um lugar transcendental. Ao contrário: aqui a rotina miúda pode ser tocada por valores requintados e, assim, fazer com que cada um olhe de volta a vida sob a ótica da poética.

Complicado? Será? O mundo atual garante uma identidade diferente para o universo das artes, cada vez mais ligada à vida e ao cotidiano das pessoas. A arte já foi o lugar do inefável absoluto. Refém das engrenagens do tempo, a arte passou a dialogar com a esfera de produção industrial e a integrar as lides do mercado. A mecânica da sociedade industrial trouxe a possibilidade do lazer universal e o reconhecimento da necessidade diária da arte. Mas, ainda assim, um debate quente ainda envolve a própria definição de arte.

Para alguns, formas híbridas, populares ou pedestres não ganhariam a chance de reconhecimento – vistos hoje como espíritos reacionários, conservadores, eles defendem uma hierarquia das artes, nas quais o continente excluído é enorme, imensurável. A pergunta caminha por um terreno estreito – a partir de que conceito uma obra deixaria de ser ou não ser arte, seria arte menor ou seria grande arte?

A dança, filha natural do corpo, com os limites impostos por esta matéria tão objetiva, pode motivar grandes discussões, realidade comum a todas as formas de arte nas quais a presença e a corporeidade são o ponto central da expressão. Algumas vezes, se cogitou até mesmo propor uma hierarquia dentro da dança e do teatro. Ao lado de manifestações qualificáveis como “arte”, outras seriam apenas “expressões”, construções imediatas e singelas demais. Logicamente, dentro deste pensamento, as artes populares padecem o risco da maldição.

Se a dança e o teatro mal ou bem conseguiram se impor na escala das artes, nem que tenha sido graças a caronas tais como o texto ou a música, nem todos os artistas contaram com sorte semelhante. O caso mais curioso dentre todos parece ser o circo – lá várias modalidades de artistas usam os corpos em desafios reais, concretos, sob cálculos estéticos, para provocar efeitos imediatos. Isto seria arte? A única figura do circo devotada à representação, portanto, talvez, ao fato de arte, para o pensamento restritivo rigoroso inclinado à exclusão, seria o palhaço. Os demais, presos ao adestramento da realidade, lidariam apenas com formas técnicas de expressão. Quer dizer, não seriam artistas.

Porém, o mundo anda. O debate pode ganhar um tom inédito se considerarmos o trabalho A Louca das Frutas, da artista argentina Painé Santamaria, radicada no Brasil desde 2013. A partir de sua especialização em malabarismo e antipodismo na Escola Nacional de Circo de Rio de Janeiro, Painé tornou-se uma artista de perfil peculiar, pois a prática da palhaçaria foi combinada com habilidades técnicas diferenciadas, em especial o malabarismo e a dança. Profissional inquieta, ela participou da criação da Companhia de humor, música e malabarismo Las Martas (2014-2021), integra como musicista o bloco Cumbia Calavera, é multi-artista na Cia. feminina “Las Fanfarronas”, figura como palhaça na organização Palhaços sem Fronteiras Brasil e é co-produtora dos Varietes Ninguna Costilla, em São Paulo.

As suas apresentações, para crianças e adultos, como recomenda a rotina circense, acontecerão do dia 16 de julho ao dia 07 de agosto em diferentes pontos da cidade de São Paulo, com entrada franca. O espetáculo participa da 6° Edição do Programa Municipal de Fomento ao Circo para a Cidade de São Paulo, da Secretaria Municipal de Cultura.

A surpresa da cena nasce da aposta no inusitado – Painé Santamaria faz malabarismo com objetos não convencionais, tais como maçãs, abacaxis, melancias. Ao lado da demonstração técnica, o texto explora sob tom humorado as riquezas culturais da América Latina, com destaque para a música, os ritmos e a possibilidade de uma dança excêntrica.

A rigor, uma salada autêntica – aliás, um pouco o cálculo deste texto diante da multiplicidade de formas da arte no nosso tempo. A natureza da arte é a liberdade: por isto se pode muito bem convidar Shakespeare para namorar Tchaikovsky e o encontro resultar em corpos que dançam uma trama outrora apenas palavras, depois sons musicais, para concluir passeando por artes de circo.

Talvez o debate essencial não seja exatamente a respeito do que é a arte e do que a arte nos faz, se existe arte pura ou impura, se a arte precisa ser uma elevação transcendental capaz de nos retirar em transe do mundo. Querendo ou não, a arte impregna a nossa vida, constitui parte estruturante da nossa era. Não dá para escapar.

A arte não está além, ela está por toda a parte. Envolve o nosso olhar. Está nos desenhos, formas e cores cotidianos à nossa volta, nas roupas, na calçada, em todos os objetos. Está na atmosfera de sons e ruídos ao nosso redor. Está nos nossos gestos, na nossa fala. Tente por um instante viver sem qualquer resquício de arte: impossível.

Então o debate surge bem outro: importa saber o que nós fazemos da arte. Como tratamos os nossos artistas. Como retribuímos a poesia nossa de cada dia, que nos alimenta e nos informa as graças imprescindíveis para lidar com os sentidos podres da realidade. A pergunta não interessa apenas ao artista ou ao poeta. Não é o sonho do poeta.

Afinal, não poderemos ir adiante sem arte. Então, perguntamos, para que o nosso trajeto ao longo dos dias, o nosso percurso pela vida, realize esta condição que nos cerca: seja poético. Há um outro nome possível para este encontro entre a materialidade e o absoluto – amor. E quem, afinal, não gosta de viver em estado de amor?

ST -Tragédias (Romeu e Julieta/Othello)

FICHA TÉCNICA
Coreografia e concepção artística: Marcelo Misailidis
Codireção: Ana Botafogo

Romeu e Julieta (bailarinos):
Julieta: Mayara Magri
Romeu: Matthew Ball

Othello (bailarinos):
Othello: Edifranc Alves
Desdemona: Marcia Jaqueline
Iago: Marcio Jahú
Emília: Thais Danello
Brabancio: Joao Wlamir
Doge: Areias Herbert
Cássio: Cristian Aguilar
Rodrigo: Igor Arvelos
Bianca: Liana Vasconcelos
Ludovico: Rodolfo Saraiva
Guardas: Aloani Bastos, Ágatha Bull, Bárbara Várady, Jessica Lessa, Marcelle Gomes, Rafaella Brum
Standins: Thais de Carvalho e Anyel Aram
Iluminação: Paulo Cesar Medeiros
Figurino: João Paulo Bertini
Cenografia: Marcelo Misailidis
Assistente de direção: Aloani Bastos
Direção de produção: Rômulo Rodrigues
Produção executiva: Romero Monteiro
Visagismo: Domitila Ferreira
Criação do Lenço: Larissa Lessa – Lensoul
Cenotécnicos: Leandro Assis, João Lopes e Derô Martin
Equipe de palco: Manoel Puoci e Murilo Oliveira
Fotografias: Wagner Brum
Programação Visual e mídias sociais: Eliomar Bonavita
Marketing cultural: Gheu Tibério
Assistente de marketing cultural: Paula Rêgo
Assessoria de Imprensa: JSPontes Comunicação – João Pontes e Stella Stephany

Serviço:

Cidade das Artes Bibi Ferreira – Grande Sala

Av. das Américas, 5300 – Barra da Tijuca

Temporada: 15/07/22 a 17/07/22

Horários: Sexta e Sábado – 20h30
Domingo – 18h
Ingressos: A partir de R$ 20,00 (meia)

Duração: 80 Minutos

Classificação Etária: 12 Anos

A Louca das Frutas

FICHA TÉCNICA:

Intérprete, Ideia Original: Painé Santamaria

Direção Cênica, dramaturgia: Leticia Vetrano

Direção Musical: Claudia Rivera

Figurino: Alicia Arteaga – Macussa

Cenografia: Guilherme Gasparello e Painé Santamaria

Criação e Técnica de Iluminação: Bruna Isumavut

Técnica de som: Rebeca Montanha

Assessoria de Imprensa: Luciana Gandelini

Identidade Visual: Lucas Fontana

Registro Audiovisual: Vibrante Filmes

Trilha original:

Criação, piano e flauta: Claudia Rivera – Sax: Tetê Purezempla – Trompete: Gabriel Barbalho – Contrabaixo, edição de som e mixagem: Tomás de Oliveira – Percussão: Fernando Lima – Masterização: Florencia Saravia-Akamine

Produção Executiva: Gisele Tressi

Produtora: Danny Passos

Gestão Cultural: Belic Produções

Social media: Pokyra Kaiowá

SERVIÇO:

Duração: 45 minutos

Classificação Livre – Grátis

Temporada de Estreia: 16 de julho a 07 de agosto de 2022

Agenda completa:

Quando: 16 e 17 de julho de 2022

Horários: sábado às 16h e 19h / domingo às 16h e 18h

Teatro Flávio Império

Endereço: Rua Prof. Alves Pedroso, 600 – Cangaíba, Zona Leste de São Paulo – SP, 03721-010

Telefone: (11) 2621-2719

Quando: 21 de julho de 2022 (quinta-feira) – Horários: 20h

Onde: Centro Cultural Tendal da Lapa

Endereço: Rua Guaicurus, 1100 – Água Branca, São Paulo – SP, 05033-002 – Telefone: (11) 3862-1837

Quando: 31 de julho de 2022 (domingo)

Horários: 14h

Onde: Feira Kantuta

Endereço: Bairro do Brás – São Paulo – SP

Quando: 04 de agosto de 2022 (quinta-feira)

Horários: 13h30

Onde: Casa de Cultura Vila Guilherme – Casarão –

Endereço: Praça Oscár da Silva, 110 – Vila Guilherme, São Paulo – SP, 02067-070 – Telefone: (11) 2909-0065

Quando: 07 de agosto de 2022 (domingo) – Horários: 14h

Onde: Largo do Rosário – Bairro da Penha de França – São Paulo

Assessoria de Imprensa: Luciana Gandelini

Categories: Coluna de Segunda, Crônicas, Teatro

Tagged: A Louca das Frutas, Ana Botafogo, Cidade das Artes Bibi Ferreira, Escola Nacional de Circo, London Royal Opera House, Marcelo Misailidis, Matthew Ball, Mayara Magri, Painé Santamaria, Secretaria Municipal de Cultura de SP, Shakespeare, ST-Tragédias (Romeu e Julieta/Othelo), Tchaikovsky

COLUNA SEGUNDA DE TEATRO

Tania Brandão

Posted on 7 de fevereiro de 2022

Segredos do teatro: como se tornar imortal!

Repare bem, arregale os olhos, olhe bem ao seu redor. Tem gente que não morre. O corpo, esta coisa transitória, descartável, diz tchau, mas o sujeito, o cabide que mantinha o corpo em pé, não parte. Não, não se trata de história de assombração, Deus me livre. É, antes, história de iluminação.

Existem personalidades que são tão importantes para a vida, para a sociedade, que não há qualquer chance de que partam para outro plano, depois de cumprirem a temporada daqui. Talvez não sejam tão numerosas, pensando melhor o tema. Talvez a presença oscile conforme o perfil da figura – mais ou menos popular, digamos. Peço que considere alguns casos, na certeza de que a sua perspicácia descobrirá alguns nomes, alguns outros seres que nem de longe passaram por minha lembrança.

Penso, de saída, em Sócrates. Claro, ele anda de braços dados com o seu discípulo brilhante, Platão. Parece muito natural considerar que eles se foram, mas não partiram, deixaram a sua presença marcada a cinzel nas nossas ideias. Vale falar em cinzel, claro, pois era a ferramenta grega para esculpir o mármore: numa época em que não existiam livros, a filosofia era, mais do que tudo, verbo. Aqui e ali, virava mármore na obra de um ouvinte atento.

Outro nome forte para as ideias, que se recusou a sumir da sociedade humana, já na era em que começaram a surgir os livros: Descartes. A sua ousadia de afirmar o “Penso, logo existo” alcançou um sucesso tão notável que volta e meia vemos a ideia andando sozinha, sem ter nem mesmo a sombra da companhia do nome do autor… E isto sem falar na carnavalização da frase famosa.

Com certeza os exemplos da filosofia são fáceis de enumerar, em especial nos casos dos fantasmas mais ousados, os que se projetaram ao provocar revoluções no pensamento. E no teatro? É costume considerar que o teatro passa sem deixar marcas visíveis, palpáveis – como se o teatro fosse a brotoeja da sociedade.

No entanto, não é bem assim. Com certeza o teatro é uma forma de pensamento social, por isto é tão necessário e, sob diversas formas e aparências, existiu sempre. O garimpo, contudo, é bem mais trabalhoso… Por favor, façam as suas listas! Quem desceu do palco e ficou para sempre zanzando entre nós?

Talvez não seja muito fácil encontrar fantasmas diretos, objetivos, no caso do teatro, fantasmas com identidade e cpf, digamos. Sempre sinto espanto diante da popularidade evanescente dos atores. O tempo passa, ela se esvai.

Certa vez, fiz uma pesquisa sobre Oscarito – Oscar Lorenzo Jacinto de la Inmaculada Concepción Teresa Díaz (1906-1970). Perguntei aos porteiros da Avenida Atlântida, ao porteiro do prédio em que ele morou, entre eles, se podiam me dizer qual era o prédio do Oscarito… e foi difícil explicar a palavra “oscarito”, ninguém a entendia.

Então, honestamente, João Caetano que me perdoe, mas não sei de nenhum ator brasileiro que tenha virado fantasma social. Em compensação, temos Shakespeare – e para aqueles que acham que ele é uma lenda teatral, pois duvidam que ele tenha existido, deve soar estranho saber de sua sobrenatural popularidade, até mesmo aqui no Brasil. Com certeza os culpados da proeza são Romeu e Julieta.

Trata-se de uma fama indireta. A fama indireta do bardo, contudo, é mais sólida do que a fama de outro monumental ator-autor, o irresistível Jean Baptiste Poquelin (1622- 1673), um fantasma nascido há quatrocentos anos, digno de muito respeito.

Por aqui, contudo, a sua fama ecoa nos teatros graças a uma acontecência banal, cotidiana e prosaica: a adoção das famosas três pancadas de Molière, para sinalizar o início da representação. Ele inventou o recurso para tentar sossegar o público da época, um tanto inquieto. Virou uma convenção do teatro e nós aqui, frutos civilizados da cultura ocidental, a adotamos, ainda que não tenhamos tanto teatro quanto a dose recomendada na receita do Ocidente.

Sim, o ocidente – um lugar de cultura que nos persegue, pois há uma forte suspeita de que estejamos noutro lugar, mais distante e sombrio, saiba-se lá qual o nome das coordenadas geográficas capazes de definir estas nossas delicadas terras tropicais.

Há uma densa discussão política embutida na afirmação – aliás, ela está em todo este texto, com seu inventário de fantasmas, no fundo a busca de identificação de uma névoa imaterial impregnada na vida da sociedade, uma névoa que pode ser chamada de cultura.

Qual a cultura, o delicado véu imaterial de sensibilidade e invenção, que envolve uma sociedade na qual é corrente matar por espancamento, trucidar gays e mulheres, deixar crianças esmolar por comida nas ruas, fuzilar desafetos e rivais, roubar descaradamente dinheiros públicos fundamentais para combater a extrema miséria social…? E mais e mais e mais… A lista é de tirar o fôlego de qualquer fantasma, mesmo de um fantasma barítono.

O fato é que as criações dos artistas, os fatos de cultura, circulam, compõem o tecido de uma parte importante da vida social, uma vida que não vemos, mas vivemos. Por exemplo – quando contemplamos um quadro renascentista e vemos anjos e demônios voando ao redor das figuras, quando vemos esculturas religiosas do barroco brasileiro e temos revoadas de figuras angelicais ou diabólicas pairando no ar, de onde vêm esta invenção? Da mente do artista??

Ela vem do teatro. Sim, aquele teatro das praças e mercados, das carroças, das mansões. Aquele teatro onde os efeitos de anjos, diabos, nuvens, céus estrelados, bocas fumegantes do inferno eram frutos de engenhocas mecânicas, invenções fundamentais para atrair o olhar do povo. Máquinas de teatro. O impacto destas criações atravessou séculos: foi parar nas fantasias carnavalescas cariocas de rua, populares outrora, fantasias de diabo, morcego, caveira…

Portanto, pasmem: o teatro é imortal. Tem poder para sacudir a percepção das pessoas, chacoalhar valores, dinamitar certezas, difundir visões do mundo… o que mais? De certa forma, o teatro torna o ser humano imortal. Como se fosse uma máquina diabólica de Leonardo da Vinci, o teatro tem a capacidade de reinventar a experiência humana. Neste jogo profundo, talvez ele nem precise de pequenos fantasmas, pobres restos humanos, pois ele manipula o grande fantasma da vida.

Duvida? Pois entrou em cena em São Paulo, no SESC Pinheiros, um experimento teatral perfeito para o debate destas ideias – Leonardo da Vinci – a Obra Oculta, do autor italiano Michele Santeramo. Esta é a segunda parceria entre o autor e o ator Cacá Carvalho, que já encenou, em 2016, a sua versão de A Próxima Estação – Um espetáculo para ler.

O desenho do experimento se torna perceptível a partir do título do primeiro trabalho. Santaremo trabalha com o conceito de teatro mínimo, o teatro reduzido ao seu núcleo expressivo básico. Assim, a montagem se faz no palco nu, centrada na leitura, com intervenções acessórias de ilustrações, graças a imagens projetadas, e luz. A ênfase no texto e no dizer do ator deve funcionar como uma máquina de emancipação do espectador, convidado a deixar a imaginação fluir em estado de liberdade.

O centro da reflexão cênica é a obra oculta de Leonardo da Vinci, protagonista da ação, muito embora a peça não trate de acontecimentos reais. Uma suposição move o texto: ela gira ao redor do fato de que, depois de inventar tantas máquinas, o artista se voltaria para a pesquisa a respeito de uma máquina ideal, eficiente para mudar a realidade, evitar a morte. Nesta busca, surgem personagens reais e imaginados, concebidos para tentar dimensionar o que é o humano e questionar o sentido da vida.

Antes da estreia no palco, por causa da pandemia, este trabalho foi apresentado em formato de filme, gravado na Casa das Caldeiras, e esteve em cartaz em novembro de 2021, on-line, no YouTube. A versão foi indicada ao prêmio APCA de teatro.

Vale destacar: é notável a força das perguntas reunidas na proposta. Sob este ponto de vista, o retorno ao cartaz do trabalho no formato virtual seria uma conquista importante para a sua difusão mais ampla por todo o país. Afinal, a peça está centrada numa inquietação atual, contundente e oportuna, a pesquisa a respeito da força do teatro junto ao cidadão e na moldagem do pensamento social.

Sim, Leonardo da Vinci (1452-1616) é um dos maiores fantasmas da nossa sociedade – se não for o maior de todos, de todos os tempos. A sua genialidade nos surpreende e parece justo supor que ele possa ter inventado uma máquina para liquidar a morte; a máquina seria provavelmente a arte, ou o engenho de ser, de viver, em sintonia com a arte?

Então, elucubrações de lado, o melhor é ir ver a peça. Afinal, Cacá Carvalho é um dos maiores atores brasileiros, um gigante da cena, dono de uma capacidade inesgotável de criação. Temos o privilégio de sermos contemporâneos, não sabemos se ele será no futuro um ilustre fantasma.

Mas sabemos que, vivos, aqui e agora, podemos contar com ele para afinar a potência criativa de nossa sensibilidade, reinventar nossas almas, como se a morte não nos espreitasse para apagar nossas pegadas reais. Por um curto período de tempo, no teatro, entregues à arte dele, somos o que não somos: somos imortais.

Leonardo Da Vinci – A Obra Oculta

Ficha técnica

Com Cacá Carvalho

Texto Michele Santeramo

Ilustrações Cristina Gardumi

Direção no Brasil e espaço cênico: Márcio Medina

Assistente de Direção: Victor Mendes

Iluminação: Michele Bezerra

Operação técnica: Fabio Retti e Kenny Rogers

Designer: Danusa Carvalho

Colaboração Artística: Roberto Bacci

Assessoria de Imprensa: Canal Aberto | Marcia Marques

Produção no Brasil: Corpo Rastreado

Produção Executiva: Thaís Venitt

Realização Sesc

Agradecemos ao Centro per la Sperimenrazione e la Ricerca Teatrale della Fondaziine Teatro della Toscana – Teatro Nazionale, que produziu a versão italiana do espetáculo.

Foto: Cacá Carvalho por Maria Fanchin

Serviço

De 3 de fevereiro a 5 de março de 2022.

Quinta, sexta e sábado, às 20h.

*Nos dias 19 e 26 de fevereiro, excepcionalmente às 18h.

Ingressos: R$ 30 (inteira), R$ 15 (credencial plena/meia)

Local: Auditório (3º andar)

Duração: 70 minutos.

Classificação: 12 anos.

*Informações sobre venda de ingressos no site

Endereço: SESC PINHEIROS

Rua Paes Leme, 195, Pinheiros, São Paulo, SP

Bilheteria: Terça a sábado das 10h às 19h. Domingos e feriados das 10h às 18h. Tel.: 11 3095-9400.

Estacionamento com manobrista: Terça a sexta, das 7h às 20h; Sábado, domingo, feriado, das 10h às 18h.

Informações à imprensa: Canal Aberto Assessoria de Imprensa

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Categories: Coluna de Segunda, Teatro

Tagged: Cacá Carvalho, Michele Santeramo, Molière, Sesc Pinheiros, Shakespeare, teatro mínimo

COLUNA DE SEGUNDA

Tania Brandão

Posted on 31 de agosto de 2021

Amar, verbo impositivo!

Não adianta nem tentar fugir, nem pensar em escapar ou esquecer. Por mais que você corra, tente se esconder ou evaporar, um dia o amor chega e pega a sua alma. E então, flanando sobre a vida transformada em nuvens, você terá a paz ao redor.

Um poeta nosso já proclamou: qualquer maneira de amor vale a pena. Portanto, o amor é livre – tanto pode contemplar o amplo leque de opções humanas, como pode ser uma espécie de estado de amor, quer dizer, amar o mundo e tudo o que existe ao redor.

Ou amar o pensamento, assim como fez Giordano Bruno (1548-1600). Pode parecer espantoso, para este mundo acelerado de materialidade de hoje, alguém amar o pensamento e lutar por seu amor. Porém, garanto – trata-se de amor legítimo, verdadeiro e nada vai fazer o amoroso se afastar de sua bem querença.

Sim, o caso de Giordano Bruno diz tudo: inteligente, ele começou a pensar cedo, foi tomado de amores pelas ideias e… por elas morreu na fogueira! Sim, foi queimado vivo como herege, punição comum naqueles tempos para quem ousava se devotar à liberdade de pensamento e mergulhava nas loucuras deste estranho amor. Estranho?

Não, não há nada estranho nesta devoção exaltada a algo objetivo, capaz de doar sentido a uma vida. Basta jogar a lupa sobre um flamenguista ou um corintiano para que se perceba como o ser humano pode ser cooptado por dinâmicas amorosas peculiares. Nestes casos, times de futebol, ah, sim, bem esquisitas!

No caso do italiano, ao menos o amor incandescente inaugurou um caminho livre, irreversível, este mesmo em que estamos, no qual adquirimos o direito pleno de pensar. Os especialistas polemizam se Giordano Bruno foi queimado vivo por heresia ou por liberdade de pensamento, afinal práticas bem diferentes. Não importa. Seja como tenha sido, o seu ato foi inaugural, nos deixou de herança este amor prazeroso absoluto de que podemos usufruir, dedicado ao ato de pensar fora da caixa.

Vale, então, honrar a arte de amor do nosso patrono: percebermos o que amamos de verdade, enxergarmos claramente em que fogueira nos meteríamos em paz, para defender o nosso amor eterno amor.

Pois eu confesso sem pejo: amo o Cedoc/FUNARTE. Sim, tenho muitos amores, tive muitos amores, mas este amor aí me tira do sério. Por ele, entro na fogueira. Você conhece o cedoc?

Isto mesmo, bem assim, direto em minúsculas, na intimidade… Se a resposta for negativa, desculpe, trate de resolver rápido esta falha existencial imperdoável e vá até lá. Dá para ir on-line. Não se preocupe, não tenho ciúmes e, se você cair de amores também, entenderei.

Por que amar o cedoc? De saída, lá eu vejo que o Brasil é arte, muita arte. Vejo que a arte é a verdadeira alma do país, nem sempre percebida por seus filhos, aqui e ali acometidos de inexplicável ingratidão. Nas fotos, nos registros materiais das obras, nas partituras, nas palavras, nas gravações… em tudo ali, no imenso acervo, pulsa acelerado um país vocacionado para o belo.

O nosso namoro começou discreto, singelo, nas páginas de peças de teatro fundadoras de uma sensibilidade nacional. Sim, foi romance de biblioteca. Logo se ampliou para um casamento ardente com grupos e companhias de teatro, atores, atrizes, autores… vozes múltiplas de uma capacidade criativa impressionante. Que país, este nosso! Que povo potente! Quanta arte…

Tornei-me devota – muito mais dedicada do que qualquer torcedor fanático de qualquer time. Nada espantoso: pois asseguro que, se cada um fizer uma visita e passar os olhos pelos tesouros deslumbrantes por lá guardados, cairá enredado na mesma ciranda, para nunca mais se libertar.

O efeito de ouvir a grande estrela Araci Cortes (1904-1985), nos sucessos absolutos que ela criou nos anos 1920, tais como Carinhoso (Pixinguinha/João de Barro) ou Linda Flor (H. Vogeler, Luis Peixoto e Marques Porto), é único: transmuda a alma. Ela cantou de um jeito tal que o país se rendeu a estas canções e elas são cantadas por toda a parte até hoje.

Mas tem muito mais por lá – emoções sutis em altas voltagens. Dá para conhecer – ou reviver – os segredos da Praça Tiradentes, coração da cidade por muitas décadas, graças à arte de Walter Pinto. Isto sem falar no vasto material de teatro do nosso tempo aqui e agora. E circo, dança, ópera, artes plásticas…

Diante deste santuário da sensibilidade brasileira, o que se pode dizer? Quatro palavras apenas: visite, conheça, valorize, ame. Podemos compartilhar este amor, repito, não ficarei melindrada; sempre é bom saber o compasso do coração dos compatriotas, perceber que corre em todos os contemporâneos o mesmo amor à pátria. Na verdade, uma inclinação vertiginosa para o amor, patente na voz de Araci.

Amar é verbo coletivo, não? Afinal, na vida corrente, podemos ter amores outros, múltiplos, diversos – a civilização caminha para um estado de liberdade afetiva muito saudável. Fora dos arquivos e dos armários, a vida ferve e segue solta.

Um novo cartaz teatral, Gays, modos de amar, texto de Flávio Braga sob a direção de Gláucia Rodrigues, promete justamente diversão e divagação ao redor da instabilidade dos afetos. O foco, contudo, é o mundo gay. Com interpretação de Rafael Canedo, a cena surgirá como uma espécie de diário íntimo.

Ou como uma conversa confidencial com a plateia. O cálculo é o uso do humor para inventariar o cotidiano de amor, sexualidade, alegrias e tristezas de um intenso lugar afetivo até pouco tempo proibido, escondido. Todavia, o centro da proposta joga com a função do amor na vida de todos: equilíbrio ou desvario, sanidade ou loucura.

Mas, atenção: a reflexão sobre o amor, o encontro, a arte de olhar a vida acontece aqui de forma distante – a peça será vista no youtube. Parece curioso ter o foco tão fechado na esfera íntima, a partir de um suporte distante, digital.

Pois é. A situação denuncia a presença de uma outra forma de amor – o amor ao teatro – tão intensa que se tornou capaz de vencer o cerco da pandemia e domar a frieza das máquinas para acontecer.

Então, surpreenda-se, há muito mais em cena – este louco amor segue atiçando fogo nas ideias e permitiu a criação de um tipo de teatro novo. Trata-se de uma forma digital de teatro na qual palco e plateia se envolvem com bastante intensidade – é o teatro-jogo.

Criado em 2020 pela Armazém Companhia de Teatro, com a apresentação do delicioso Parece loucura mas há método, o ardiloso procedimento retorna em nova edição. Serão novas apresentações em tempo real na web, com novas personagens shakespearianas.

Agora, a versão Parece loucura mas há método – A dois, também sob a direção de Paulo de Moraes, retornará com a mesma proposição. A diversão determina que o desenvolvimento da trama dependa da escolha, pelo público, dos vencedores de cada batalha.

Os atores do elenco notável – Kelzy Ecard, Liliana de Castro, Charles Fricks, Patrícia Selonk, Simone Mazzer, Vilma Melo, Isabel Pacheco, Jopa Moraes, Ricardo Martins e Bruno Lourenço – travam batalhas cênicas ao vivo e cabe à plateia sair da contemplação passiva para decidir as etapas seguintes da ação.

A primeira versão provou que, sem dúvida, o teatro apaixona, pois mais de 7000 internautas do Brasil e do exterior se engajaram nas apresentações. E a presença do teatro acontece, entre outros motivos, graças à inspiração em Shakespeare: agora, estarão em cena quatro duplas de personagens shakespearianas, Cássio e Brutus, Tróilo e Cressida, Ângelo e Isabela, Hal e Falstaff, sob a condução de um Mestre de Cerimônias.

O amor dos atores à sua arte também estará sob prova, eles precisam estar completamente disponíveis, pois não têm papéis fixos. Um sorteio no início de cada apresentação distribuirá os papéis. Assim, a peça começa com 8 personagens e termina com dois; a cada dia acontecerá uma versão única.

Isolados em suas casas, os atores contracenam nas duplas sem a presença do outro e exploram sentimentos “a dois”, algo um tanto diferente da montagem anterior, centrada no perfil individual. Portanto, vale insistir, a chave de tudo é, basicamente, a existência de muito amor envolvido: toda a memória afetiva ao redor de Shakespeare estará na baila, toda a potência para criar e improvisar será ferramenta básica.

Sim, este é um momento de amor no mundo, não? Talvez nasça agora uma necessidade de repensar Giordano Bruno, o seu irresistível amor ao pensamento, o seu pandeísmo e as fogueiras da intolerância. Talvez as pestes aconteçam para isto, para refinar e apurar nossa capacidade de amar.

Chegou a hora de liberar os corações, demonstrar os sentimentos, bailar a favor do vento do encontro. Esta parece ser a ordem do dia. Então, amemos. E demonstremos nosso amor às nossas artes, à memória de nossa imensa capacidade nacional de criar. Criar é um profundo ato de amor. Amemos o cedoc. E que fique bem claro: o teatro é a grande arte dedicada ao exercício do amor. Do melhor amor. O amor à humanidade. Então, teatremos.

FOTO: Othelo, Shakespeare. Companhia Tonia-Celi-Autran, 1956, Teatro Dulcina; em destaque, Paulo Autran (black face), Tônia Carrero e Claudio Corrêa e Castro. Acervo CEDOC/FUNARTE. Fotógrafo não identificado.

AME O TEATRO:
DICAS PARA ACESSO – CEDOC-Funarte 1. Depoimento de Araci Cortes –
Sugestão: Carinhoso (samba‑choro de Pixinguinha e João de Barro)
http://portais.funarte.gov.br/brasilmemoriadasartes/acervo/discos-projeto-almirante/araci-cortes-1984/#

2. ACERVO WALTER PINTO:
https://youtu.be/wgpL_S-ycfI

Gays, modos de amar
SERVICO:
ESTREIA: dia 04 de setembro (sábado), às 19h
TEMPORADA GRATUITA
ONDE ASSISTIR: YouTube, canal GaysModosDeAmar ()

FICHA TECNICA:

Texto: Flávio Braga
Direção: Gláucia Rodrigues
Ator: Rafael Canedo
Cenário e Figurinos: Colmar Diniz
Música: Cayê Milfont
Ilustração: Aliedo Kammar
Iluminação: Rogério Wiltgen
Trilha Sonora: Wagner Campos
Programação visual: Sydney Michelette
Fotos: Guga Melgar
Edição: Marcelo Serpa e Ever Santos
Mídias Sociais: Luciano Rezende e Will Vaz
Direção de Produção: Edmundo Lippi
Realização: Rafael Canedo e Edmundo Lippi
Assessoria de Imprensa: JSPontes Comunicação – João Pontes e Stella Stephany

Parece loucura mas há método – A dois
SERVIÇO
Estreia no dia 4 de setembro de 2021.
Temporada: sábados e domingos, às 20h. Até 26 de setembro.
Ingressos pela sympla.com.br/armazemciadeteatro
O espetáculo é assistido online, pelo Zoom.
Valor do ingresso: O público escolhe o valor que desejar pagar, de R$ 10 a R$ 200.
Duração: 70 minutos
Classificação: 12 anos
Ney Motta, assessor de imprensa
contemporânea comunicação
FICHA TÉCNICA:
A partir de personagens da obra de William Shakespeare
Roteiro: Paulo de Moraes e Jopa Moraes
Direção: Paulo de Moraes
Elenco: Bruno Lourenço, Charles Fricks, Isabel Pacheco, Jopa Moraes, Kelzy Ecard, Liliana de Castro, Ricardo Martins, Patrícia Selonk, Simone Mazzer e Vilma Melo
Música: Ricco Viana
Design gráfico: Jopa Moraes
Colaboração artística: Carol Lobato
Assistente de produção: Malu Selonk
Produção: Armazém Companhia de Teatro
Assessoria de Imprensa: Ney Motta

Categories: Coluna de Segunda, Crônicas, Cultura, História do Rio, Teatro

Tagged: Araci Cortes, Armazém Companhia de Teatro, Carinhoso, CEDOC Funarte, Flávio Braga, Gays modos de amar, Giordano Bruno, Gláucia Rodrigues, Linda Flor, Parece Loucura mas há Método A Dois, Paulo de Moraes, Shakespeare, teatro-jogo

COLUNA: SEGUNDA DE TEATRO

Tania Brandão

Posted on 12 de dezembro de 2018

Sob a eterna benção do teatro

“Crise? Como assim? De teatro, de tudo? Ora, existe saída – não se angustie. A crise tem solução fácil, basta querer. A mais visível não é imediata, é de longo prazo. Mas, afinal, vale a solução. É bela. Importa identificar o caminho e juntar esforços, pois almas nobres estão reunidas batalhando a favor da mudança. Uma palavra resume o tema: educação.

Pois é, um grande eixo de força está em ação para acabar com a crise teatral. Quiçá mexer com a crise geral do país. O eixo tem enorme visibilidade aqui no Rio de Janeiro, ainda que pouco se fale nele. Mas começa a ter força por todo o país. Por todo o território existem histórias de sucesso, exemplos para seguir. Copiar, neste caso, soma a favor da mudança radical da estagnação e da decadência. Vamos ao exemplo aqui de casa: gente, ele é abismal, aterrador, tal a sua grandeza humana.É um caso de enorme desmedido, tipo o amor de Pedro e Inês. Lembra disto?

Ok, sejamos objetivos. Trata-se do ensino de teatro – ou de artes cênicas – na Rede Escolar. O Rio de Janeiro é revolucionário por ter implantado a atividade à frente de todo o país. A conquista carioca surgiu como parte (embora tardia) de um processo mundial de reconhecimento da importância do teatro para a formação cidadã. Por isto, assim, forçados pelo mundo e não apenas por influência do Rio, a prática ganhou o território brasileiro, como um rastilho de pólvora. Logo se tornará rotina importante da vida escolar. Quer dizer, esta condição já está em vigor aqui na cidade maravilhosa.

Falo da escola pública: a Rede Municipal do Rio de Janeiro possui uma estrutura escolar de perfil avançado, mais do que moderno. Nas escolas, existem aulas de teatro. Mas há um pouco mais. Em diferentes regiões escolares da cidade, existe um Núcleo de Arte, nove no total. Nele, após os estudos regulares diários em sua escola, no contra-turno, a criança pode ter aulas de artes à sua escolha – música, dança, artes plásticas, vídeo e animação e, claro, teatro.

Visitei sábado o sensacional Núcleo de Arte Prof. Albert Einstein, na Barra da Tijuca. E precisei disfarçar e recorrer àquela mulher férrea que às vezes mora dentro de mim para não chorar. Uma torrente cristalina de emoção varreu a minha alma. Disfarcei, fiz cara de contente e trouxe a emoção para estas palavras. Amigos, procurem conhecer o Núcleo de Arte do seu bairro ou aquele que está pertinho ou visitem o Albert Einstein. E contribuam com esta ideia.

Detalhe – contribuir aqui significa falar, disseminar o trabalho, comentar, divulgar. Espalhar a notícia na sociedade funciona como uma imensa dádiva. Várias empresas e instituições podem se engajar na proposta. Cada Núcleo de Arte apresenta um rol enorme de necessidades, muitas fáceis de sanar, para o grande capital ou a grande estrutura institucional. E o impacto não bate só nos contemplados.

Já no caminho aprendi que iria para uma escola diferenciada ao extremo. Ela fica no Novo Leblon, um lugar que pouco conheço, na Barra da Tijuca, um bairro em que sempre exercito a estranha arte de me perder – e não no sentido antigo, da minha adolescência, em que o areal deserto da Barra da Tijuca era, segundo as mães, um antro de perdição. Eu me perco mesmo, fácil, para desespero do GPS.

Pois bem, perdida, passei na porta de um clube de bombeiros – não posso explicar, não sei o que é isto, fiquei no espanto! – e pedi ajuda ao porteiro, um senhor já idoso, negro, bonachão, dono de um sorriso capaz de iluminar o universo. Pois quando ele ouviu o nome da escola, conseguiu ampliar ainda mais o imenso sorriso para exclamar: ah, a minha escola! Tem festa lá hoje? Dê um abraço apertado por mim no diretor…

A Escola Albert Einstein e o seu Núcleo de Arte são exatamente isto, lugares de humanidade absoluta, plena, uma atmosfera devotada à criação contagiante. O astral impressiona por sua positividade, são pessoas decididas, aquele tipo que acredita que vivemos num baile e que importa mesmo tirar a vida para dançar. E, no caso de faltar música, elas terão a música nos pés, no corpo, na alma. São pessoas alegres, iluminadas pelo próprio trabalho, gente que vive em sintonia com o seu ideal, fazendo tudo por ele. Quando mostram a escola ou o núcleo de arte ou descrevem o seu ofício ou relatam a trabalheira insana que enfrentam para manter tudo em forma, o olhar dessa gente brilha com fulgor. São estrelas guerreiras do trabalho. Nenhum obstáculo, diante delas, aparece como tal – se ele está ali, deve ser vencido.

E que gente é esta? Professores, claro. Professores de arte, professores de teatro. Os que me receberam foram os professores de teatro. Dentre eles, o perfil mais comum consiste naquele ator que, diante da profissão, percebeu a instabilidade radical da carreira e, para sobreviver, decidiu dar aulas. Mas, alto lá! – não se trata de gente mesquinha, frustrada, que fracassou na cena e foi dar aulas, nada disto. Alguns até têm carreira paralela no palco e na TV, outros decidiram se entregar de corpo e alma à magia que é formar gente com arte, mudar diretamente o mundo. São apaixonados. E apaixonantes. Na verdade, todos foram mordidos pela mosca-magister, um bicho contagioso, resistente a vacinas e sem remédio, capaz de virar a cabeça de todas as suas vítimas, para sempre entregues ao ofício de ensinar.

Estes atores-mestres logo perceberam, diante dos alunos e das escolas, que era necessário outra visão do ensino da arte, devotada ao trabalho com a expressão do ser humano, algo que não formará necessariamente um artista, mas dará plena potência, imensa dignidade à cada pessoa. Assim, se jogaram na batalha, inventando métodos, enfrentando imensas carências. A adesão ao fazer tornou o saber de cada professor algo muito vivo. A todo momento, as teorias se despem da distância e mergulham no cotidiano. Neste ritmo, o Núcleo de Arte se impõe como realidade viva, palpitante, uma usina de libertação da expressão humana.

A dinâmica seguida nestes espaços de arte obedece a uma estrutura muito ágil. Os alunos da Rede buscam o núcleo capaz de oferecer as habilitações em arte de sua preferência. A entrada e a saída são livres. Para os que chegam, existe o Módulo Básico, de alfabetização na arte escolhida. Para os que possuem alguma formação ou passaram pelo Básico, há o Módulo de Continuidade. E, afinal, há o Módulo de Montagem, uma oficina multidisciplinar em que diferentes professores se integram para que os processos criativos resultem num produto de arte.

A minha visita foi direcionada para ver o trabalho de montagem deste ano do Núcleo de Arte Prof Albert Einstein, o espetáculo O Amor de Pedro e Inês, texto de Rodrigo Rangel focado na história de D. Pedro e de Inês de Castro. No Albert Einstein, o professor Rodrigo Rangel conseguiu construir – ou adaptar – um gracioso teatro. O espaço singelo, equipado com refletores feitos de latas de tinta e muito material reaproveitado, logo se revela um lugar poético dominado pelos estudantes. Eles, ali, estão em casa. E felizes.

Seria bastante extenso descrever as qualidades impressionantes da montagem. Para aproximar os jovens estudantes de um tema árduo, com frequência tratado sob um português culto e até empolado, Rodrigo Rangel levou a trama para a realidade de tiroteio carioca. Em cena, um grupo de teatro escolar, de uma favela deflagrada, tenta ensaiar a história portuguesa, enquanto as balas chovem ao redor.

O aluno ator professor ensaiador volta e meia sai de cena, às voltas com o cotidiano fervilhante das escolas em áreas tensas, um meio para nos falar da realidade crua imediata. Enquanto isto, os alunos-elenco seguem ensaiando. E aí a ciranda da imaginação dá a melhor resposta aos tiros e aos seres truculentos. A peça acontece como construção humana pura, na mais impressionante garra de fazer.

Inventividade corporal, espacial, visual, musical, trabalho com vídeo, dança… A cena roda diante da plateia como um caleidoscópio de belas ideias, ideias aptas a inventar tudo – a pobreza de meios desagua numa imensa fortuna de imaginário. Caixotes compõem amuradas, torre, castelo. Pincel, brocha, vassoura viram bonecos-marionetes… Plástico preto surge como manto real. Capsulas de balas compõem a mão de um esqueleto precioso…

No caso do professor Rodrigo Rangel, não foi o primeiro texto nesta linha de trabalho. Em atividade no Município desde 1995, ele concebeu uma proposta genial para aproximar a fortuna cultural do ocidente de alunos da Rede que, com frequência, vivem distantes do universo mais denso do saber. O espírito empreendedor o levou a adaptar Cyrano de Bergerac, de Rostand, Medéia, de Eurípedes, Lisístrata, de Aristófanes, Sonho de uma Noite de Verão e Romeu e Julieta, de Shakespeare, A Aposta, de Tchekov.

Por conta da projeção conquistada, ele passou de uma escola da Rede para o Núcleo em 1999 e, no Núcleo, ganhou salas abandonadas para fazer o teatro. Mas não é só, o reconhecimento foi ainda mais longe – este ano, ele recebeu a Medalha Carioca de Educação, honraria concedida pela Prefeitura para as contribuições mais relevantes para a educação na cidade. A seleção é rigorosa, feita por uma comissão de especialistas. Foi a primeira vez que a láurea foi concedida a um professor de teatro.

E a hipótese de estarmos diante de uma crise sem precedentes no país fica esfumada diante da nobreza deste tipo de iniciativa. Quando o professor Rodrigo Rangel fala a respeito do seu trabalho, ele fala de arte em dois planos diferençados – o trabalho de ator, no qual sempre se destacou desde os bancos da Escola de Teatro da UNIRIO, e o trabalho do professor.

Ele comenta que cada arte traz a sua gratificação. Cada arte tem a sua engenhosidade. A solidão do ator no seu processo criativo implica na certeza de mover a sensibilidade do mundo em algum grau, ainda que ínfimo, exclusivamente a partir de si. A comunidade do processo de ensino da arte a escolares desencadeia a certeza não apenas de criar plateias e difundir a arte, mas de aflorar gente num sentido sensível novo ou renovado, como se o que é humano devesse tomar as rédeas do mundo. Diante deste oceano criativo de tamanha beleza, vamos dizer o quê? Obrigada, professor. E parabéns, por sua infinita grandeza de espírito.

NUCLEOS DE ARTE DA CIDADE DO RIO DE JANEIRO

Relação dos Núcleos de Arte

E/CRE Núcleo de Arte Endereço/Telefone(s)
1ª CRE NA Avenida dos Desfiles
nucleartdesf@rio.rj..gov.br
Rua Salvador de Sá, s/nº –Cidade Nova– Sambódromo –Setor 9
Tel. 2502- 5199

2ª CRE NA. Leblon
nucleartpfisterer@rio.rj.gov.br
Praça Nossa Auxiliadora, s/nº – Leblon Tel.. 2512-8666
NA Copacabana
ucleartguima@rio.rj.gov.br
Rua Toneleiros, 21 – Copacabana
Tel: 2236-0154

3ª CRE NA Nise da Silveira
Creo3artes@rio.rj.gov.br
Rua Ramiro Magalhães, 521 – Engenho de Dentro
Tel. 3276-7787 / 3111-7085

4ª CRE NA Grécia
nuclearte@rio.rj.gov.br
Avenida Brás de Pina, 1614 — Penha
Tel.: 3391-4682

5ª CRE NA Professor Souza da Silveira
nucleartsilveira@rio.rj.gov.br
Rua Amália, s/nº – Piedade
Tel.e Fax: 2597-2937

6ª CRE NA Grande Otelo
nuclearteotelo@rio.rj.gov.br
Rua Arnaldo Guinle s/n°- Coelho Neto Tel:

7ª CRE NA Silveira Sampaio
nucleartsilveira@rio.rj.gov.br
Rua José Perrota, 31 – Curicica – Jacarepaguá
Tel. e Fax: 2441-2550
NA. Albert Einstein
nuclearteae@rio.rj.gov.br
Rua Guimarães Rosa, 156 – Novo Leblon – Barra da Tijuca
Tel. e Fax: 2438-5144

9ª CRE NA Prof. João Fernandes Filho
ucleartdickens@rio.rj.gov.br
Rua Primeira Cruz, s/nº – Campo Grande
Tel. e Fax: 2415-2373

NÚMERO DE ALUNOS:
E/CRE Unidade de Extensão – Núcleo de Arte Nº Alunos
1ª Av. dos Desfiles 453
2ª Copacabana 608
Leblon 951
3ª Nise Da Silveira 347
4ª Grécia 773
5ª Prof. Souza da Silveira 467
6ª Grande Otelo *
7ª Silveira Sampaio 757
Albert Einstein 519
9ª Prof. Joaõ Fernandes Filho 511
Total 5.386
OBS: N A grande Otelo, criado em 2008, sito à Rua Arnaldo Guinle, s/nº – Coelho Neto (E/6ªCRE), em processo de implantação.
(Informações copiadas do site da SME/RJ)

FICHA TÉCNICA:
O Amor de Pedro e Inês
Texto, Direção e Músicas: Rodrigo Rangel
Direção de Movimentos e Vídeo: Diego Braga
Cenário e Adereços: Da Penha
Figurinos e Adereços: Carol Bianchi
Produção: Núcleo de Arte Prof. Albert Einstein – Prefeitura do Rio de Janeiro
Elenco:
Personagens/ Atores:
Professor Chico Caseira – Gabriel Magalhães
Rafael/Pedro – Renan Tavares
Léo/ Lobato – Matheus Linhares
Márcia/ Inês de Castro – Vitória Silveira
Bia- Adrielly Santos
Daniel/ aluno operador – Rayan Pretinho
Luana/ Constança – Mandy
aluna muda – Leilla Soares
Sara – Sarah Menezes

Categories: Crônicas, Cultura, Teatro, Textos sobre teatro

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COLUNA: SEGUNDA DE TEATRO

Tania Brandão

Posted on 28 de agosto de 2018

Chuva de ideias, torrente de livros

As ideias despencam dos céus sobre as nossas cabeças. Portanto, qualquer um pode ser atingido. A pessoa está distraída, olhando para ontem, vendo passarinho verde e, de súbito, uma ideia tomba com violência sobre o seu indefeso ser. Neste raciocínio, uma constatação: as ideias são de todos e de ninguém. Andam soltas pelo ar.

Com certeza, este não é o direito autoral do nosso tempo, zeloso por cifras, propriedades e autorias. Mas, ressalte-se, nem sempre foi assim e provavelmente esta situação explica bastante todas as controvérsias a respeito de certos escritores, como Shakespeare. São muitos os que perguntam se notáveis autores passados foram com certeza autores dos textos que lhes são atribuídos. Alguns vão até mais longe: ousam sustentar, a respeito de certas figuras, que elas não existiram – Shakespeare inclusive. Seriam, como os textos, pura ficção. O autor verdadeiro estaria perdido nas dobras do tempo, apagado para sempre, como se fosse um anônimo escultor de um ateliê medieval.

Compreende-se: mal existiam os livros e os leitores. A sociedade pensava, mas era analfabeta.Nem sombra de empresas arrecadadoras de direitos autorais! Já no século XVIII, avançado nas ideias, povoado por florescentes bibliotecas, fiquei atônita ao descobrir que Bocage (1765-1805) teve à sua cabeceira na hora da morte o infeliz padre José Agostinho de Macedo (1761-1831). Apesar da batina, ele seria bem capaz de roubar ou destruir versos e escritos do grande poeta. O padre foi uma figura aterradora em matéria de transgressão.

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Categories: Crônicas, Cultura, Teatro

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Crítica: Romeu e Julieta

Tania Brandão

Posted on 28 de março de 2018

Você e todo o amor deste mundo

Faz tempo, numa terra devastada por guerras, um jovem poeta inspirado buscou conceber uma poção para acabar com as dores do mundo. Conseguiu um resultado fascinante, exemplar, tão exemplar que persiste pulsando à disposição de todos os seres de boa vontade desejosos de mergulhar no lado iluminado da vida. O poeta, era William Shakespeare (1564-1616), a poção, Romeu e Julieta (1595?).

E agora, nós, varridos por guerras e ódios, desgovernados em meio ao náufragio do país, recebemos este presente do teatro, um bálsamo para acalmar tantas dores, mostrar um outro caminho de delicadeza neste momento de turbulência total. Aproveite, está bem aqui, no Rio, no Teatro Riachuelo. E a montagem, gente, é uma espiral ensandecida de beleza e de arte, para sair do teatro levitando, dançando na rua. Imperdível. Corra para ver.

Sob a direção inspirada de Guilherme Leme Garcia, você verá em cena uma montagem esplendorosa do texto clássico. A poção mágica descoberta pelo poeta – o amor, sim Romeu e Julieta é sinônimo de amor – está presente por todo o espaço, do saguão do teatro ao mais afastado recanto do palco. Uma trama inefável de beleza e de elevação estética passa por toda parte.

Para expor este jogo doce do amor, de bem querer e de se entregar, se anular, Guilherme Leme Garcia concebeu um espetáculo dotado de uma rígida convenção estética, absolutamente teatral – é só o puro amor ao teatro, sempre, nada de realismo, naturalismo, romantismo ou melodrama. Talvez se possa dizer que a direção de cena adotou um simbolismo pictórico, em que os humores, as formas, os desenhos e as cores seguem um código explícito, sempre estético, como numa pintura, voltado para falar de opostos, do eterno e do efêmero, do grande e do pequeno, do poder e do deserdado, do amor e do ódio.

A escolha é fiel à chave mais profunda do texto, feito de jogos de opostos, oxímoros. Trata-se de uma fórmula renascentista de explicação do mundo, dual. Segundo este pensamento, para traduzir o ímpeto vertiginoso do amor, devastador e inaugural, seria essencial vê-lo diante da força oposta, o ódio, também uma força devastadora, mas de destruição. O convite era muito oportuno, um sucesso, numa terra desolada diante das guerras de religião, promovidas por seitas irredutíveis, tão opostas como os Capuleto e os Montecchio, seitas que não ambicionavam apenas dominar as almas comuns, mas o trono inglês.

Opostos simétricos, amor e ódio são meios de cegueira do ser, formas de não ver – no amor, se tem apenas a bela visão, no ódio, apenas a visão do horror. Portanto, a bela visualidade da cena é a mais perfeita defesa do ato de amar. Como no amor, a cena nos arrasta e nos faz vagar assim, em sonho teatral, frágeis pedaços quentes de ser à deriva do mundo, o imenso e frio mundo lá de fora. Como o efeito de uma canção doce de Marisa Monte.

A opção surge já na cena de abertura, lírica, quando Romeu canta o seu amor sozinho sob o luar – no caso, o amor por Rosalina – e a praça de lutas, de rinhas permanentes, aparece povoada por jovens fervendo por sangue. Amor e ódio se apresentam loquazes nos corpos. Ao fundo, os volumes da cenografia falam de poderes objetivos, opressivos, formas cristalizadas da política na sociedade, que precisam do ódio, em algum momento, para governar.

A lição remota explorada em cena, sob um tom sutil, é de Gordon Craig (1872-1966): a verticalidade dos volumes em oposição à pequenice humana. Esta inspiração rege a cenografia majestosa de Daniela Thomas, uma criação genial – ela incorporou a ideia e transfigurou-a em torres simples, potentes, móveis e praticáveis, de uma textura entre o medievo e a renascença exposta na dureza da pedra varrida por alguma cor do tempo.

As cores da montagem, aliás, formam um espetáculo à parte, são um convite ao romance, remontam à história da pintura e à história do figurino. O seu impacto se torna maior graças aos preciosos efeitos de luz, de Monique Gardenberg e Adriana Ortiz, em diálogo criativo intenso com a direção, a concepção e a cenografia. Em alguns momentos chaves, o tratamento do espaço, a composição dos volumes, o jogo das luzes e o telão colorido criam um efeito plástico de extremo vigor, a cena se torna um quadro plástico de arrebatadora representação teatral.

Sim, é uma cena teatral total e o diálogo se estende aos figurinos, claro. Afinado com a chave de leitura proposta pela direção, João Pimenta concebeu roupas sem época, mas sempre eloquentes para identificar climas e situações, eficientes para expor personalidades fortes, bem definidas na sua função dramática. Desenham, também, uma corte rica, uma opulência interiorana, em que reina a ostentação e o bem comum não é um valor cotidiano. Para frisar o conflito central, os coloridos dos figurinos das duas famílias se opõem. As roupas do baile, com leves insinuações de absurdo, são eficientes retratos de uma sociedade engessada pela hierarquia e pelo desejo voraz de aparecer.

Mas não é só – a grandeza da encenação se faz com muitos outros ingredientes. Há o jogo de corpo, um fluxo intenso de representação, dramático e musical, mas despojado, ainda que fiel ao propósito de ser simbólico e poético, de Toni Rodrigues. Há a limpeza das lutas, sempre elegantes e convincentes, obra de Renato Rocha. Há o visagismo requintado de Fernando Torquatto. E há, afinal, a música.

Esta versão do famoso romance é um musical na plena acepção do têrmo, estruturado ao redor do repertório de Marisa Monte. O verbo estruturar é intencional: com texto adaptado e roteiro musical de Gustavo Gasparani e Eduardo Rieche, autores experientes no gênero, foi feita uma escolha de músicas em função do rendilhado dramático, marcado, este, por uma tensão moderna, seca, mais objetiva e menos narrativa.

Quer dizer – mesmo quando as canções não registram ações efetivas, objetivas, são apenas declarações de sentimento ou exposições de estados da alma, elas aparecem tratadas sob o conceito de ação dramática. Assim, o fluxo da ação não esmorece, a música faz a peça caminhar, ativa a sensibilidade e a emoção do público, sempre em sintonia direta com a trama, abordada de maneira ágil.

O resultado é deslumbrante – é fundamental reconhecer. A direção musical de Apollo Nove e a direção vocal de Jules Vandystadt conseguiram traçar um desenho sonoro envolvente, um conjunto de sensações sentimentais que, além de arrebatar a plateia, é um hábil propulsor do jogo de cena. As vozes surgem em solos cristalinos, são apoiadas por soluções corais vibrantes, tecem climas, dialogam com a excelente orquestração. Vale destacar: a formação do conjunto musical garante momentos sentimentais intensos graças à sonoridade especial proporcionada pela harpa e pelo rico naipe de cordas.

É preciso, contudo, dizer algo mais, frisar que este é um espetáculo histórico, uma encenação espetacular de exceção. Trata-se de uma montagem obrigatória, para ir ver e rever. Além do olhar teatral plástico e poético de Guilherme Leme Garcia, a atriz Vera Holtz assina a ficha técnica como colaboradora artística, indício de que o projeto foi dominado pelo cálculo estético mais intenso que se possa imaginar, atendeu a um conceito teatral em que a cena é um olhar de arte, criação de fluxo de beleza solto no espaço, situação à qual os atores aderiram.

Várias cenas, em consequência, se projetam como momentos de teatralidade pungente, arrasadora mesmo, vertigem estética de emoção. Vão fazer parte da história do teatro brasileiro como momentos de criação absoluta, teatro total. Integram esta lista, no mínimo, a cena do balcão, com a arrebatadora chuva de rosas brancas, a cena do casamento, com a celebração celestial dos freis, a cena da despedida da noite de amor, com o vestido vertigem de luz, a cena do mausoléu e a cena final, da reconciliação, canto geral de amor de toda a companhia – ou de Verona, digamos.

Uma outra conquista da encenação é o equilíbrio do elenco, a afinação da equipe de atores. Uma sensação preciosa de amor ao teatro irradia do palco para a plateia, vale insistir. Há uma doação sincera dos intérpretes, a sala é inundada por um sentimento de crença profunda nos valores humanos mais nobres. Comentar os desempenhos é uma longa tarefa, é impossível focalizar todos os trabalhos. No entanto, muito do que é oferecido em cena é de uma qualidade tão exemplar que algum registro precisa ser feito.

Bárbara Sut é uma Julieta decidida e diáfana, garrida e inquieta, capaz de se lançar ao amor com ímpeto juvenil, sem medo, seguindo um impulso cego digno da jovem herdeira mimada. Prisioneira do amor, ela se entrega e se expõe sem reservas. Canta com segurança e beleza, domina a cena com naturalidade: a sua força cênica é tão desmedida que ela transforma a canção Amor I Love you, polêmica e discutível para muitos, em momento irresistível.

Thiago Machado é um Romeu boêmio, impulsivo, aventureiro, sonhador, coração aberto para o mundo, de porte altivo e destreza nobre, aura elegante, sedutor até nas canções, ingênuo na medida certa. Afirma-se de saída como galã romântico na canção de abertura, expõe com sinceridade o desespero do amor interdito e recebeu de presente a excelente versão de Ainda Bem.

Ícaro Silva estrutura Mercuccio sob tons transgressivos fortes, verdadeiro negro gato, com extrema plástica corporal. E encanta por sua malícia nas contracenas, por alguns toques certeiros de humor rasgado, além de se destacar em pequenas intervenções no canto.

Stella Maria Rodrigues é um fenômeno de empatia avassalador. Intérprete intensa, revela toda a sua excelência de atriz na Ama, jogando com o perfil materno e brincalhão da serviçal, explorando a malícia da criadagem, exalando a mais objetiva sentimentalidade popular. O gestual, as expressões, as intenções trabalhadas nas falas fazem com que ela acione mais um estágio sentimental da plateia, a forma de amor expressa por aquele que cuida do outro. Ao lado do Frei Lourenço de Claudio Galvan, a atriz participa de um dos números musicais arrebatadores da noite, o dueto O Que Você Quer Saber de Verdade. A dupla é irresistível.

No Cântico Gregoriano, na antológica cena do casamento, Claudio Galvan demonstra a intensidade de sua presença cênica e a beleza de sua voz. Na condução do desastre do caso de amor, ele é um perfeito conselheiro trágico, combina a boa intenção com o involuntário e o patético.

Kacau Gomes, na Senhora Capuleto, é o retrato da frivolidade, a expressão correta da mulher dominada e sem poder, objeto decorativo. Marcello Escorel, em contraponto, materializa no Senhor Capuleto a força massacrante do chefe de família autoritário, impõe o perfil do líder inflexível de facção política radical.

Pedro Caetano sugere para Teobaldo uma dimensão hierática prepotente, Bruno Narchi compõe Benvólio em sintonia com o o seu caráter conciliador. Nas cenas de conjunto e nos solos, os outros quinze atores que completam a ficha técnica se destacam pela devoção ao teatro e por um profissionalismo extremo, aquele necessário para definir a palavra elenco.

Enfim, o espetáculo é encerrado com uma cena painel de extrema beleza, de conciliação e celebração do amor, em lugar da longa cena trágico-dramática de relato dos fatos aos pais litigantes, da versão textual original. A morte por amor une as famílias inimigas e dilui o ódio em Verona, restabelece, na dor, o equilíbrio da vida na cidade: o amor cumpriu o seu ciclo de criação.

Afinal, a lição da peça, surpreendente como a poção de um mago iluminado, reza que o amor prevalece, o amor é sempre a razão da existência, é o segredo sublime do ser. Um ódio tão sólido, tão grande, só poderia gerar o amor mais delirante e absoluto, caminho para a pacificação.

Vale reconhecer, por fim, que não somos renascentistas, não acreditamos mais nestes jogos de opostos para explicar a vida, nossa vã filosofia seguiu outros caminhos, mas a beleza desta construção poética teatral é bem oportuna – sem dúvida, é deste clima que estamos precisando. Portanto, não perca de jeito nenhum, aproveite, tome um banho de amor, faça a sua alma cintilar sob uma nova humana luz. Você merece todo o amor deste mundo.

Ficha Técnica

Autor: William Shakespeare
Músicas: Marisa Monte
Concepção e Direção: Guilherme Leme Garcia
Adaptação e roteiro musical: Gustavo Gasparani e Eduardo Rieche
Colaboração Artística: Vera Holtz
Direção Musical: Apollo Nove
Direção Vocal: Jules Vandystadt
Coreografia: Toni Rodrigues
Lutas: Renato Rocha
Cenário: Daniela Thomas
Figurino: João Pimenta
Visagismo: Fernando Torquatto
Desenho de luz: Monique Gardenberg e Adriana Ortiz
Desenho de som: Carlos Esteves
Desenho gráficol:Victor Hugo
Produção de elenco: Marcela Altberg
Elenco: Bárbara Sut (Julieta), Thiago Machado (Romeu), Ícaro Silva (Mercuccio), Stella Maria Rodrigues (Ama), Claudio Galvan (Frei), Marcello Escorel (Sr. Capuleto), Kacau Gomes (Sra. Capuleto), Bruno Narchi (Benvoglio), Pedro Caetano (Teobaldo), Diego Luri, Kadu Veiga, Max Grácio, Neusa Romano, Franco Kuster, Gabriel Vicente, Laura Carolinah, Luci Salutes, Saulo Segreto, Thiago Lemmos, Vitor Moresco, Gabi Porto, Santiago Villalba, Daniel Haidar e Natália Glanz.
Músicos: Maestrina: Claudia Elizeu, Teclado: Gabriel Gravina, Violões e Bandolim: André Barros, Violino e Viola: Arthur Pontes, Cello Acústico: Fábio Meg, Percussão Orquestral: Gabriel Guenther, Harpa: Gelton Galvão.
Fotos: Felipe Panfili
Produção: Leme produções Artísticas e Aventura Entretenimento
Patrocínio: Circuito Cultural Bradesco Seguros

Serviço:
ROMEU & JULIETA
Local: Teatro Riachuelo Rio – Rua do Passeio, 40 – Cinelândia – Rio de Janeiro/RJ
Temporada: 9 de março a 27 de maio
Horários: sextas (20h), sábados (20h) e domingos (18h)
Vendas: www.ingressorapido.com.br
Preços (valores de entrada inteira):
SEXTA 20h
Plateia VIP – R$ 140,00
Plateia – R$ 120,00
Balcão Nobre – R$ 100,00
Balcão – R$ 50,00
SÁBADO 20h e DOMINGO 18h
Plateia VIP – R$ 160,00
Plateia – R$ 140,00
Balcão Nobre – R$ 120,00
Balcão – R$ 50,00
Capacidade: 1000
Duração: 2h
Classificação etária: Livre
*Cliente com cartão Pré-Pago do MetrôRio tem 50% de desconto na compra de ingressos
Informações para a imprensa
MNiemeyer Assessoria de Comunicação

Categories: Críticas, Teatro

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COLUNA: SEGUNDA DE TEATRO

Tania Brandão

Posted on 13 de março de 2018

Teatro: veneno e remédio

Volta e meia o assunto aparece: o que se faz com uma peça ruim? A rigor, não há nada a fazer, apenas ver e tentar entender o que aconteceu. Como nasce uma peça ruim? Ninguém assina um fracasso por querer. Acontece. E detalhe importante: nem sempre uma peça é ruim para todo o público.

Já vi peças detestáveis que o público adorava, urrava de satisfação – exalava o sublime prazer de ser enganado sem arte – e eu não morri por ter estado por lá, no meio da plateia. Sobrevivi sempre e fiquei exercitando os neurônios para tentar entender o desastre, a sua função na linha de trabalho daquele artista. Há sempre uma lógica da arte ao redor das oscilações da arte.

Gosto muito de lembrar uma entrevista que fiz com o ator Sergio Britto (1923- 2011), em que ele se declarou contra o teatro na escola – no seu entender, o teatrinho escolar de papel crepom só poderia gerar pessoas de sensibilidade deformada, incapazes de entender a arte. O resultado seria afastar o público do teatro.

No entanto, conheci uma faxineira cujo maior encanto de toda a vida foi ter tido a chance de fazer teatro de papel crepom na escola primária, na Baixada Fluminense – por causa da experiência, ela adorava teatro e sempre que podia e o bolso deixava, ela ia ver as peças em cartaz. Não era uma especialista, enquanto convivi com ela nunca deixou de ser uma espectadora singela, mas ela dizia que sempre saía do teatro com a alma leve. Qualquer teatro, vale frisar – mesmo peças que, para especialistas, emanavam o mais puro tédio – faziam a sua felicidade.

Portanto, vale concluir a favor da boa intenção eterna do artista, da constituição humana positiva da arte. Quando alguém sobe num tablado, por mais sem noção que o exibido possa ser, ele acredita sinceramente ter algo importante, significativo mesmo, para passar adiante. Busca, então, transmitir esta sua descoberta, a sua produção, algo em que investiu energia e tempo.

O artista sabe dos seus riscos. No fundo da alma, teme ser um enganador desclassificado, um blefe. Mas mergulha, confia, não sabe fazer outra coisa. Existe a possibilidade, contudo, de uma hesitação, um vácuo, um vazio, um equívoco. E pronto – a obra não consegue mobilizar o outro, o espectador. Recebe uma avalanche de vaia, coisa rara hoje. Ou esvanece sob pura indiferença. Ou mobiliza um segmento reduzido. Mas, não importa: a obra está ali e sempre estará acionando um fluxo de energia e de comunicação viva, certamente o elo que incendiava a minha amiga faxineira.

Sergio Britto também tinha horror ao artista medíocre. Mas, convenhamos, ele existe, tem a sua função e o seu público. O modesto artista suburbano tem todo o direito à sua arte. Nem todo artista é genial, é Rimbaud, cada um faz o melhor que pode e, afinal, o verso do momento do grande poeta pode ser ruim. No meio de uma obra de excelência, um dia aparece o cascalho bruto, o verso torto, menor. Talvez uma procissão de pequenos artistas seja necessária para o nascimento de um ídolo.

Mas não é só isto. É mais. Instável, a natureza da arte. O próprio da trajetória da arte, de toda a grande arte, é ser acidentada. É impossível fazer uma obra prima todo o dia, só conceber grandes obras, perfeitas, por mais genial que o artista seja, por mais que disponha de condições ideais de inspiração e de produção.

A criação é um processo, atinge um grau mais elaborado em certo momento, mas passa por etapas de formulação mais problemáticas, menos nítidas, com menor clareza de concepção. Ter difusão da arte na sociedade e escola, educação para todos, impulsionam o refinamento da expressão coletiva. O teatro de escola é direito do cidadão, dever do Estado e oxigênio para a arte.

Na verdade, tudo pode ficar bem desfavorável para o artista, tudo pode ser bem mais difícil. Numa sociedade de escolaridade nebulosa, a expressão coletiva tende a ser turva. Num cenário teatral rarefeito, instável, com instabilidade de produção, como conseguir uma voltagem produtiva elevada, propícia ao fluxo criativo mais requintado, refinado? No caso do teatro, que não é obra solitária de atelier ou de escrivaninha e depende de condições materiais objetivas de produção, uma arena de arte hostil, como a brasileira, é um enorme obstáculo para o trabalho do artista.

Ainda assim, temos grandes artistas – temos artistas guerreiros capazes de sobreviver e produzir sob condições de trabalho detestáveis. No entanto, há um preço, temos sempre uma instabilidade grande de produção. Temos um contingente razoável de peças com resolução obscura. As obras fracassadas – as pecas ruins, digamos – se tornam bem mais dolorosas, pois não se permite, para o artista de teatro brasileiro, o horizonte de hesitação natural na produção de arte.

O artista teatral brasileiro tem que acertar sempre – o que é uma total impossibilidade. As peças aqui, boas ou ruins, têm pouco público, não podem viver em liberdade o seu fluxo de concepção e criação, vivem pouco tempo. O teatro brasileiro é um cemitério, cheio de fantasmas e de obras vítimas de morte prematura. O teatro é acidental, em lugar de ser um diálogo estético vivo da sociedade. Pouca gente frequenta o teatro para vivenciar a linguagem específica da encenação. Neste contexto, o teatro é outra coisa do que aquilo que ele é: é passatempo, é desfile de celebridades, é fru-fru social, é modinha, é caça-níquel, é passarela de vaidades, é lavanderia. Difícil, então, definir com objetividade o que seria uma peça ruim.

Neste jogo insano, dois fatores precisam ser muito valorizados: os prêmios, a escolha dos melhores de cada ano, e a grande produção, com oferta de condições de trabalho estáveis. São dois eixos de importância para o equilíbrio do mercado – devem favorecer a qualidade, a obra de artesanato sofisticado, estimular o burilado da arte.

A reflexão importa esta semana por conta de dois grandes acontecimentos – o primeiro, a cerimônia de entrega do Prêmio Shell de Teatro, exatamente a comemoração festiva de trinta anos do prêmio, uma noite de gala no Golden Room do Copacabana Palace. A lista de indicados, abaixo, reúne vários segmentos da arte, com ligeira tendência à valorização da pesquisa de linguagem e do vanguardismo. O Prêmio Shell se tornou um prêmio inquieto, preocupado com o experimentalismo e um tanto distante dos grandes nomes-monumentos da arte, apesar de ser concedido por uma gigante do mercado petrolífero.

O segundo acontecimento é, no mesmo dia, a estreia de Romeu e Julieta, de Shakespeare, em versão musical, grande produção da Aventura, cartaz do belo Teatro Riachuelo. A ficha técnica do espetáculo conta com profissionais do mais alto padrão e a expectativa é de que o Rio terá uma peça para celebrar a alma da cidade.

Além do grande volume de capital investido, nomes preciosos povoam a ficha técnica. A direção geral coube a Guilherme Leme Garcia, a preparação do elenco ficou sob a responsabilidade da atriz Vera Holtz. O cenário traz a excelência de Daniela Thomas. E vai por aí.

A montagem é de importância estratégica para a cena teatral atual por esta condição de grande produção de qualidade. E por trazer à baila, mais uma vez, um debate histórico importante. Assinada por Gustavo Gasparani e Eduardo Rieche, também responsáveis pela adaptação do texto original, a trilha sonora revela um nome novo para o teatro – Marisa Monte.

Assim como, no início do século XX, a música popular e o teatro estiveram casados e unidos na cena carioca, para deleite do público, o casamento desfeito volta a acontecer aqui. A música abandonou o teatro, fez carreira solo de imenso sucesso, fugiu para o radio, o cinema, o disco e o show. A volta é uma virada histórica memorável.

O caminho foi o segredo irresistível de Otelo da Mangueira, de Gasparani. Fora da linha do musical biográfico, que transpõe para a cena em música a vida de astros da MPB, este formato ousa buscar o andamento dramático de textos consagrados em canções de sucesso do nosso tempo. A ideia é maravilhosa, os artistas envolvidos exemplares e a chance de fazer a cidade cantar teatro é total. Ou seja, está em cena muito do que se precisa para ter peças excelentes, favoráveis à pujança do teatro. Em uma palavra: imperdível.

Foto: Felipe Panfili

Lista dos indicados da 30ª edição do Prêmio Shell de Teatro do Rio de Janeiro:

Autor
Marcia Zanelatto por “Ela”
Walter Daguerre por “Josephine Baker, a Vênus Negra”
Braulio Tavares por “Suassuna – O Auto do Reino do Sol”
Pedro Kosovski por “Tripas”

Direção
Eric Lenate por “Love Love Love”
Rodrigo Portella por “Tom na Fazenda”
Luiz Carlos Vasconcelos por “Suassuna – O Auto do Reino do Sol”
Paulo de Moraes por “Hamlet”

Ator
Armando Babaioff por “Tom na Fazenda”
Gustavo Vaz por “Tom na Fazenda”
Adrén Alves por “Suassuna – O Auto do Reino do Sol”
Ricardo Kosovski por “Tripas”

Atriz
Aline Deluna por “Josephine Baker, a Vênus Negra”
Yara de Novaes por “Love Love Love”
Guida Vianna por “Agosto”
Juliane Bodini por “Dançando no Escuro”
Letícia Isnard por “Agosto”

Cenário
Aurora dos Campos por “Tom na Fazenda”
Mina Quental por “Mata teu pai”
Carla Berri e Paulo de Moraes por “Hamlet”
Sérgio Marimba por “Suassuna – O Auto do Reino do Sol”

Figurino
Beth Filipecki por “Ivanov”
Marcelo Marques por “Josephine Baker, a Vênus Negra”
Kika Lopes e Heloisa Stockler por “Suassuna – O Auto do Reino do Sol”
Marcelo Olinto por “Zeca Pagodinho – Uma História de Amor ao Samba”

Iluminação
Aurélio de Simoni por “Ubu Rei”
Nadja Naira e Ana Luzia de Simoni por “Mata teu pai”
Maneco Quinderé por “Hamlet”
Paulo Cesar Medeiros por “O Jornal”

Música
Marcello H. por “Tom na Fazenda”
Ricco Viana por “Janis”
Chico César, Beto Lemos e Alfredo Del Penho por “Suassuna – O Auto do Reino do Sol”
Marcelo Alonso Neves por “Dançando no Escuro”

Inovação
“Que legado” pela ocupação cultural que propõe o diálogo entre profissionais de atuações e geografias diversas no Rio de Janeiro.
“Escola Spectaculu” pelo contínuo trabalho de formação e inserção de jovens profissionais na área técnica das artes cênicas.
Espetáculo “Tripas” pela forma de realização entre a universidade, através dos programas de pós-graduação, e a produção teatral.

Homenagem
Hélio Eichbauer por seu trabalho ao longo de mais de 50 anos de renovação da cenografia brasileira.

Categories: Crônicas, Cultura, Teatro

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COLUNA: SEGUNDA DE TEATRO

Tania Brandão

Posted on 7 de fevereiro de 2018

Salve, Carnaval – Salve, Teatro!

Se você pensa que o Carnaval significa “adeus, teatro”, você está muito enganado – o caldeirão de Dioniso ferve sem parar, mesmo sob a folia nossa de todo ano. Mas, veja lá, a fervura brota de múltiplos ingredientes, surge de várias direções.

Sabemos que o nosso palco não tem mais uma programação carnavalesca ou de Semana Santa, como antigamente. Nem bailes carnavalescos. Ainda que a maioria das peças tenha recesso, tem muita faina teatral ao seu dispor, para que você não se esqueça da danada da arte e não desapareça da vida da cena. Ou para que o teatro não saia da sua vida. A estante de livros segue próspera, não falta o que ler. E a oferta de cursos, oficinas, leituras é tanta que você corre o risco de ficar tonto, mesmo se deixar as garrafas cheias.

Sim, muita água vai rolar. Além das peças estreadas este ano, de saída você pode comprar ingressos para peças muito cotadas que estão de volta ao cartaz. Uma lista breve inclui uma diversidade de títulos admirável, atestado da vitalidade do teatro carioca. As novidades vão de Grande Sertão: Veredas, a volta de Bia Lessa à direção, ao espetáculo Eri Pinta Johnson Borda dedicado à arte tradicional do ator performer brasileiro.

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Categories: Carnaval, Críticas, Crônicas, Teatro

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Hamlet

Tania Brandão

Posted on 5 de julho de 2017

A cavaleiro do tempo

Otempo é senhor dos homens, máquina de engolir gente. O teatro, a arte viva dos homens, é a nossa arma – ele revida, luta para ser o senhor do tempo. Mas o artifício acaba por ser luta perdida, apenas uma lição aprendida, mergulho na humanidade.

A afirmação, ácida, é a matriz do melhor teatro. Pois então, comemore: ela rege, cristalina, a cena deste Hamlet sublime, cartaz no Teatro I do CCBB. Anote: é comovente, imperdível, arrebatador. Um dos melhores trabalhos do ano, se não for o melhor.

Em cena, Shakespeare e a Armazém Companhia de Teatro proclamam em uníssono a incerteza fundamental de que somos feitos: escravos do jogo do tempo, vontade de poder e de mando irrealizável, inação pura ditada por amarras mesquinhas. Trata-se de uma montagem histórica para o teatro nacional.

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Categories: Críticas

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Ricardo III: o poder sublime da poesia

Tania Brandão

Posted on 29 de janeiro de 2014

Um joão faz tudo sacode a cena e faz o povo levitar, sair da sintonia miúda cotidiana e viajar por mundos imaginários construídos por palavras. Não, quem está em cena não é o bardo inglês, mas sim, alguém como ele, um ator poeta, que nos lança livres na atmosfera de invenção mais deliberada, aquela que só o teatro, entre todas as artes, pode ousar. O seu nome, Gustavo Gasparani. A montagem, cartaz do Espaço SESC em Copacabana, é um dos melhores programas da cena carioca do momento: não deixe de ver, por nenhum motivo.

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Categories: Críticas

Tagged: Espaço Sesc Copacabana, Gustavo Gasparani, Sergio Módena, Shakespeare, Teatro

Folias Teatrais

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COLUNA SEGUNDA DE TEATRO

Tania Brandão

Posted on 11 de julho de 2022

COLUNA SEGUNDA DE TEATRO

Tania Brandão

Posted on 7 de fevereiro de 2022

COLUNA DE SEGUNDA

Tania Brandão

Posted on 31 de agosto de 2021

COLUNA: SEGUNDA DE TEATRO

Tania Brandão

Posted on 12 de dezembro de 2018

Sob a eterna benção do teatro

COLUNA: SEGUNDA DE TEATRO

Tania Brandão

Posted on 28 de agosto de 2018

Chuva de ideias, torrente de livros

Crítica: Romeu e Julieta

Tania Brandão

Posted on 28 de março de 2018

Você e todo o amor deste mundo

COLUNA: SEGUNDA DE TEATRO

Tania Brandão

Posted on 13 de março de 2018

Teatro: veneno e remédio

COLUNA: SEGUNDA DE TEATRO

Tania Brandão

Posted on 7 de fevereiro de 2018

Salve, Carnaval – Salve, Teatro!

Hamlet

Tania Brandão

Posted on 5 de julho de 2017

A cavaleiro do tempo

Ricardo III: o poder sublime da poesia

Tania Brandão

Posted on 29 de janeiro de 2014