Archive for

Um oratório para chamar de seu?

Não hesite. Responda rápido, sem pensar. Existe um recanto na sua vida que se tornou para sempre o abrigo sereno do seu coração? Ah, é o teatro? Natural, se você conhece esta deslumbrante maravilha da civilização. Ela não está entre as sete maravilhas de qualquer tempo: simplesmente, ela é uma maravilha eterna.

E qual é o seu recanto mágico? Um autor, um palco, um elenco? A alquimia inusitada de uma atriz? Um topos qualquer, digamos – capaz de emanar uma energia eletrizante na sua direção e, assim, recuperar o seu ânimo vital ?

Falo de um lugar sagrado. Veja bem, não é religioso. Mas é um lugar impregnado por uma força restauradora absoluta, capaz de virar a alma pelo avesso, desatar os nós do cérebro, derreter os núcleos mais densos das crises emocionais. Vamos falar claro: trata-se de uma espécie de excriptonita, criptonita ao contrário. Talvez uma humanita, para inventar um nome dotado de uma sonoridade bem adequada.

Você vai até lá em farrapos, tão estraçalhado quanto um molambo velho, superhomem derrotado, disfarçando como pode a sua coleção interior de caquinhos. Finge uma altivez escassa nestes tempos vadios. Circula por entre estranhos, alguns tão ansiosos como você, todos secretamente absortos na esperança da salvação.

Logo você encontra o seu lugar, se acomoda, dispensa a bala e a pipoca, respira fundo, abençoa as luzes que se apagam. E a vertigem redentora vem. Vem e tudo o mais é nada: você se apagou, flutuou no ar, voou para um espaço emocional de pura invenção. Vamos lá, reconheça: é lindo.

Quando tudo acaba, o seu ser volta a si sob as luzes indiscretas da sala. Resta aplaudir, para agradecer a aventura tão emocionante, e sair para a noite escura, à procura das suas ideias mais claras a respeito desta caminhada tão particular, tão nossa, a possibilidade de renovação interior radical, diante de um mundo hostil de coisas, mercadorias, mesquinharias e vilanias tantas.

Sim, desconfie do teatrismo – uma crença enferrujada nascida no século XIX que teimava (e teima) em aproximar a elevação oferecida pela arte ao mecanismo de alienação vigente na linha de produção capitalista, nas cirandas mentais de submissão social e política ou nos rituais religiosos de bloqueio do pensamento. O teatrismo é filho do artismo, uma forma estúpida de desqualificação da arte que infelizmente ficou robusta dentro do marxismo. Sinto muito, camaradas, mas arte, mesmo a arte comercial, não é alienação. Nem ideologia. Arte é outra coisa, um espaço vago entre a sensação e o pensamento.

Outrora, diziam – Deus salve o rei. Claro, não tinham teatro ao alcance de todos, o palco era um prazer eventual e irregular. As companhias, compostas por seres mal vistos e até amaldiçoados, eram como ciganos, errantes, nômades da ordem urbana. O teatro ainda não podia proteger a espécie. Agora, devemos dizer – Deus salve o teatro.

Pois é lá que encontramos abrigo para restaurar nossa humanidade e respirar poesia – no teatro, mais do que em qualquer outra arte, mais até do que na música ou na dança, nos perdemos de nós numa profunda imersão poética. Diante da cena teatral, não temos trégua: não podemos tamborilar com os dedos, pensar compassos, cantar refrãos, rebolar o corpo, medir harmonias, avaliar passos e piruetas. Nos contam uma história e a tal história nos suga para o seu interior de forma total. Por isto os teatros didáticos e épicos correm muitas vezes o risco de virar uma suprema chatice. Ali, no escuro, adoramos mesmo é o fato de sermos abraçados, lançados no espaço sideral mais sideral de todos, o espaço arquitetado pela poética.

Não tenho vergonha de confessar: o meu recanto, epicentro de todo o meu encanto secreto maior, é Tchekhov (1860-1904). Diante dele, a minha alma serena, se aquieta e se recompõe, encontra o seu ponto de equilíbrio, como se uma estranha poção mágica ancestral infalível banhasse o meu ser.

De certa forma, os textos de Tchekhov me levam para o lugar do indizível – aquele encanto paralisador, mudo, que estrutura as almas apaixonadas. O autor me transporta, deixo de ser potência expressiva, capacidade de escrita, me transformo em pura levitação. Parece que aquele tal truque de camarim, o preferido de Madame Morineau, o pseudo elogio diante de uma peça ruim, vira, comigo, realidade: não tenho palavras para dizer o que vai pelo meu ser.

Claro, você que lê estas confissões tão delicadas e profundas me entende. Tenho a certeza cristalina de que algo semelhante lhe acontece, em especial se existe, da sua parte, uma identidade com o teatro. Há no seu interior também um delirante lugar de amor, filho do teatro, fundamental para a rotina da sua pessoa.

Na verdade, também sofro deste arrebatamento diante do Teatro Municipal. Viceja ali dentro, enraizada nas suas paredes, madeiras, veludos, mármores, cristais e demais artefatos multicoloridos, uma força teatral enlouquecedora, ainda que o Teatro pouco programe teatro. Porém, eu confesso. Se a tal força soa amplificada por uma orquestra – numa ópera, opereta ou teatro musical – a minha alma precisa lutar desesperadamente contra o impulso de rezar sem ficar ajoelhada, quer dizer, vivenciar o momento de arte numa atitude capaz de provocar um espanto monumental nos colegas de plateia.

E quando por lá acontece simplesmente um grande teatro, ah, o efeito é devastador. Uma prova? Eu vi A Gaivota, de Tchekov, direção de Jorge Lavelli, em 1974, no Teatro Municipal. O elenco contava com a deusa poeta Teresa Rachel, infelizmente pouco celebrada, na sua grandeza extrema, pela posteridade. Uma atriz magistral. Mas o meu arrebatamento maior se deu, ali na pureza dos meus vinte anos, através da emoção singela, quase virginal, límpida como uma emanação na véspera do pecado, irradiada pela força inebriante de Renata Sorrah. A sua Nina é uma das minhas lembranças teatrais mais gratas, se não for a maior de todas. A atriz estava em estado de graça e nos levava junto para os céus.

Pois então – Tchekhov é isto, um convite esmerado para ser interrogação humana apaixonada diante da possibilidade dos maiores sonhos. A Gaivota, este delicado pássaro, hábil para ligar o infinito mar e a ampla terra, talvez simbolize a enorme potência dos nossos sonhos diante do desafio que é viver.

Pensam que o novelo acabou? Estão bem enganados, pois agora temos uma gaivota em cena, mais uma vez, uma gaivota renovada, vestida com as roupas da nossa época, portanto uma gaivota plural. A escolha é natural, pois a peça russa é um texto obrigatório, incontornável, deveria ser leitura compulsória em todas as escolas do mundo e cartilha iniciática de todas as mulheres da terra.

Para atestar a sua permanência, ele nos honra com mais uma visita, agora pelas mãos do excepcional autor (ou leitor?) Matéi Visniec. Sim, o romeno assinou uma bela homenagem ao russo. E uma leitura de seu texto Nina ou da fragilidade das gaivotas empalhadas vai estrear no próximo dia 30 de junho, no Teatro Poeirinha, sob um novo nome: Gaivotas.

Gaivotas, Bibiana Rozembaum, foto Nando Chagas.

Trata-se de um projeto da atriz e produtora Bibiana Rozenbaum e do diretor Fernando Philbert, com o objetivo de homenagear os 125 anos da primeira encenação da peça de Tchekhov.

Na sua visita ao original consagrado, o autor romeno mudou um dos pontos vitais da ação: Konstantin sobrevive ao próprio furor, fracassa na sua tentativa de suicídio. Para expandir o olhar acerca das relações humanas e das contradições dos sujeitos, o texto de Visniec reúne Nina, Konstantin e Boris quinze anos depois da situação de desfecho da peça de Tchekhov.

Em Gaivotas, no entanto, os idealizadores do projeto caminharam um pouco adiante, rompendo algo da moldura temporal, pois acrescentaram à trama um texto de Domingos Oliveira e um trecho de uma entrevista de Visniec cujo tema é a democracia. A peça esteve em cartaz online durante a pandemia e agora será apresentada ao vivo. Ao lado da atriz produtora, integram o elenco Sávio Moll e Antonio Gonzalez.

Gaivotas, Sávio Moll, foto da Nando Chagas.

Nos seus enfrentamentos, além de olhar os caminhos do passado, eles lidam com três temas caros para a definição dos indivíduos no nosso tempo: a revolução, as perguntas a respeito da própria identidade e da vocação, ou o elo sutil que associa o ser e a sociedade.

Não sei se teremos em cena um oratório arrebatador, comparável ao texto original de Tchekhov, uma peça capaz de simbolizar radicalmente o embate entre sonho e materialidade, poesia e vulgaridade, amor e desprezo, devoção e indiferença, delicadeza e brutalidade… Enfim, uma lista impossível. Afinal, como sintetizar em palavras a grandeza do indizível?

Tenho, no entanto, a certeza clara de que esta montagem irá reavivar nas suas plateias a percepção de que existe um valor maior ao nosso alcance que precisa ser cultivado com afinco. É o amor ao teatro.

Apesar de suas eventuais desventuras no presente, sua aparente redução de alcance, parece evidente que o teatro é a religião do nosso tempo. Uma religião social, presidida por um deus pagão bastante difuso, o amor. Uma religião dedicada ao culto do mais elevado humanismo: o abrigo ideal para o cultivo do ser. Então, não hesite, vá ver – quem sabe você encontra por lá um abrigo-de-alma para chamar de seu?

Sergio Britto e Teresa Rachel, A Gaivota, 1974.

Montagem Histórica

A Gaivota, de Anton Tchekhov – 1974

Produção – Sergio Britto e Tereza Rachel
Direção: Jorge Lavelli
Iluminação: Jorginho de Carvalho
Elenco:

Teresa Rachel, Sergio Britto, Renata Sorrah, Carlos Augusto Strazzer, Cecil Thiré, Monah Delacy, Luís de Lima, Helio Ary, Renne de Vielmond e David Pinheiro.

Figurinos e cenografia: Cláudio Segóvia.

Iluminação : Jorginho de Carvalho

Sonoplastia : Enzo Miglietta e Plinio S. Barreto.

Fotos Programa : R. Sasso

Assistentes de direção : Hector Grillo

Execução dos figurinos : João Jorge Trintah

Contra- regra: Edgar dos Santos

Cabelos : Luis de Lima.

Teatro: Municipal do Rio de Janeiro, cuja área de representação foi radicalmente transformada para a criação de um espaço intimista. Temporada a seguir no Teatro Teresa Rachel.

Fotos: Acervo Sergio Britto, CEDOC – Funarte.

GAIVOTAS

Ficha técnica

Adaptação da obra de Matéi Visniec

Direção e adaptação – Fernando Philbert

Com Bibiana Rozenbaum, Sávio Moll e Antonio Gonzalez

Direção de movimento – Marina Salomon

Direção musical – Marcelo Alonso Neves

Iluminação – Vilmar Olos

Cenário – Natália Lana

Figurino – Marieta Spada

Visagismo – Mayco Soares

Cenotécnico – André Salles

Comunicação visual – Barbara Lana

Assessoria de imprensa – Alessandra Costa

Direção de produção – Júnior Godim e Bibiana Rozenbaum

Idealização – Bibiana Rozenbaum e Fernando Philbert

Fotos: divulgação.

Serviço

Temporada de 30 de junho a 28 de agosto

Local: Teatro Poeirinha

Endereço: Rua São João Batista 104, Botafogo

Sessões: de quinta a sábado, às 21h; e às 19h, aos domingos

Ingressos: R$ 50 (inteira) e R$ 25 (meia)

Indicação etária: 14 anos

Categories: Coluna de Segunda, Crônicas, Teatro

Tagged: A Gaivota, a religião do teatro, Gaivotas, Matéi Visniec, Renata Sorrah, Sergio Britto, Tchekhov, Teatro Municipal, Teatro Poeirinha, Teresa Rachel

COLUNA SEGUNDA DE TEATRO

Tania Brandão

Posted on 20 de junho de 2022

Dramaturgia, quem é você?

A pergunta, por aqui, não sai de cena. Do século XIX até hoje, temos um palco que busca alucinado entender o que é o autor ou dramaturgo, aquele tipo de ser que escreve peças.

Sim, há um debate bem complicado neste meio de campo, mais enrolado do que jogo de time em revolta contra o técnico. O primeiro problema é a definição em si de “autoria” – afinal, desde Foucault até Roger Chartier os estudos literários enfrentam a pergunta espinhosa: o que é um autor?

No teatro, no mínimo desde o renascimento, quer dizer, desde os primeiros tempos modernos, a letra e a cena enveredaram por um namoro tórrido. Quer dizer, se falarmos na commedia dell’arte ou em Shakespeare ou em Molière ou em Goldoni, para ficarmos com uma lista vip eletrizante, a promiscuidade entre tablado e papel precisa ser o ponto de partida para qualquer estudo. Ou não entenderemos nada.

Curiosamente, foi neste período que teria sido definida, nas palavras de Foucault, a “função autor”, no seu entendimento uma construção social cara à dinâmica do capitalismo. No caso do teatro, contudo, a visão do tema convida à polissemia, pois, ainda que se tenha consagrado a prática de atribuir aos textos uma assinatura e um recolhimento de direito autoral, o palco foi e é um lugar de contágio.

Quer dizer – na rotina teatral corrente, parece muito difícil pretender a existência de autores puros, intocados. Mesmo quando um autor escreve trancado no seu gabinete, com os olhos virados para si, a sua mente irá vagar pelas cenas do seu tempo e, o mais contaminante dos recipientes, as suas ideias flertarão com o temperamento dos atores em atividade.

Até mesmo na obra dos autores de gaveta, aqueles nunca encenados, autores encerrados nas suas folhas de papel, alguma coisa do palco do tempo ao redor transpira, nem que sejam singelas referências temáticas ou anedóticas. De alguma forma, desejar escrever para o teatro já trai uma conexão com a cena.

Um tanto mais além, importa observar que, no caso do teatro, existe a condenação dialógica, digamos: quem escreve dramaturgia mantém um diálogo permanente com a realidade ao redor. E nela irá colher tipos, sentimentos, ideias, situações, conflitos. Neste sentido, constatamos sempre que a maioria dos textos de teatro de uma época determinada “envelhece”, não consegue extrair do diálogo com os contemporâneos tiradas capazes de apaixonar os herdeiros teatrais do futuro. Sob um certo ponto de vista, o teatro é um cemitério de letras.

Quando reconhecemos que a autoria dos textos teatrais acontece neste lugar em trânsito e revela um ser datado, preso a uma época exata, mas que, às vezes, tem fôlego para vencer o tempo e os limites da aldeia, constatamos a absoluta necessidade de estudar dramaturgia. Alguns autores se tornam senhores do tempo e conquistam o direito de dialogar com o mundo.

De certa forma, a dramaturgia é a voz do seu tempo, materializa intensamente o que se passa nas falas sociais. Nos estudos teatrais, os estudos de história da dramaturgia desvelam as nossas formas históricas de ser e, neste caso, sob este ponto de vista, os velhos autores nunca se revelam como poetas ultrapassados. Suas páginas trazem uma luz a respeito de nós.

Por isto soa tão absurda a realidade brasileira de educação e de cultura: não temos o hábito do estudo da dramaturgia, mesmo nas escolas de teatro. Em muitas turmas de artes cênicas, um delicado convite para estudar Gil Vicente ou Antônio José da Silva pode se transformar num embate um tanto surdo, como se a proposta contivesse um quê de violência contra criaturas indefesas de uma era nova, liberta e feliz. Qual a razão para mergulhar em tais velharias?, é o brado revoltado de muitas das vítimas indefesas.

Talvez esta altiva indiferença diante do autoconhecimento explique bastante a brutal violência que estrutura a sociedade brasileira. Se não temos o costume de contemplar nossa imagem mais profunda e perguntarmos abertamente sobre a penúria de humanidade que nos habita desde sempre, não podemos construir caminhos para ultrapassar este abismo. Gil Vicente sequer contava com palcos para se apresentar, pouco sabemos a seu respeito, Antônio José morreu na fogueira da Inquisição.

Portanto, é espantoso o quão pouco conhecemos de nossa dramaturgia. Recentemente, passeando os olhos por jornais do século XIX, constatei a presença de inúmeros dramaturgos desconhecidos. Não fiz uma pesquisa extensa, mas deparei com fatos fortes o suficiente para desejar que conquistemos um espaço de pesquisa bem mais amplo do que o que nos cerca hoje. Qual o detalhe mais arrasador desta trama?

Vários textos citados nos anúncios dos jornais, nas listas das peças em cartaz, simplesmente não existem mais, não foram preservados em nenhum dos grandes centros de documentação e bibliografia. Jamais voltarão a ser lidos. Vários autores celebrados de alguma forma nos diários são nossos absolutos desconhecidos.

Sim, houve uma febre teatral no século XIX brasileiro. Tomados por ela, juristas, advogados, médicos, literatos de outras praias, personalidades várias do mundo social desposaram as letras de palco. Talvez contassem com elas para contabilizar uma fortuna de reconhecimento. Bem, não deu certo, eles desapareceram da memória do país e das estantes.

Um caso me prendeu a atenção bastante tempo – um texto de José Ricardo Pires de Almeida (1847-1927), de 1862, Os Mártires da Liberdade ou A Conjuração de Tiradentes. Sim, ele é nome de rua em Laranjeiras, mas pouco se sabe a seu respeito. Nunca imaginei que pudesse existir tal peça no auge do império, época na qual Tiradentes não era herói.

Bom, é mais fácil ser nome de rua. Tentei muito achar a peça, sem sucesso; se alguém tiver uma cópia, desejo muito lê-la. Um detalhe curioso, um bom motivo para uma pesquisa detalhada a respeito do autor: segundo Galante de Sousa, ele abandonou os estudos de direito para ser médico, escreveu obras muito curiosas em medicina. E tem uma história da educação no Brasil que pretendo ler, quando encontrar um exemplar fora da loucura de preços que anda grassando na estante virtual.

Assim como os seus colegas de século letrados e intelectualizados, Pires de Almeida na certa pretendia reformar o país. O que será que ele pensava a respeito da escravidão? No inventário de Sousa, constam mais de vinte peças, cerca da metade publicadas; há uma peça O Mulato e uma peça O Tráfico, dramas, ao que parece não editadas. Poucas são as notícias de encenação.

Um outro belo estudo, importante para o teatro, seria dimensionar a interlocução entre os textos teatrais, o contágio de ideias entre os autores. Os grandes intelectuais da época e vários estudiosos falam dos males causados pelos gêneros ligeiros – no entanto, quando se olha o panorama das obras dos anos 1840-1860, constata-se a escassez de dramas, a raridade total de tragédias e a profusão de comédias, um fluxo contínuo de riso cuja essência ainda não conhecemos.

Não é que não exista na cena brasileira o hábito do estudo de dramaturgia. O fato é que, em geral, lidamos com a dramaturgia de uma forma imediatista, instrumental, estritamente voltada para a sua vida de palco. Claro, é importante, esta precisa ser uma rotina permanente de formação. Mas, ao seu lado, seria muito inteligente contarmos com a visão das aventuras letradas do passado…

Na atualidade, os estudos exaustivos de dramaturgia costumam acontecer com mais frequência em São Paulo. O CPT SESC, por exemplo, está anunciando para os meses de julho e agosto uma residência artística voltada para artistas da cena que tenham interesse no teatro épico-dialético. A iniciativa acontecerá em parceria com o diretor Sérgio de Carvalho e a Companhia do Latão, profissionais profundamente conhecedores desta linha de trabalho.

O ponto de partida do estudo será o texto A Compra do Latão, de Bertolt Brecht, original responsável pelo nome do grupo. Portanto, está embutida na proposta uma preocupação forte com a dramaturgia, a partir de uma visão do teatro ancorada profundamente na poética das palavras. Mas, por ser uma investigação cênica de ordem prática, na verdade, a residência vai explorar três caminhos complementares – atuação, dramaturgia e música.

Para participar, os candidatos devem fazer uma pré-inscrição, de 21 a 28 de junho, no site www.sescsp.org.br/cpt – um formulário on-line conduzirá o processo; mais detalhes a respeito dos procedimentos previstos para a seleção podem ser vistos no site. Apesar da necessidade de escolha de uma das três áreas, os trabalhos serão realizados num grupo único, em sintonia com a ideia de coletivo, cara a esta modalidade de teatro. A partir do dia 05 de julho será divulgada a lista dos inscritos.

Sem dúvida, vale sonhar: nunca o teatro brasileiro precisou tanto dos nossos sonhos como agora. Além deste tipo de oficina dinâmica dedicada à formação, um formato de estudo com extrema adequação ao nosso tempo, em que a dramaturgia aparece na prática, inspirada pela teoria, e em que se explora a melhor carpintaria para a cena, precisamos de História.

Seria importante ampliar os nossos conhecimentos a respeito do passado, entender mais profundamente a avalanche de teatro que percorreu o século XIX, desembocou no início do século XX e em boa parte se perdeu. Este teatro navegou apenas na superfície da sociedade e, hoje, este nosso palco de cada dia com plateia tão escassa é seu filho?

Suponho que as universidades e os cursos de teatro deviam contribuir trazendo estes textos voláteis para a cena, em encontros de estudos e leituras, para inscrever na História objetiva da sociedade estes exemplares de um tempo em que se lutava a favor das palavras e contra a força da encenação.

As opções são tão inúmeras quanto os autores perdidos. Existe um texto adorável que seria oportuno apresentar aos estudantes das escolas – A Canção Dentro do Pão, de Raimundo Magalhães Jr.. A peça funcionaria bem para apresentar a plateias jovens o Teatro Raimundo Magalhães Jr., da Academia Brasileira de Letras – para ficarmos apenas num exemplo.

Na enorme lista de peças de Pires de Almeida, destacam-se títulos ligados aos costumes sociais e dedicados à palavra liberdade. Alguns temas históricos revelam escolhas surpreendentes. Então, vale destacar um dado curioso. Ao lado de uma figura dotada de tintas tão eruditas, a passagem do tempo também varreu para longe das memórias coletivas a verve do ator Vasques (1839-1892), um ser de teatro notável por escrever cenas e peças, inventar músicas, dialogar diretamente com o seu público, talvez envolvido, sem saber, num teatro épico avant la lettre…

Pois é. Entre tantos tons variados, por vezes extremos, perambula o teatro brasileiro: para nós, definir dramaturgia com certeza pode ser um belo convite. Um convite para encontrar este nosso desconhecido íntimo chamado teatro.

Fotos: Cenas do espetáculo O mundo está cheio de nós; Cia do Latão, crédito: João Maria

Serviço 

Residência de Teatro Épico-Dialético: atuação, dramaturgia e música
com Sérgio de Carvalho e Cia. do Latão

12/7 a 18/8, terças, quartas e quintas, das 14h às 17h 

Público: pessoas interessadas em atuação, dramaturgia e música. 

Valores: R$$160,00 (inteira), R$80,00 (meia-entrada) e R$ 48,00 (credencial plena)

Espaço CPT (7º andar) | Sesc Consolação

Vagas: 30   

Indicação: Não recomendado para menores de 18 anos

Pré-inscrição para o Processo Seletivo 

De 21/6, às 14h a 28/6, às 14h, em www.sescsp.org.br/cpt 

Na pré-inscrição, os candidatos podem escolher sua área de interesse, devem escrever sua carta de apresentação e carta de intenção nos campos de preenchimento on-line, enfatizando sua relação com a área escolhida, e inserir o link de acesso ao vídeo*, armazenado em alguma plataforma (YouTube, Vimeo etc.).  

Divulgação do resultado   

05/7: O resultado da seleção será enviado por e-mail para os pré-inscritos e divulgado no portal Sesc SP.

Confira a programação completa em www.sescsp.org.br/cpt e nas redes sociais:    

Instagram.com/cptsesc   |  facebook.com/cptsesc    

Twitter.com/cptsesc  |   Youtube.com/cptsesc    

Categories: Coluna de Segunda, Crônicas, Teatro

Tagged: Antônio José da Silva, ator Vasques, Cia do Latão, CPT, dramaturgia, Dramaturgia Brasileira, Foucault, função do autor, Gil Vicente, José Ricardo Pires de Almeida, Roger Chartier, Sergio de Carvalho, Sesc SP, Teatro Raimundo Magalhães Jr

COLUNA SEGUNDA DE TEATRO

Tania Brandão

Posted on 13 de junho de 2022

O cidadão e o nada

A nossa era é revolucionária – ela inventou o cidadão. Há pouco tempo, pessoas sem sangue nobre, sem vínculos profundos com o poder, jamais poderiam cogitar ter voz ou voto na vida social. Na verdade, estas espécies de arremedos humanos, nem eram gente: eram formas animadas do nada.

Há alguns séculos, os avós remotos daqueles que vieram do povo podiam até mesmo não ter nomes, sobrenomes. A maioria absoluta sequer tinha o direito de saber ler ou escrever. Formas nominais tais como “zé”, “zémané”, “zépovinho”, “jacques” apontam para estas existências anônimas, condenadas a sobreviver como máquinas de produzir, sem direito a ideias ou expressão.

Na longa história da opressão humana, alguns universos foram mais castigados. As mulheres formaram por longo tempo um continente à parte na sociedade, tuteladas e vistas como inferiores. Sim, algumas chegavam ao poder. Mas sempre achei bem curioso, na democrática Atenas, o fato da mulher de Péricles, Aspásia, por vezes ser definida como prostituta. As mulheres que andavam nos banquetes políticos e filosóficos eram hetaíras, mulheres honestas viviam no gineceu…

O elenco de problemas é vasto. Outras barbaridades profundas nos importam. Negros escravizados viveram um lugar de violência absurda, eram definidos sem constrangimento como ferramentas com alma. Esta inaceitável redução existencial deixou sequelas estruturais profundas na sociedade brasileira, até hoje não superadas. A partir dela, se podia considerar pessoas como objetos, desumanizadas, um processo de aniquilamento profundo, difícil de combater.

Indígenas, aqui mesmo no Brasil, foram tão massacrados, ignorados e renegados que custaram a figurar como etnia nos censos. Quando se tenta apurar os números oficiais da população indígena brasileira a partir dos censos, se verifica o tamanho da ruína: os indígenas não eram considerados nas apurações, ficavam diluídos sob terminologias tais como “caboclos” ou “pardos”.

O que estas constatações determinam para a cidadania hoje? É fundamental olhar de frente a nossa história humana, ter a dimensão objetiva das vitórias obtidas, avaliar as perdas e perceber o longo caminho ainda a percorrer para que possamos cogitar falar de nossas vidas como humanidade plena.

A atitude precisa deixar clara a importância da ruptura com toda e qualquer ótica de violência – ela lança uma luz intensa sobre ensinamentos de alguns grandes líderes. Trata-se de uma forma de luta-em-paz. Nesta partitura, nenhum saber, de Cristo a Martin Luther King, passando por Buda, Gandhi e um imenso rol de poetas, pode ser relegado a um plano secundário. Agora que somos todos cidadãos do mundo e encaramos de frente o direito à vida, vale agregar. Tudo precisa ser posto sob o foco, para que um dia, afinal, se complete a obra.

Sim, o caminho passa pelas escolas. No Brasil, a revolução escolar precisa ser a prioridade número um, absoluta, se quisermos deter nossa descida em direção à barbárie, caminho lamentável que o país começou a percorrer e do qual não demonstra desejar afastar-se. Se à educação for associada a arte, resultados mais efetivos poderão ser alcançados.

Há no Rio de Janeiro uma iniciativa importante neste campo: a implantação dos núcleos de arte, centros dedicados à formação básica em artes especialmente voltados para os alunos da rede municipal de educação. Os dados ainda são tímidos – para um total de 1063 escolas municipais, segundo pesquisa na internet, a rede municipal conta apenas com doze núcleos, segundo se pode apurar na página da Secretaria Municipal de Educação.

Eles são, ainda assim, lugares privilegiados de transformação humana. Nesta terça-feira, no Núcleo de Arte Dr. Dilson Francisco de Alvarenga Menezes, acontecerá uma tarde de atividades formativas dedicada ao estudo da Semana de Arte Moderna de 1922. A iniciativa promove a difusão de conhecimentos associada à formação – além de ter acesso a conteúdos importantes da história da arte nacional, os jovens alunos aplicam tais conhecimentos nos seus estudos de dança, teatro, artes plásticas, música e esportes.

Este tipo de reflexão fundamental – como levar o futuro a ser uma renovação humana e não uma derrota – frequenta a cabeça de educadores e pais. Trata-se de uma força que precisa ser ativada para que se chegue a um resultado novo. Não existe instrumento de mudança humana e social mais profundo do que a educação.

O limite a superar – convenhamos – é enorme. A dor social gerada por antigos e consolidados grilhões acaba por obrigar as mentes a estranhos exercícios de sobrevivência. Ela alcança um triste destaque no caso das mães negras, preocupadas em garantir a mera sobrevivência dos filhos, antes de qualquer outro valor: é preciso orientar um filho para que ele não seja brutalmente assassinado só por ser negro? É aceitável que se tenha que praticar uma educação de autocontenção para conseguir sobreviver?

Sim, a pressão da violência social brasileira, do preconceito, é tão absurda que chega a transformar a prática educativa das mães. O tema devastador está em cena na montagem Ninguém Sabe Meu Nome, estreia da semana na Sala Multiuso do Sesc Copacabana.

Com texto e atuação da excelente atriz Ana Carbatti, intérprete dotada de uma força telúrica admirável, o cartaz revela com maestria a dimensão social extensa do problema. Afinal, abordar o preconceito e a opressão não é um ato que demonstre um problema da população negra, mas é, antes de tudo, fazer um inventário de uma doença social inaceitável. Ela transforma a todos em aberrações humanas, põe à mostra mecanismos opressores vinculados a um velho tempo histórico.

Uma outra estreia no Mezanino do Sesc Copacabana, também do próximo dia 16, Amor e outras Revoluções, texto teatral de estreia da multiartista Tati Villela, amplia o debate acerca do tema humanidade e negritude. Em cena, o casamento de duas mulheres negras evidencia o imenso rol de aniquilações gerado pelo racismo estrutural no interior das pessoas.

Na linha de frente do debate está a dificuldade para o amor, evidenciada pela frase de bell hooks, mote para a concepção do texto: “Muitas mulheres negras sentem que em suas vidas existe pouco ou nenhum amor”. A reflexão, portanto, explora a introjeção dos procedimentos de opressão, toca fundo na ferida imposta, a dificuldade para amar a si mesmo.

O que se pretende é abrir caminho para o fluxo livre do amor. O amor, para a artista, figura como a saída mais legítima para o processo de miséria existencial imposto a todos pelo racismo estrutural. Em cena, Tati Villela atua ao lado de Mariana Nunes, sob a direção de Wallace Lino, e afirma a versatilidade do trabalho: a proposta envolve teatro, audiovisual, performance e música. O objetivo soa revolucionário, pois pretende lidar com um vasto universo de referências, dos afetos aos limites sociais e econômicos, implícitos na escolha de amar uma mulher negra, sendo uma mulher negra, hoje.

A questão formulada bate de frente com as resistências da sociedade atual, cimentadas para garantir a estabilidade do mal estar coletivo. A coesão do edifício funciona para impedir a expansão do amor e, logo, inviabilizar a difusão do humanismo. Visto por este prisma, o ideário poético revela a sua magnitude, a sua importância universal. Aqui, também, o que está em pauta não é um conflito localizado, pontual, estratégico para um grupo: ele é parte da inteireza do humanismo e, consequentemente, se impõe como necessidade coletiva.

E mais: a fala lúcida ecoa numa outra encenação, estreia também da semana, neste caso no Teatro Firjan SESI Centro. Sob a direção de Guilherme Weber, o Rio recebe a reflexão a um só tempo ácida e humorada do argentino Rafael Spregelburd, um dos mais hábeis dramaturgos pensadores do presente.

Tudo, como o nome denuncia, transporta o debate a respeito da relação indivíduo-sociedade no nosso tempo para a esfera mais ampla possível de implicações. O texto se compõe de três fábulas morais – quer dizer, relatos inventivos dirigidos ao indivíduo para que pense o seu lugar no mundo – escritas a partir de um desafio histórico muito objetivo. Quer dizer, tudo.

O autor recebeu o convite, formulado por um festival de teatro alemão, para escrever o texto em 2009, ocasião em que eram celebrados os vinte anos da queda do muro de Berlim. A solicitação foi feita sob um desenho bastante objetivo: discorrer a respeito de um problema ácido de nossa era, o colapso das ideologias e o questionamento das identidades. De certa forma, portanto, muito do leito que embalou o nascimento do indivíduo contemporâneo, ao lado da radiografia de sua orfandade.

O Estado protetor sonhado por muitos para formar e abrigar o indivíduo-cidadão construtor de uma nova época desmoronara; a maioria dos sonhos acalentados nesta velha luta se desfez como fumaça; a possibilidade de se mover neste espaço histórico novo como parcela pensante significativa demandava que tipo de energia humana, algo tomado a velhos paradigmas ou uma visão renovada?

A saída apresentada por Spregelburd caminha em direção à avaliação da transformação ideológica da sociedade, acredita na potência do indivíduo-sujeito. Assim, a primeira fábula aborda o tema da burocracia a partir da pergunta: por que todo Estado vira burocracia? Em cena, funcionários burocráticos começam a questionar valores e comportamentos absurdos de sua rotina.

Na segunda fábula, o inefável campo da arte é o destaque, com a abordagem da sensível relação entre arte e negócio, encruzilhada que acena com a possibilidade de redução do poder da arte. Na cena, convidados para um jantar de Natal adiam o início da refeição, envolvidos num debate acalorado ao redor do pós-modernismo. As palavras, portanto, flertam com o tema candente da salvação humana – e a última fábula trata das tessituras oferecidas pela religião, com um casal às voltas com a doença do filho recém nascido, numa noite de tempestade.

Perguntas densas – mas também coloridas por um humor corrosivo – percorrem o texto argentino. Formuladas por elenco de alta voltagem criativa – Julia Lemmertz, Dani Barros, Vladimir Brichta, Claudio Mendes e Márcio Vito – elas se tornam convites envolventes. Despertam a paixão mais profunda pela vida. Paixão, aqui, significa perguntar, ou melhor, vontade de entender. Não se trata de simples busca de sentido lógico, vontade de consertar as existências, ajustar o rumo da louca nau do mundo. O que acontece em cena é apenas teatro.

Teatro, afinal, não é uma ferramenta prática, não pode mais ser uma cantilena moral entediante cortesã. Num sentido amplo, teatro é uma fábrica de humanidade. Logo, formação de pessoas. Mas, ainda que sob as leis do mercado, a formação é dialógica.

A formação da pessoa, então, passa a ser a sugestão de perguntas – índice de questões coerentes com o ritmo da vida hoje, sintonizadas com a marcha do mundo. Este é o grande segredo de nossa revolução – oferecer armas, tanto ligadas às lágrimas, como ao riso – para que cada um possa fazer, dentro de si, a sua transformação, a grande revolução do tempo presente, sensível, interior.

FOTO: ANA CANAVARRO, Tudo. Dani Barros e Vladimir Brichta.

NÚCLEOS DE ARTE DA SECRETARIA MUNICIPAL DE EDUCAÇÃO DO RIO DE JANEIRO

NINGUÉM SABE MEU NOME

Ficha técnica:

FICHA TÉCNICA

Idealização: Ana Carbatti

Texto: Ana Carbatti

Dramaturgia: Inez Viana e Mônica Santana

Direção: Inez Viana e Isabel Cavalcanti

Direção de Movimento: Cátia Costa

Cenário: Tuca Mariana

Figurino: Flávio Souza

Desenho de Luz: Lara Negalara e Fernanda Mantovani

Direção Musical: Vidal Assis

Fotografia: Estúdio Códigos

Vídeo/Foto: Helena Bielinsk

Direção de Produção: Aliny Ulbricht

Produção Executiva: Raissa Imani

Direção de Comunicação: Daniel Barboza

Estágio de Produção: Karen Sofia

Coprodução: Kawaida Cultural

Realização: Sesc Rio

Assessoria de Imprensa: JSPontes Comunicação – João Pontes e Stella Stephany

Serviço:

ESTREIA: dia 16 de junho (5ªf), às 18h

Teatro: Sala Multiuso do Sesc Copacabana

Rua Domingos Ferreira, 160, Copacabana

Tel: (21) 2547-0156

HORÁRIOS: quinta a domingo às 18h

INGRESSOS: R$30 e R$15 (meia)

DURAÇÃO: 50 min

CLASSIFICAÇÃO ETÁRIA: 12 anos

GÊNERO: drama

CAPACIDADE: 48 espectadores

TEMPORADA: até 10 de julho

AMOR E OUTRAS REVOLUÇOES

Ficha técnica:

Dramaturgia: Tati Villela

Elenco: Tati Villela e Mariana Nunes

Direção: Wallace Lino

Produção Executiva: Ana Beatriz Silva

Direção de Movimento: Camila Rocha

Assistente de Direção: Desiree Santos

Iluminação: Tainã Miranda

Figurinos: Raphael Elias e Gabriel Alves

Cenografia: Raphael Elias

Trilha sonora e Direção Musical: Ana Magalhães

VJ: Andressa Nubia

Fotógrafo e Designer gráfico: Charles Pereira

Social media: Aline Fornel

Assistência de produção: Priscila Manfredini

Cenotécnico: Uirá Clemente

Assessoria de Imprensa: Marrom Glacê Assessoria

Coordenação de Produção: Rafael Fernandes

Realização: Quafá Produções

Serviço:

Temporada: 16 de Junho a 10 de Julho

Dias da semana: Quinta a domingo

Horário: 20h

Ingressos: R$ 7,50 (associado do Sesc), R$ 15 (meia-entrada), R$ 30 (inteira)

Local: Mezanino do Sesc Copacabana

Endereço: Rua Domingos Ferreira, 160, Copacabana, Rio de Janeiro – RJ

Informações: (21) 2547-0156

Bilheteria – Horário de funcionamento:

Terça a sexta – de 9h às 20h; Sábados, domingos e feriados – de 13h às 20h.

Classificação Indicativa: 12 anos

Duração: 80 minutos

Tati Villela e Mariana Nunes, foto Charles Pereira.

TUDO

Ficha Técnica:

De: Rafael Spregelburd

Direção: Guilherme Weber

Elenco: Julia Lemmertz, Dani Barros, Vladimir Brichta, Claudio Mendes e Márcio Vito

Cenografia: Dina Salem Levy

Figurino: Kika Lopes

Iluminação Renato Machado

Preparador corporal: Toni Rodrigues

Diretora-assistente: Verônica Prates.

Produção: Quintal Produções

Direção geral: Verônica Prates

Coordenação artística: Valencia Losada

Produtor executivo: Thiago Miyamoto

Assessoria de Imprensa: Pedro Neves.

Serviço:

Teatro Firjan SESI Centro

Av. Graça Aranha, 01 – Centro – Rio de Janeiro

Temporada: 16 de junho a 17 de julho de 2022

Quintas e sextas, 19h

Sábados e domingos, 18h

Ingressos à venda pela plataforma Sympla e na bilheteria do teatro

Valores: 40,00 (inteira) – 20,00 (meia)

Desconto de 20% para funcionários da Eletrobras

Classificação: 14 anos

Duração: 1h30

Patrocínio: Eletrobras

Apoio cultural: Firjan Sesi

© 2022 Lina Sumizono – créditos obrigatórios

Categories: Textos sobre teatro

Tagged: Amor e outras revoluções, Ana Carbatti, ESTREIAS DA SEMANA, Ninguém sabe o meu nome, Núcleo de Arte Dr. Dilson Francisco de Alvarenga Menezes, Rafael Spregelburd, Secretaria Municipal de Educação do Rio de Janeiro, Teatro Sesc Copacabana, Tudo

COLUNA SEGUNDA DE TEATRO

Tania Brandão

Posted on 7 de junho de 2022

A cena ideal, os ídolos do nosso tempo e o sonho carnavalesco

Claro, você com certeza já gastou algum tempo de vida com uma velha pergunta: qual seria o teatro ideal para o Brasil? Um teatro de texto e de ideias, filho dileto das nossas raízes europeias? Ou um teatro buliçoso e rebolativo, herdeiro garboso das festas de terreiros e quintais? Ou um teatro de pura música, apenas vidas expostas aos ritmos e sensações? Ou algo novo, nosso, com tudo junto e misturado…?

A pergunta tem uma face áspera – insinua que não temos ainda, depois de tanto tempo em cena, um teatro para chamar de nosso, quer dizer, brasileiro. Será? E mais: afinal, o teatro não é, no fundo e na alma, um fato europeu? Como desejar que ele seja outra coisa, sem que ele escape de sua verdadeira forma de ser? Não seria um paradoxo absurdo buscar um “teatro brasileiro” que não fosse súdito da cena d’além mar?… Discutir a definição do teatro, a essência do teatro, que desafio, apenas com a pretensão de singela de encontrar lá no fundo, encolhido, o Brasil!

Sem mergulhar no lado mais denso do debate, pois esta é apenas uma coluna de caráter informal, importa reconhecer o valor de todos os que doam as suas vidas a favor da cena por todo o território nacional. Tentar dizer que o teatro que nos abraça por todos os cantos do país não é teatro ou não é brasileiro, ou não nos diz respeito, é mais do que blasfêmia, é agressão desmedida contra os séculos de suor cênico, de João Caetano a Juca de Oliveira ou Totia Meirelles, estes lindamente em cena neste exato momento.

Basta passar os olhos pela lista dos vencedores do 16º Premio APTR, aclamados hoje numa linda noite de festa no Teatro Claro Rio, para encontrar, nos nomes celebrados, muito do Brasil. Os destaques da noite não apenas incluíram indicados e vencedores. Uma lista generosa de homenagens trouxe à cena nomes representativos da mais fina arte teatral brasileira: Suely Franco, Emiliano Queiroz, Antonio Pedro e Miriam Mehler. A atriz Ana Beatriz Nogueira recebeu uma homenagem especial por seu projeto, durante a pandemia, de Teatro Sem Bolso – um tipo de presença de espírito em situação de crise que, convenhamos, tem muita sintonia com um jeito de ser nacional.

Mas vale perguntar um pouco adiante. Onde ficaria, neste vasto elenco de homenageados e premiados, o tema da brasilidade? Se olharmos com atenção, dá para perceber, nos diversos nomes, tanto uma malícia física intensa, no caso dos atores, quanto existe uma inteligência geométrica peculiar no tratamento dos espaços, por diretores, cenógrafos, iluminadores. Em geral, um tipo de calor afetivo visita as cenas em destaque, tanto para criar como para sobreviver cercado por adversidades – esta temperatura é inegavelmente nacional.

É possível medi-la, nomeá-la, decifrá-la em palavras e racionalizações? Difícil responder – em lugar de brigar contra a obra que realizamos, discutir em vão o que somos, vale mais a pena nos olharmos, vermos o estágio da arte coletivamente construído por aqui. Padecemos de uma estranha doença, um enclausuramento narcisista. Para este mal, só importa a arte de nossa própria lavra ou da nossa tribo, todo o resto é desprezível.

A síndrome tem origem histórica. Em boa parte, ela traduz um velho jeito de ser Brasil, lá do século XIX, segundo o qual haveria uma elite requintada cercada por bugres que precisam ser ou extintos ou civilizados. O mal afetou muito a vida do teatro musical, da comédia e a arte dos primeiros atores, em benefício do que seria uma verdadeira elevação em direção ao grande espírito da arte. Interessante perceber como este preconceito evoluiu e chegou até hoje, sempre voltado para a criação de formas de negação da arte, no interior mesmo da classe artística.

A partir da implantação do moderno, especialmente a partir dos anos 1940, se fortaleceu muito no interior do teatro brasileiro um sentido estranho de negação da criação instituída. Se antes a campanha nascia muito dos literatos e doutos, de repente ela passou a grassar dentro da categoria. Para os modernos, os velhos primeiros atores, a seu ver antigos, eram algo para soterrar, esquecer, quando na verdade eles foram artífices da cena num grau avançadíssimo de construção poética.

Sim, existe sempre, na lógica de produção da arte, um atrito entre as gerações – o novo, o jovem, para se afirmar, busca detonar cegamente a geração anterior. Mas isto deve se dar dentro de certos limites: o exemplo clássico é a inteligência de Machado de Assis em reconhecer a grandeza impressionante de João Caetano, muito embora o grande ator fosse visto como uma aberração cênica para os valores do realismo.

De certa forma, no século XIX, apesar da ideia de arte refinada versus arte bárbara, havia uma espécie de “pacto de sangue da arte”, que permitiu até mesmo que Artur Azevedo sobrevivesse no meio acadêmico. No entanto, o pacto foi rompido com os modernos. Era importante, para buscar instaurar o poder da encenação e do diretor, negar todo e qualquer mérito a personalidades artísticas tão inebriantes quanto Procópio Ferreira ou Dercy Gonçalves, os dois grandes exemplos históricos deste quadro. Contudo, logo o feitiço iria se virar contra os feiticeiros – a geração do teatro de grupo engajado se preocupou em negar qualquer qualidade ao palco moderno, do TBC e das grandes companhias de atores, que passou a ser visto como o “teatrão”. Quer dizer, arte para desprezar e rejeitar.

E assim seguiu a roda: logo os jovens grupos irreverentes, da criação coletiva, também atiraram pedras contra o teatro engajado. Por sua vez, todo o palco instituído, hoje, recebe ataques frontais dos defensores da performance, do experimentalismo radical e da teatralidade difusa – em falta de nome melhor para falar de um certo tipo de experimentação espontaneísta artístico-cênica de agora. Isto sem que se fale nas ondas de rejeição aos musicais – justamente o segmento do teatro atual que mora no coração do público…

Sim, sofremos de uma estranha síndrome: uma vontade de não aderir a um projeto coletivo de contemplação da sociedade brasileira. Uma boa parte da classe teatral foge do teatro, nega o teatro, briga para fazer uma arte de reduzido alcance público, um teatro de iniciados, quase religioso. Isto é – busca-se fazer um teatro em que o que menos importa é o público. Sem problemas fazer uma arte na qual a fatura poética é o mais importante; só que, para ser teatro, talvez a ênfase não possa residir no projeto do artista, mas, sim, antes, deve viver do diálogo direto com os contemporâneos.

Caminhos, muitos caminhos podem ser traçados a partir deste tipo de reflexão. Seria muito importante manter os olhos bem abertos para não perder de vista o edifício construído até aqui. Para entender os seres humanos do nosso tempo, inequívocos resultados de um processo humano histórico, os grandes textos da dramaturgia ocidental trazem uma carga poética e humana sempre revolucionária. Mas, tradições locais – sim, tradições, a palavra é esta – precisam ser reconhecidas, tais como a plasticidade corporal, a musicalidade, a descontração essencial gerada pelo hábito de dançar nas ruas, a inclinação para a pulsação mais quente das cores, o ímpeto decorativo barroco…

Um espetáculo estreia esta semana apontando um encontro curioso de vertentes poéticas – Joãosinho & Laíla: Ratos e Urubus, larguem minha fantasia, novo cartaz do Teatro de Arena do SESC Copacabana. Importante conferir o resultado alcançado, no qual se cruzam múltiplos caminhos teatrais e populares, se é que ainda se pode qualificar os desfiles das escolas de samba do nosso tempo como arte popular. Mas esta é uma outra discussão.

O que vale aqui é este coquetel brasilov, digamos, um tipo de molotov para chamar de nosso. Uma combinação bem explosiva, provocante e provocadora. Há um texto convencional de teatro, assinado por Marcia Santos, cujo foco central é o histórico desfile da Beija Flor de Nilópolis em 1989, no qual as genialidades de Joãozinho Trinta e Laíla sacudiram, no mínimo, a cidade. Na avenida, a miséria social característica do país, profunda e constrangedora, era abençoada pela figura de um Cristo mendigo, censurado e envolto em plástico preto. A cena, portanto, trará os bastidores e a gestação do desfile, recortes da vida brasileira, questões básicas do carnaval e da mecânica dos desfiles.

A ideia, concebida por um ator que é profundo conhecedor do carnaval carioca e do samba, Édio Nunes, contou com a adesão de Patrick Carvalho, experiente coreógrafo de comissões de frente dos desfiles. A equipe reunida, aliás, é formada por nomes dotados de vivência intensa do carnaval, do candomblé e do teatro: Wanderley Gomes, Cridemar Aquino, Ana Paula Black e Milton Filho dominam todos os alfabetos acionados pela proposta.

Isto significa a abertura de um campo de pensamento teatral inteiramente novo – seria de absoluto interesse para a cena contemporânea se a Prefeitura do Rio de Janeiro convidasse o projeto para apresentações no sambódromo, uma forma de levar ainda mais adiante a pesquisa original proposta. Fica muito evidente um dado fundamental a respeito da encenação, de alcance prioritário para os debates teatrais atuais: o projeto tem um enorme potencial de público. A peça lança no mercado teatral uma outra interface possível para a aproximação entre o palco e a sociedade do nosso tempo.

Portanto, a coisa é muito simples: é ir ver a montagem, conferir a vitória alcançada a favor de uma visão nova da cena e estimular ao máximo a difusão do projeto. Diante dele, uma bela novidade: a chance de, enfim, perguntarmos, com muita convicção, se acontece, nesta cena, algo que se poderá qualificar como um caminho para um teatro verdadeiramente brasileiro.